Автопортреты зарубежных художников. Автопортрет в мировом изобразительном искусстве

Буйство селфи, возможно является вещью нового поколения, но автопортреты не являются чем-то новым. С Древнего Египта и до Ренессанса автопортреты украшали попытки художников на различных этапах их карьеры. Все это говорит о том, что концепция автопортрета, на самом деле, стала популярной в 15 веке и с тех пор, художники, начиная от любителей и до классических мастеров расписывали их в различных стилях и в различной степени точности.

Учитывая, что даже начинающий художник, а впоследствии диктатор Адольф Гитлер нарисовал автопортрет, можно с уверенностью сказать, что суть захвата - отнюдь не новое явление. Все это говорит о неоспоримой истине, что некоторые автопортреты помещены выше остальных. Это может быть по разным причинам, собственная слава художника, подлинность портрета или стиль, который был использован для создания модели.

Ниже перечислены 10 самых известных автопортретов.

Покинув мир медицины ради мира искусства в возрасте семнадцати лет, Фрида Кало, безусловно, оставила след в истории. Она нарисовала множество автопортретов или себя в различных жизненных аспектах, и каждый из них художественно красив и эмоционально привлекателен для аудитории. Но, пожалуй, одна из самых известных ее картин - автопортрет с терновым ожерельем и колибри.

Как и большинство ее известных картин, они включают в себя изображения, которые приносят психологическое и физиологическое ощущение боли. Решимость и боль, которые характеризуют ее жизнь через несчастные случаи и разводы, являются невидимой частью ее картин.

Нарисовав более 30 автопортретов на протяжении всей своей карьеры, Винсент Ван Гог коллекционировал автопортреты, которые признаны уникальными, индивидуальными и наверняка являются частью самых сливок художественного мира.

Автопортрет с перевязанным ухом - один из двух портретов, которые он сделал после отрезания правого уха, которое, по-видимому, стало левым в живописи, так как он использовал зеркало. Эта картина является составляющей списка не только из-за уникальности, но из-за истории позади нее.

Рембрандт нарисовал много портретов самого себя, но, пожалуй, самым известным является - автопортрет с с загнутым беретом. Он считается самым знаменитым автопортретом, так как является знаковым для показа его возраста.

Автопортреты Рембрандта гораздо более интересные произведения для изучения, когда дело доходит до света, он часто просил своих учеников копировать его автопортрет в форме практики и разрабатывать свой собственный стиль.

Известный четырьмя цветными рисунками, Энди Уорхол считается одним из величайших художников в эпоху поп-арта. Популярный зеленый, красный, синий, желтый сочетание печатные фотографии, видимые сегодня, могут быть приписаны ему.

Он сделал свой автопортрет в рамках этой серии, а также части других произведений. Но следует отметить, что его автопортрет в четырех цветах - одна из его самых известных работ.

Известный суровой реальностью, Дэвид Хокни создал множество автопортретов, которые отражают его как личность. Картины предназначены для того, чтобы продемонстрировать свои наблюдения, откровенные моменты и все неловкости, которые происходят с людьми.

Многие художники использовали зеркала как форму самовосприятия и использовали их, чтобы создать точный или идеалистический портрет самого себя - это отнюдь не новая идея. Способ, в котором Люсьен Фрейд использовал зеркала, особенно в его наиболее знаменитом автопортрете.

Он выглядит пугающим, так как на первом плане картины расположены двое детей, которые почти спрятались за ним.

Гюстав Курбе известен как художник-реалист. Его автопортрет, отель Le Desespere, на котором изображен молодой человек в отчаянии. С широко раскрытыми глазами и растрепанными волосами, в котором реализм в живописи приобретает новое измерение. Это одна из картин, которую Гюстав взял с собой, когда его отправили в ссылку.

Туринский автопортрет - единственный автопортрет Леонардо да Винчи, который удалось найти. Считается, что лицо желтого цвета связано с идеей возрождения человека. Независимо от сомнительного происхождения, эта картина остается одним из самых известных автопортретов.

Автопортрет Дюрера заставит всех зрителей сделать паузу и посмотреть на работу. Темный фон и темная одежда, черты лица и цвет кожи выделены. Художник несет большое сходство с Иисусом и большинство критиков предполагают, что это было сделано намеренно. Этот портрет был написан Альбрехтом Дюрером в ночь перед его 29-м днем рождения.

Критики по сей день спорят по поводу божественного сходства как формы идолопоклонства или как способа тонко указать на то, что талант Альбрехта был даром от Бога.

Создатель стиля, известного сегодня как импрессионизм, - Клод Оскар Моне. Моне страдал от катаракты и критики не могут решить, то ли портрет написан в стремлении запечатлеть его внешность или это всего лишь автопортрет в соответствии с веяниями времени.

Если вам не терпится осуществить свою мечту - научиться рисовать - то данная серия видеоуроков - то, что нужно для первого шага.

Автопортрет в мировом изобразительном искусстве.

Автопортрет характерен для всех видов искусства: писатели, поэты, музыканты – все отдавали дань увлечению этим жанром. Но особенно полно искусство самопознания, благодаря феномену автопортретности, выражено в изобразительном искусстве.

Многие художники рисовали, писали, лепили себя, часто используя зеркало, стараясь в собственном облике угадать настроение своего искусства. Если верно выражение: « Глаза – зеркало души», то можно сказать, что автопортрет – это зеркало души художника.

Известна также закономерность, что, портретируя других, художник подсознательно переносит свои индивидуальные черты на облик модели (поэтому, в переносном смысле слова, автопортретом является все творчество художника).

Автопортретами в широком смысле слова можно считать немногочисленные изображения художника за работой в египетских живописных изображениях или на греческих вазах (это образы собирательные, подобно тому как подписи гончаров являются фабричными знаками). Плутарх сообщает о дерзости Фидия (Слайд №2) , который изобразил самого себя среди участников «Битвы амазонок». Он создал удивительную, двенадцатиметровую статую Афины. А на щите богини изобразил сцену битвы греков с амазонками . Каково же было удивление современников, когда на громадном щите среди греческих воинов они узнали не только своего вождя Перикла, но и самого Фидия. Узнать было не сложно, поскольку фигуры воинов были в человеческий рост. Фидий изобразил себя в виде немолодого лысого человека, держащего камень в высоко поднятых руках. По легенде, мастер умудрился так смонтировать щит, что, убрав портретные фигуры, щит не мог сохранить свою форму и рассыпался. Может быть, современники и простили бы мастеру такое кощунственное соседство с богами, но уж очень строптивый был у Фидия характер, и слишком много было у него врагов. Поэтому, обвинив егов неуважении к богам, еще и в краже золота, Народное Собрание серьезно осудило художника, но отпустило под залог. Фидию предстояло выполнение большого заказа – создание статуи Зевса Олимпийского. Потом её назовут одним из семи чудес света. Тем не менее, проступок Фидия не был забыт. Мастер был заключен в тюрьму, где вскоре и умер.

