Рембрандт – все, что надо знать о знаменитом голландском художнике. Рембрандт картины

И его творчество, представленные в статье, познакомят вас с одним из величайших художников всех времен. Рембрандт Харменс ван Рейн (годы жизни - 1606-1669) - известный голландский живописец, офортист и рисовальщик. Его творчество пронизано стремлением постичь суть жизни, а также внутренний мир человека. Рембрандта интересовало богатство душевных переживаний, присущее людям. Творчество этого художника - вершина голландского искусства 17 столетия. Также оно считается одной из важнейших страниц художественной культуры всего мира. Даже люди, далекие от живописи, знают его произведения. Рембрандт - это удивительный художник, жизнь и творчество которого наверняка вас заинтересуют.

Художественное наследие Рембрандта

Исключительно многообразно художественное наследие, которое он оставил нам. Рембрандт рисовал портреты, пейзажи, натюрморты, жанровые сцены. Он создавал картины на мифологические, библейские, исторические темы, а также другие