В древнегреческом искусстве тогда отсутствовала традиция психологического портрета и тем более, автопортрета. Для древнего эллина активное участие в общественной жизни города, осуществление гражданских прав и обязанностей представлялись естественной формой деятельности. Именно это отличало его от раба, делало членом общества, и следовательно человеком. Поэтому в античном искусстве слабо развит интерес к частной жизни человека, к интимному миру его страстей и переживаний. Общественное выше индивидуального. Поэтому современникам было просто не понятно, зачем Фидий это сделал, ну кроме как для возвеличивания своей персоны.

Для эпохи христианства характерно стремление к покаянию, духовному трезвлению, исповедь – одна из основ духовного роста. И в автопортрете появляются мотивы самокритичности, «сердечного сокрушения». Изографы (так называли иконописцев) не подписывали своими именами созданные ими иконы, фрески, росписи в соборах. Но, известный факт, они часто оставляли свои изображения на фресках, панно, мозаиках. Идентифицировать их теперь, конечно, очень сложно. Правда, исследователи считают, что есть серьезные основания полагать, что Андрей Рублев оставил свое изображение на одной из фресок Успенского собора во Владимире. Там, в южном нефе, есть композиция «Апостол Петр, ведущий праведников в рай». Рядом с апостолом мы находим изображение человека. Он смотрит зрителю прямо в глаза. Такой прием очень характерен для художников раннего европейского Возрождения, которые часто рисовали себя в многофигурных композициях именно в такой манере. Средние века дали очень много – стремление за внешней человеческой оболочкой увидеть нечто несравненно большее – духовный мир.

Но окончательное формирование портретного и автопортретного жанра происходит, конечно, в эпоху Возрождения. Именно тогда формируются жанровые особенности автопортрета

Автопортреты подразделяются на несколько типов:1) «вставной автопортрет» - художник введен в групповую композицию; иногда он растворен в ситуации 2) «символический автопортрет» –художник придает собственные черты историческому или мифологическому персонажу 3) «групповой портрет» - профессиональный, семейный, памятный 4) «естественный автопортрет» – художник представлен за работой с профессиональными принадлежностями (или без них).

Джотто – великий новатор, подавший достойный пример: создав в Кастель Нуово

в Неаполе цикл «знаменитых людей», изобразил себя среди них. В капелле Бранкаччи в сцене из истории Петра в одном из апостолов, стоящем в заднем ряду, можно разглядеть изображение Мазаччо(слайды №3,4) . В многолюдном и шумном «Поклонении волхвов» крайним справа, в полный рост, в повороте три четверти представлен сам Боттичелли (слайды №5,6), смотрящий не на главную многолюдную сцену с семейством Медичи, а на зрителя.

В эпоху Возрождения автопортрет свидетельствовал о возросшем общественном значении художника, о росте его самосознания. Современники считали Леонардо да Винчи(Слайд №7) необыкновенным человеком, отмечая удивительную творческую разносторонность мастера. В позднем и единственном «Автопортрете» представлен блестящий итог жизненного пути великого итальянского живописца, теоретика и ученого, универсального гения и философа, искавшего новых путей к совершенству живописи.

Умбрийский мечтатель Рафаэль Санти (слайд №8,9) не обладал ни аристократичностью Леонардо, ни мощью Микеланджело, но имел открытую безмятежную душу и чарующую приветливость характера, что особенно ценилось современниками. Все эти достоинства убедительно просвечивают в его произведениях, ровным и счастливым настроением проникнуты и его автопортреты. В «Афинской школе»(слайд10, 11) Рафаэль под видом древнегреческих философов изобразил своих старших современников: Леонардо и Микеланджело, а автопортрет поместил скромно в правом нижнем углу фрески.

В период позднего Возрождения появляются автопортреты-символы, которые по-своему отражали сложный переходный период европейской культуры. Например, трагическое лицо-маска Микеланджело(слайд12) , которая абсолютно ясно различима в коже, снятой с грешника cв. Варфоломеем. Это фреска «Страшный суд». Или автопортрет Микеланджело Караваджо(слайд №13) в виде головы Голиафа, отрубленной Давидом. (Микеланджело «Давид с головой Голиафа».). Картина «Больной Вакх»(слайд №14) была выполнена художником в 16летнем возрасте. Предполагается, что она является автопортретом художника, написанном в госпитале во время заболевания лихорадкой. Об этом свидетельствует болезненный вид юноши. Фигура Вакха вплотную придвинута к раме картины. Художник прибегает к этому, чтобы приблизить персонаж к зрителю, создать ощущение их общения.

Автопортреты живописцев позднего Возрождения свидетельствуют о драматизме творцов, познавших одиночество и душевное смятение в столкновении с изменившейся действительностью. Автопортрет Тинторетто (слайд №15 ) За несколько лет до смерти Тициан(слайд №16) написал свой последний «Автопортрет» - уникальную исповедь, раскрывающую духовный мир великого мастера. Повернутая почти в полный профиль фигура обретает особую отрешенность.

Творчество удивительного художника 16 века Джузеппе Арчимбольдо(слайд №17) завораживает, удивляет и вызывает множество вопросов. Сведений о нем крайне мало: родился в Милане, работал с отцом над украшением Миланского собора, затем в должности придворного живописца жил и работал в Вене, Праге. У Рудольфа2 он носил титул «Мастер празднеств» и подобно Леонардо, изобретал, строил различные диковины, музыкальные автоматы (в мемуарах упоминаются его «перспективная лютня» и «цветовой клавикорд).

Эпоха в которую творил художник проходила под знаком натурфилософии, одна из главных идей которой – учение о живом космосе: времена года и стихии сопоставлялись с процессами происходящими в организме человека. Ветер уподобляли дыханию, гром - речи, восход солнца – улыбке; осень сравнивали со средним возрастом, зиму со старостью и т. д. Свой 46 летний возраст Арчимбольдо уподобил расцвету человеческой жизни и в автопортрете «Лето» развил тему знойного полдня, плоды которого вырастают из золотых колосьев пшеницы. Композиции Арчимбольдо пользовались столь бешеным успехом, что породили целые вереницы подражателей, именуемых «арчимбольдесками».

Для автопортретов маньеризма характерны замкнутость, усложненность внутреннего мира мастера. Автопортреты Понтормо, Пармиджанино(слайд №18).

Немецкий живописец и гравер, математик и анатом Альбрехт Дюрер осуществил уникальный синтез ренессансных принципов с рейнскими и нидерландскими особенностями. В отличии от итальянского, его идеал человека включал сомнения и тяжкие раздумья, воплощаясь в усложненных, аллегоричных , линеарно жестких художественных приемах. «Автопортрет с чертополохом» (слайд №19) возможно, был написан художником для своей невесты Агнес Фрей. В руках у Дюрера чертополох – символ мужской верности. Дюрер особенно внимателен к своим чертам и изображал себя, то дворянином(слайд №20), то в образе Иисуса Христа, не говоря уже о присутствии во всех больших композициях. В Венеции в церкви Сан Бартоломео Дюрер написал картину «Праздник чёток »(слайд №21), где по обычаю итальянских мастеров, поместил своё изображение на видном месте: из глубины нарядный Дюрер пристально наблюдает за зрителем. В руках у него развёрнутый лист бумаги с надписью по-латыни: «Сделал за пять месяцев. Альбрехт Дюрер, немец,1506 г.»
В наиболее известном из автопортретов, «Автопортрете в образе Христа»(слайд №22), мастер пластическими средствами проводит смелую мысль, что всякий художник – творец, а значит, подобен Богу. В этом порыве самоутверждения, набожного отождествления себя с Христом, он создал более 50 автопортретов. У Кранаха(слайд №23) и Гольбейна(слайд №24) их было только один или два.

Ян ван Эйк прибегал к «скрытому автопортрету», по крайней мере, дважды «Портрет четы Арнольфини» (слайд 25) и «Мадонна каноника ван дер Пале»(слайд 26) (на щите за спиной св. Георгия заметно слабое отражение фигуры, возможно, это автопортрет Яна ван Эйка). «Святой Лука, рисующий Мадонну» кисти Рогир ван дер Вейдена (слайд 27). Картина посвящена эпизоду легенды (12века, греческого происхождения) о св. Луке, написавшем портрет Мадонны и младенца Христа. Изображения св. Луки стали появляться в европейском искусстве с 14 века. Гильдии художников считали Луку своим покровителем и помещали изображения святого в своих капеллах. Возможно, Рогир ван дер Вейден изобразил себя в образе св. Луки (по этому пути пойдут Дирк Боутс, Госсарт и др.).

Портрет живописца в мастерской часто встречается в голландской живописи (Ян Стен, Питер Брейгель(слайд28) ) В работе «Гуляки»(слайд 29) Стен изобразил себя и свою жену Маргарет, дочь известного голландского художника Яна ван Гойена. Физиономия хозяина излучает благодушие и удовлетворение. Вся сцена до мелочей передана с большой искренностью, теплотой и чувством легкой иронии. Он сам главный персонаж и на картине «Кошачье семейство» (слайд 30). Художник, его жена и дети собрались за столом. Царит веселье. Девочка на заднем плане показывает всем новорожденных котят. Юмор, подчас даже ирония, богатая композиция, живой колорит характерны для его произведений.

В некоторых произведениях (например, «Мастерская живописца» Вермеера(слайд 31 ) художник повернут к зрителю спиной. Картина имела несколько названий «Аллегория живописи», «Искусство живописи», «Художник и модель». Композиционное построение, решение планов и антураж позволяют воспринимать картину символом искусства живописи. Тяжелый ковровый завес поднят, юная голландка, задрапированная в голубую материю, изображает музу истории Клио; на стене висит карта семи голландских провинций; сам художник изображен со спины, одет в праздничный наряд.

Семнадцатый век завещал нам гениальный художественный документ подлинного человеческого бесстрашия, не знающего границ саморазглядывания, зачастую беспощадного – многочисленные автопортреты Рембрандта , явившиеся своеобразным дневником. Очень наглядно показаны становление личности, развитие индивидуальности художника. Это целая автобиография в зрительной форме, не имеющая себе равных. Его автопортретным исповедям, отражающим конфликт с окружающим миром, присущи духовная глубина и напряженность. Малоизвестный «Автопортрет с отрастающей бородкой» (слайд 32) написан в середине 1630-х годов. Это самые счастливые для Рембрандта годы – время успеха у публики, поклонения учеников, женитьбы на любимой женщине Саскии ван Эйленбюрх. К этому же периоду относится «Автопортрет с Саскией на коленях» (слайд 33). Поднимая бокал с вином, художник оборачивается к зрителю, приглашая разделить счастливую трапезу и веселье. Пышные одежды, богатые аксессуары дополняют картину праздника. Рембрандт писал мистифицированные костюмированные автопортреты. (слайд 34)

Большой поколенный автопортрет из коллекций Нью-Йорка (слайд 35)– одно из самых мощных произведений живописца. Массивная фигура возвышается широкой пирамидой. Накинутый темный плащ не закрывает нижней одежды с ее водопадом мелких складок. По краям белого шарфа глухо мерцают полосы парчи. Левая рука придерживает простой посох. Посох как символ могущества, вроде скипетра царя или посоха библейского патриарха. Лицо полно решимости и ума. В остром взгляде читается сарказм и насмешка над окружающими, а может и над самим собой. Рембрандт на портрете как бы противостоит чуждой ему среде, он достаточно силен, чтобы выйти победителем из конфликта с нею. (Работа написана в 1658 году, через год после банкротства).

В последних автопортретах (слайд 36 )поражает усталое, нервное старческое лицо с глазами пытливо и мучительно всматривающимися в окружающий мир. Это взгляд человека, ценою горького опыта научившегося понимать самые важные и глубинные стороны жизни.

Питер Пауль Рубенс – центральная фигура фламандского искусства 17 века, творчество которого стало типичным выражением стиля барокко . «Автопортрет с Изабеллой Брандт»(слайд 37) - одно из полнокровных изображений счастливой семейной пары в европейской живописи.(слайд 38)

Ученик Рубенса Антонис ван Дейк написал за свою жизнь множество автопортретов. У Рубенса он перенял манеру трактовки поверхности, но отличался от него по темпераменту. Ван Дейк сознавал свою привлекательность. Был личностью неуравновешенной, темпераментной, считал себя в праве своевольничать, держаться заносчиво и надменно. Самый ранний его автопортрет изображает 15-летнего подростка. Затем автопортреты растут в размере и формате (погрудный, поколенный)(слайд 39 ), что отражает рост его уверенности в себе и своем портретном мастерстве. Получив награду от английского короля (золотую цепь и медальон с королевским изображением), Ван Дейк пишет «Автопортрет с подсолнухом»(слайд 40), где, указывая на цветок, приподнимает золотую цепь на груди. Ван Дейк выявляет себя скорее царедворцем, чем творцом. Как подсолнух поворачивается к Солнцу, так и подданному надлежит следовать за государем.

Чувством собственного достоинства проникнуты автопортреты французского классициста Никола Пуссена(слайд 41).

Автопортрет Диего Веласкеса(слайд 42, 43) включен в огромное (более 3 метров), получившее название «Менины» (фрейлины). Эта своеобразная и замечательно разработанная композиция. В картине много неясного. Кого пишет Веласкес? Королевскую чету, которую мы видим только в зеркале? Или то, что видим мы? Может живописец хочет выделит маленькую инфанту, наследницу престола, как персону более значимую, чем ее родители? А возможно суть заключается в изображении Веласкеса самого себя? Как вообще он решился писать королевскую семью в своей мастерской? Ведь придворному художнику полагалось самому явиться к королю или инфанте на сеанс. В те времена живописцев в Испании все еще относили к ремесленникам. Однако все чаще раздавались голоса в пользу причисления живописи, как в Италии, к свободным искусствам. То есть, отвечая всем главным художественным канонам, это полотно еще и декларирует то высокое положение, которое должен занимать живописец.

С 18 века почти все мастера мыслили свои автопортреты как манифесты собственного стиля. Наряду с социальной характеристикой художники 18 века - Шарден(слайд 44) , Рейнолдс(слайд 45), Гейнсборо(слайд 46), Хогарт (слайд 47 ) подчеркивали в автопортрете значение частной жизни человека, его пристальное внимание к себе.

Большое место автопортрет занимает в искусстве19 века, представители которого утверждали ценность творческой личности и ее богатой духовной жизни.(начиная с классицистов Давида (слайд 48 ), Энгр а(слайд 49) до романтиста Делакруа(слайд 50)) Искусство романтизма выработало новое представление о духовной независимости творца, наделенного даром обостренной восприимчивости и сострадания. Ведущий русский живописец Орест Кипренский (слайд51) писал себя неоднократно. В «автопортрете» 1828 года Кипренский изобразил себя со странно растерянным выражением лица. Робкий вопрос, обращенный к зрителю, чувство неуверенности, словно художник извне ищет подтверждений правоты своего пути. Настроение Кипренского, выраженное в «Автопортрете», имело основание. Его талант не получил признания на родине и художник, не находя применения своим творческим способностям, испытывает горькое разочарование.

Совсем другим настроением проникнуты автопортреты Гюстава Курбе , французского реалиста середины 19 века. Курбе пишет себя с поразительным упорством, его автопортреты отличает самолюбование. Курбе был беден и возможно служил для самого себя наиболее доступной моделью. Но его беспокоил еще один вопрос. Кто он, художник? Курбе разрабатывает разные варианты и останавливается тогда, когда показывает художника (т. е. самого себя) активным участником современной ему общественной и художественной жизни(слайд52) . «Автопортрет с собакой »(слайд 53) написан на фоне природы, художник уделяет большое внимание костюму, рядом спаниель, альбом для рисования и палка. Он говорит о своей профессии, о своей любви к родному краю. Курбе как бы говорит: глядите, каков я – молод, красив, и не так уж прост, как кажется на первый взгляд.

В автопортретах Курбе господствует социальный пафос, а в изображениях Ван Гога(слайд 54) – психологический. На рубеже 19-20 вв автопортрет часто избирают для выражения личного мироощущения, собственной живописно-пластической концепции (Поль Сезанн(слайд 55) ), внутренней духовной напряженности мастера. Примером могут служить многочисленные автопортреты Винсента Ван Гога. Его автопортреты называют исповедальными. Ван Гогом создано несколько циклов автопортретов. Такое ощущение, что художник стремится понять самого себя. Он будто бы ведет диалог с собой, обсуждая радости и потери, взлеты и поражения. Автопортреты Ван Гога представляют кривую душевного состояния художника – это своего рода кардиограмма, предвещающая неминуемый летальный исход.

«Автопортрет с перевязанным ухом» (слайд 56 )был написан после бурной ссоры с Гогеном. Дружба двух талантливейших художников закончилась ссорой. Непомерно чувствительному Ван Гогу было очень сложно с эгоистичным и самолюбивым Гогеном(слайд 57) . Тем не менее, решение Гогена уехать из Арля и покинуть его вызвала у Винсента Ван Гога очень острую реакцию. В припадке безумия Ван Гог отрезает себе мочку уха. После выхода из больницы художник пишет этот автопортрет. Все автопортреты Ван Гога притягивают внимание. Предельная искренность, цвет, техника пуантилизма, в которой были написаны поздние автопортреты художника, завораживают зрителя. Если попытаться немного отрешиться от обычной мысленной суеты, то, всматриваясь даже не в оригиналы, а в хорошие репродукции его работ, можно почувствовать такие глубины внутреннего мира, которые помогут понять не только этого удивительного человека, но и себя.

Кстати, в психологии давно используют прием написания автопортретов. Психологи полагают, что сам процесс такой работы уже оказывает положительный психотерапевтический эффект.

Накануне Первой мировой войны художники-сюрреалисты и представители новой вещественности вновь обратились к автопортрету.

Рене Магритт – глава бельгийских сюрреалистов, лирик авангардизма , создал свой индивидуальный стиль. В «Автопортрете художника за работой» (Проницательность)(слайд 58) сидящий у мольберта автор рисует взлетающую птицу, образ которой, как талисман, часто встречается на его полотнах. Ассоциируется со свободным полетом творческой души. Картина «Попытка невозможного» (слайд 59) - это автопортрет художника, рисующего свою жену. Автор заканчивает писать руку обнаженной Жоржеты, стоящей перед ним. Художник фактически осознает, что под его кистью возникает не копия реальности, а новая реальность, словно это происходит во сне. Творец уподобляется Всевышнему, а творчество – богоподобному состоянию.

Испанский сюрреалист Сальвадор Дали поражал воображение зрителей своими автопортретами «Автопортрет с шеей Рафаэля»(слайд 60), «Африканские впечатления», «Автопортрет в обнаженном виде». Экстравагантностью натуры, гипертрофированным честолюбием, он создал почву для мифологизации собственной персоны. Художник образно отзывается о своем лице на автопортретах: «Это перчатка моего я». Картина «Дали рисующий со спины Гала …» (слайд 61)- воплощение идеи многомерного, стереоскопически объемного пространства с целью достижения иллюзии осязаемости. Эффект воздействия картины в картине. Художник и его модель смотрят друг на друга в зеркало, словно замкнувшись в трехмерном пространстве, а на самом деле наедине со своими мыслями и чувствами.

Одна из важнейших причин неразвитости автопортрета на раннем этапе истории новой русской живописи (за исключением великолепного автопортрета Матвеева ) заключается в положении художника в общественной системе, в условиях его существования и в особенностях социального самочувствия. Русский живописец в XVIII веке – как бы ремесленник, он несет на себе отпечаток средневековой концепции личности – корпоративной, далекой от идеи самовыражения. Иван Аргунов(слайд 62) и Семен Щедрин, – они держат палитру, ясно выявляя свою причастность к ремесленному цеху, а не к артистической среде. С палитрой изображали себя многие мастера XIX и XX веков, но там смысл профессионального атрибута был иным: он, наоборот, приобщал художника к числу избранных, ставил его во внесословную ситуацию, причислял, если можно так сказать, к артистическому сословию. В XVIII же веке художник выглядит скромным тружеником, не желающим соревноваться с теми, кого обычно пишет в портретах, и как бы всегда "знающим свое место".

Несколько слов об автопортрете Матвеева(слайд 63). Он написан после более чем десятилетнего обучения живописи в Голландии, несет в себе едва уловимые черты зарождающегося рококо, является вместе с тем зрелым созданием национальной живописной школы. Беспрецедентным в то время было изображение не государственного деятеля, а частного человека, более того, самого художника и его жены – Ирины Степановны, дочери кузнечного мастера.

Зато в русском романтизме автопортрет расцветает с необыкновенной силой. В автопортретах Кипренского можно прочесть очень многое. По ним составляешь представление о живописи начала XIX века, В нескольких произведениях сосредоточились главные тенденции развития русской портретной живописи начала столетия. Автопортреты Орловского, Брюллова служат одними из лучших образцов русской живописи 40-х годов. Орловский(слайд 64) не знал недостатка в костюмировке. Он сам, кстати, сочинял форму для разного рода войск и охотно одевал себя, в частности, в черкесский костюм – не ради того, чтобы придать изображению парадные формы, а ради героизации собственного образа. Такая героизация была своего рода костюмировкой, о чем свидетельствует и знаменитый графический автопортрет в красном плаще (1809). В целом русский автопортрет романтической поры тяготеет к пессимистической концепции. Об этом свидетельствуют и эволюция Кипренского, и заключительный акт всего романтизма – брюлловский автопортрет 1848 года(слайд 65)

Брюллов написал свой портрет во время тяжелой болезни, которая впоследствии оказалась смертельной. Но было бы ошибочным объяснять трагическое выражение «Автопортрета» лишь предчувствием близкой смерти. Брюллов как бы подводит здесь итог всей прожитой жизни.
Весь петербургский период его жизни (1836-1849) внешне, казалось бы, полный успехов и отмеченный шумной славой, в действительности был глубоко трагичен. Брюллов задыхался в мертвящей, казенной атмосфере николаевского Петербурга. Талант замечательного художника не находил себе достойного применения. Взамен свободного творчества Брюллову было предложено заниматься росписью Исаакиевского собора. Историческая картина «Осада Пскова», в которой Брюллов видел главное дело своей жизни, была поставлена под официальный надзор и неоднократно подвергалась коренной переработке. Она так и не была дописана до конца. Чувство горькой неудовлетворенности не покидало художника, тягостное ощущение зависимости сковывало его силы. Крушение его лучших замыслов и объясняет ту суровую безнадежность, ту трагическую патетику, которой проникнут «Автопортрет».
Любопытные сведения об этом произведении сообщает ученик Брюллова:
«Впоследствии я узнал от самого Брюллова, что он употребил на исполнение своего портрета два часа. Брюллов очень недолго был похож на этот портрет... Минутами я находил в нем большое сходство с оригиналом, но это сходство беспрестанно ускользало от меня и заменялось чем-то чужим».

В романтическую эпоху художник предостаточно занят собой, у него появляется возможность смотреть на себя в зеркало, не соразмеряя такое занятие с "общественно полезными" задачами. Даже "общественно обязанный" классицист Шебуев(66) забывает о строгих правилах и рисует себя в костюме XVII века рядом с гадалкой, предсказывающей ему судьбу. Правда, автора не покидает потребность в традиционной демонстративности. Рядом с романтизмом формируется направление, которое в зарубежном искусствознании получило наименование раннего реализма. В России оно представлено Тропининым(слайд 67), Венециановым, его учениками и художниками, близкими этому кругу. Они охотно писали автопортреты – просто, без затей, даже прозаично, деловито.

Если обратиться ко второй половине 19 века, то там мы найдем пример, который может быть поставлен рядом с вышеупомянутыми, – автопортрет Крамского(слайд 68) , собравший в себе важную проблематику искусства 60– 70-х годов. Разночинец, борец за правду, энергичный деятель, строгий судья, таким выглядит мастер на полотне. При этом автопортрет сохраняет деловой характер. Наиболее выразительны те работы, где Крамской обращен к зрителю. Его взгляд буравит вас, смотрит он исподлобья – строго, придирчиво, требовательно, с упреком. Почти все автопортреты – живописные и графические – имеют именно в этом пункте сходство. Строгий взгляд, присущий Крамскому еще с юношеских лет и не имевший тогда программного значения, позже превратился в формулу демократической требовательности.

Рубеж столетия снова дает расцвет автопортрета. И хотя он уже не концентрирует в себе основные тенденции историко-художественного процесса, как было в живописи раннего русского романтизма, эта вспышка оказалась весьма знаменательной. Она связана с новой системой художественного мышления, где роль самого художника стала огромной, тяга к самовыражению – небывалой, к индивидуальному творческому почерку – как никогда сильной.

Когда одним взглядом окидываешь развитие автопортрета на рубеже XIX –XX столетий, сразу же бросается в глаза его многогранность, многообразие форм, в которых художник представляется самому себе. Здесь нашли место самые различные варианты. Суровая придирчивость в самооценке – у раннего Серова(слайд 69) .Автопортреты Борисова-Мусатова, Нестерова(слайды 70, 71) Глубокое человеческое страдание, смешанное со сверхчеловеческой гордостью, – у позднего Врубеля(слайд 72) . Маска довольства – на лице Сомова, за которой скрывается надлом. Светская поза – в автопортрете Бакста. Мистическое самовидение – у Кузнецова. Мыслительная сосредоточенность – у Петрова-Водкина(слайд 73) . Везде автопортрет – факт самой истории живописи – и качеством, и характером образа. Для его оценки никакие переводы из одной области в другую не нужны. Автопортреты Репина, Сурикова (слайды 74, 75)
Тогда живописец может предстать перед нами в облике "великого художника" (Лентулов )(слайд 76), в качестве боксера, борца или гиревика (Машков и Кончаловский )(слайд 77 ), пароходчика или матроса (Машков или Татлин(слайд 78) , который на самом деле долго был матросом), солдата (Ларионов, который на самом деле был солдатом), скрипача (Лентулов), летящего над городом влюбленного (Шагал )(слайд 79).

При упоминании имени Кончаловского кто-то представит атлета с «Автопортрета Ильи Машкова с портретом Петра Кончаловского», кто-то вспомнит пушистые букеты сирени или пейзажи и натюрморты в стиле Сезанна. Его знают как художника-бунтаря, одного из основоположников общества «Бубновый валет », потрясавшего основы «традиционной живописи», и как реалиста, любимца советских вождей. Его кисти принадлежит известный «Автопортрет с женой» (слайд80)

Отщепенец, пролетарий умственного труда, бродяга, хулиган, безумец – таким часто оказывался художник или поэт в живописном, графическом или литера­турном автопортрете 1910-х годов

Многоликость авангардистского автопортрета соответствует сути новейшего искусства. Художник изображает себя все в новом и новом виде, как он изобретает все новые формы искусства. Отказываясь же от изобретения, он остается за бортом современного движения. Кроме того, автопортрет – это своеобразная декларация, творческая платформа. Обилие вариантов равно характерно и для той, и для другой сферы. Прямая аналогия пролегает на одной из самых характерных линий искусства русского авангарда. Да и не только русского.
Автопортрет в картине – обычное явление искусства со времен Средневековья и Ренессанса. Художник часто представлял себя в виде донатора, свидетеля того или иного события. Традиция эта хотя и модифицировалась в течение последующего времени, тем не менее сохранилась. В русском искусстве XIX века мы часто сталкиваемся с фактами включения автопортрета в картину.

Ге в "Тайной вечере "(слайд 81) представляет себя уже не свидетелем, а участником (апостол Петр). Он сам выступает как исторический персонаж, отстаивающий истину.

Для Федотова такой путь облегчен тем, что его творчество в сущности автопортретно. В серии сепий он не раз изображал себя. В поздние годы он не только уподобляет личную ситуацию ситуации своих героев ("Анкор, еще анкор"), но и ставит себя в положение центрального персонажа (в картине "Игроки")(слайд 82).

Автопортрет появляется вновь в живописи 1960-х годов, у советских художников т. н сурового стиля. В них поражает острый самоанализ, иногда беспощадная ирония, безжалостность приговора самому себе. Все это, однако, не исключает многоликости современного портрета, и философски осмысляющего жизнь, и сурово анализирующего ее, и выражающего лирическое, поэтическое чувство радости бытия О. Филатчев «Автопортрет в красной рубахе», «Автопортрет с матерью»(слайд 83). В автопортрете «Шинель отца» (слайд 84) Виктора Попкова мы видим пример тонкой художественной метафоры, соотнесение прошлого и будущего. У мастера множество автопортретов-картин: «Работа окончена» (1971), «Павел, Игорь и я», «Мать и сын » (слайд 85), «Ссора», «Приходите ко мне в гости» и пр. Язык этих картин символичен. В «Шинели отца» колорит тревожный, темно-зеленый с сине-лиловым; сложно нюансированный красный – в картине «Мать и сын».
Автопортрет был популярен среди женщин художниц (Артемизия Джантилески (слайд 86) , Розальба Каррьера, Элиза Виже-Лебрен(слайд 87) , позже Кете Кольвиц, Мари Лорансен, Берта Моризо(слайд 88) , Наталья Гончарова(слайд 89), Фрида Кало (слайд 90) и др.).

В истории искусств есть случаи, когда именно автопортрет давал художнику импульс для будущей популярности его работ. Так случилось с Зинаидой Серебряковой (слайды 91, 92, 93) .В 1910 году тогда совсем юная и никому не известная художница показала на выставке Союза русских художников свой автопортрет «За туалетом», пейзажи, портреты знакомых, этюды крестьян. Её работы очень понравились. Особенные восторги вызвал автопортрет.

Творческая и личная судьба З. Серебряковой была совсем нелегкой. Но свою душевную силу и оптимизм она сохраняла всегда. Так что в её автопортрете есть не только мастерство прекрасной художницы, но и её внутренний мир. Автопортреты Серебряковой и сейчас дарит ощущение оптимизма и радости жизни, так, как будто художница делится с нами своими духовными силами.

Тема автопортрета в мировом искусстве просто неисчерпаема. Интереснейшее явление – автопортреты, которые оставили знаменитые писатели. Например: или М. Волошин. Внимательному зрителю автопортреты могут сказать очень много, может быть, даже больше, чем биографии, письма и свидетельства современников.

Список использованной литературы:

1. Н. Калитина. Французский портрет 19 века. «Искусство»., Л. 1986

2. Сост. И. Мосин. Мастера Северного Возрождения. С-П., «Кристалл» 2006

3. Популярная художественная энциклопедия. М.,«Советская энциклопедия», 1986

4. В. Власов. Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства. Том1,С-П., Азбука-Классика., 2007

5. К. Егорова. Портрет в творчестве Рембрандта. М., Искусство.1975

6. Д. Сарабьянов. Русская живопись. Пробуждение памяти. М., Советский художник. 1976.

7. И. Антонова. Шедевры ГМИИ им. . М., Советский художник. 1985

8. Н. Никулин. Золотой век нидерландской живописи. М., Аст. 1999

Автопортрет Автопортрет

Портрет художника, выполненный им самим (большей частью при помощи одного или нескольких зеркал). В автопортрете художник выражает своё самосознание, оценку собственной личности и творческих принципов, порой соотносит свою личность с судьбой целого поколения и класса. Изображение художником самого себя известно уже в античном (Фидий) и средневековом (скульпторы XIV в. Аврам в Новгороде и П. Парлерж в Чехии) искусстве. Живописцы итальянского Раннего Возрождения (Мазаччо, Д. Гирландайо, С. Боттичелли, Лука Синьорелли и др.) часто вводили автопортрет в религиозные композиции. Автопортрет как разновидность портретного жанра (см. Портрет) сложился в XVI в. В искусстве Высокого Возрождения (Рафаэль, А. Дюрер) он свидетельствовал о возросшем общественном значении художника, о росте его самосознания. Живописцы Позднего Возрождения (Тициан, Тинторетто) раскрывали в автопортрете драматическую судьбу творческой личности. Для автопортретов маньеризма характерны замкнутость, усложнённость внутреннего мира мастера (Понтормо, Пармиджанино). Психологическая глубина и напряжённость присущи автопортретам- исповедям Рембрандта, отражающим конфликт художника с окружавшей его социальной средой; утверждением чувства собственного достоинства проникнуты произведения Н. Пуссена и П. П. Рубенса. Художники XVIII в. (Ж. Б. С. Шарден, Дж. Рейнолдс) наряду с социальной характеристикой подчёркивали в автопортрете значение частной жизни человека, его пристальное внимание к себе. Большое место автопортрет занимает в искусстве романтизма (Ф. О. Рунге, О. А. Кипренский и др.), представители которого утверждали ценность творческой личности и её богатой духовной жизни. На рубеже XIX-XX вв. автопортреты часто избираются для выражения личного мироощущения, собственной живописно-пластической концепции мастера (П. Сезанн), его внутренней духовной напряжённости (В. ван Гог, М. А. Врубель). В прогрессивном реалистическом искусстве XX в. (К. Кольвиц, Д. Ривера, Р. Гуттузо), в том числе в советском искусстве (С. Т. Конёнков, М. С. Сарьян, П. П. Кончаловский), лучшие автопортреты выражают единство личного и общенародного, осознание художником своего общественного назначения. Литература: Автопортрет в русском и советском искусстве. Каталог выставки. Авт. вступ. ст. И. М. Гофман, М., 1977; Gasser M., Das Seibstbildnis, Z., 1961.

Источник: «Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство "Советская энциклопедия", 1986.)

автопортре́т

Портрет, в котором художник изображает сам себя, обычно используя для этого зеркало. Особенность автопортрета прежде всего в том, что он «говорит» со зрителем от первого лица – о времени и о себе; это монолог художника: сокровенная исповедь или активное утверждение своего творческого кредо, самоирония или спокойное повествование. Предание об одном из первых автопортретных изображений дошло до нас из античности: древнегреческого скульптора Фидия обвинили в кощунстве за то, что он посмел изобразить себя в виде бога в рельефной сцене битвы с амазонками на щите статуи Афины. Известны лишь единичные примеры скульптурных автопортретов (автопортрет чешского архитектора и скульптора П. Парлера в соборе Св. Вита в Праге, 14 в.). Подавляющее большинство автопортретных изображений – живописные или графические произведения.

Эпоха Возрождения – время пробуждения личностного самосознания – стала временем рождения портрета (а вместе с ним и автопортрета) как самостоятельного жанра. Для Раннего Возрождения характерны в основном «скрытые автопортреты» в композициях на темы Священной истории или мифологии (Мазаччо , Д. Гирландайо, С. Боттичелли ). В пёстрой толпе людей, изображённых в их картинах, выделяется один, пристально смотрящий прямо на зрителя, – это сам художник, участник и свидетель события. Идеал прекрасной и гармонической личности в «Автопортрете» Рафаэля (1510), безграничное могущество мысли в графическом «Автопортрете» Леонардо да Винчи (1514) – таковы ключевые образы Высокого Возрождения. Позднее Возрождение – время утраты светлых идеалов – рождает образы могучие и трагические (автопортрет Микеланджело в «Страшном суде» на стене Сикстинской капеллы, 1535-41), зыбкие и изменчивые («Автопортрет в выпуклом зеркале» Пармиджанино, ок. 1524 г.) и откровенно эпатажные («Медуза» Караваджо , 1598-99, где художник придаёт автопортретные черты отрубленной голове Горгоны). Мастера Северного Возрождения часто «зашифровывают» свои автопортретные изображения. В «Чете Арнольфини» Яна ван Эйка фигура художника едва видна в выпуклом зеркале, висящем на стене. Ниже – надпись: «Здесь был ван Эйк». Великий немецкий мастер А. Дюрер одним из первых создал целую галерею автопортретов (самый известный, 1500 г., написан в иконографии образов Христа).

В 17 в. появляется новая автопортретная тема – художник за работой («Мастерская художника», или «Аллегория живописи», Я. Вермера Делфтского , ок. 1675). В «Менинах» Веласкеса (1656) эта тема перерастает в подлинный гимн живописи, её безграничным возможностям. Сокровенными беседами с самим собой стали автопортреты для Рембрандта , создавшего более 100 своих изображений. Стремление познать душу человека в её динамике, изменчивости унаследовали от Рембрандта и развили в своём искусстве мастера романтизма (Т. Жерико , Э. Делакруа , О. А. Кипренский , К. П. Брюллов ). Автопортретное начало пронизывает творчество П. А. Федотова . Черты художника можно узнать в героях многих его картин и рисунков. Автопортреты передвижников (В. Г. Перова , И. Н. Крамского ) властно взывают к гражданской совести зрителя. Рубеж 19–20 вв. – время яркого расцвета автопортрета. Работы М. А. Врубеля , В. А. Серова , М. В. Нестерова , И. И. Машкова , К. С. Малевича и др. отражают сложную картину художественной жизни этого времени, напряжённые поиски нового живописного языка, созвучного эпохе.

Автопортрет — это феномен живописи, где авторы бывают эпатажными, сатиричными и невероятно искренними. Часто в жанре автопортрета художники экспериментируют с техникой и манерой письма, находят новые уникальные технические приемы и цветовые решения. Автопортрет – это всегда диалог с миром, где автор всегда обнажен духовно(а бывает и физически) и открыт для прямого общения со зрителем. Предлагаем вам посмотреть на лучшие автопортреты знаменитых художников.

1.Диего Веласкес (Diego Rodríguez Velázquez) “Менины”

“Las Meninas” -это слово португальское и его можно перевести как «придворные дамы» или «фрейлины».
Художник смотрит прямо на зрителя и создает живописное полотно, уникальность которого состоит в том что в нем соединены сразу жанровая сцена, групповой портрет, автопортрет и философская мысль. Картина рассказывает зрителю о волшебном мгновении творческого процесса великого художника. Через картину автор повествует зрителю о творчестве, о жизни в целом, которую словно зеркало отражает искусство.

2. Фрида Кало (Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderón)

Мексиканская художница Фрида Кало написала множество автопортретов,один из них был создан после ее развода. В автопортрете «Две Фриды» она передала полноту всех своих переживаний. После развода с супругом она потеряла часть себя и описала все свои чувства в образе двух женщин с обнаженными сердцами. Одна Фрида держит за руку другую, при этом другой рукой держит медальон с образом мужа. У Фриды в белом ажурном платье течет кровь из перерезанной артерии, которую удерживает лишь зажим. Отвергнутая Фрида может умереть от потери крови.

3. Уильям Утермолен (William Utermohlen)

Художник Уильям Утермолен (William Utermohlen), узнав о том, что болен болезнью Альцгеймера, начал писать автопортреты, которые за десять лет из четких рисунков превратились в печальные сгустки линий. Уильяму удалось запечатлеть, как изменяется сознание человека при прогрессирующей болезни. Всего через год после объявления диагноза, человек на картине стал призраком, с едва различимыми чертами.

4.Альбрехт Дюрер (Albrecht Dürer)

Свой автопортрет художник создал в 1500 году, изобразив себя в анфас,что было допустимо только в изображениях Иисуса Христа. На автопортрете есть надпись которая гласит «Я, Альбрехт Дюрер, нюрнбержец, написал себя так вечными красками в возрасте 28 лет»

5. Эгон Шиле (Egon Schiele)

Эгон Шиле (Egon Schiele)- художник модернист. Многие его произведения носят откровенный сексуальный характер. Один из его автопортретов написанный в 1911 году — «Обнаженный автопортрет». Необычайность которого состоит в том, что в нем художник ненавидит себя. Он изобразил свое тело вывернутым и открытым для боли и страданий, скрученным внутри, изломанным снаружи. В жизни Эгон Шиле был весьма неплох собой, изящен и высок, но по автопортрету этого никак не скажешь… Автопортрет настолько откровенен, что зрителю хочется побыстрее отвернуться от него.

портрет, в котором художник изображает сам себя, обычно используя для этого зеркало. Особенность автопортрета прежде всего в том, что он «говорит» со зрителем от первого лица – о времени и о себе; это монолог художника: сокровенная исповедь или активное утверждение своего творческого кредо, самоирония или спокойное повествование. Предание об одном из первых автопортретных изображений дошло до нас из античности: древнегреческого скульптора Фидия обвинили в кощунстве за то, что он посмел изобразить себя в виде бога в рельефной сцене битвы с амазонками на щите статуи Афины. Известны лишь единичные примеры скульптурных автопортретов (автопортрет чешского архитектора и скульптора П. Парлера в соборе Св. Вита в Праге, 14 в.). Подавляющее большинство автопортретных изображений – живописные или графические произведения.

Эпоха Возрождения – время пробуждения личностного самосознания – стала временем рождения портрета (а вместе с ним и автопортрета) как самостоятельного жанра. Для Раннего Возрождения характерны в основном «скрытые автопортреты» в композициях на темы Священной истории или мифологии (Мазаччо, Д. Гирландайо, С. Боттичелли). В пестрой толпе людей, изображенных в их картинах, выделяется один, пристально смотрящий прямо на зрителя, – это сам художник, участник и свидетель события. Идеал прекрасной и гармонической личности в «Автопортрете» Рафаэля (1510), безграничное могущество мысли в графическом «Автопортрете» Леонардо да Винчи (1514) – таковы ключевые образы Высокого Возрождения. Позднее Возрождение – время утраты светлых идеалов – рождает образы могучие и трагические (автопортрет Микеланджело в «Страшном суде» на стене Сикстинской капеллы, 1535–41), зыбкие и изменчивые («Автопортрет в выпуклом зеркале» Пармиджанино, ок. 1524 г.) и откровенно эпатажные («Медуза» Караваджо, 1598–99, где художник придает автопортретные черты отрубленной голове Горгоны). Мастера Северного Возрождения часто «зашифровывают» свои автопортретные изображения. В «Чете Арнольфини» Яна ван Эйка фигура художника едва видна в выпуклом зеркале, висящем на стене. Ниже – надпись: «Здесь был ван Эйк». Великий немецкий мастер А. Дюрер одним из первых создал целую галерею автопортретов (самый известный, 1500 г., написан в иконографии образов Христа).

В 17 в. появляется новая автопортретная тема – художник за работой («Мастерская художника», или «Аллегория живописи», Я. Вермера Делфтского, ок. 1675). В «Менинах» Веласкеса (1656) эта тема перерастает в подлинный гимн живописи, ее безграничным возможностям. Сокровенными беседами с самим собой стали автопортреты для Рембрандта, создавшего более 100 своих изображений. Стремление познать душу человека в ее динамике, изменчивости унаследовали от Рембрандта и развили в своем искусстве мастера романтизма (Т. Жерико, Э. Делакруа, О. А. Кипренский, К. П. Брюллов). Автопортретное начало пронизывает творчество П. А. Федотова. Черты художника можно узнать в героях многих его картин и рисунков. Автопортреты передвижников (В. Г. Перова, И. Н. Крамского) властно взывают к гражданской совести зрителя. Рубеж 19–20 вв. – время яркого расцвета автопортрета. Работы М. А. Врубеля, В. А. Серова, М. В. Нестерова, И. И. Машкова, К. С. Малевича и др. отражают сложную картину художественной жизни этого времени, напряженные поиски нового живописного языка, созвучного эпохе.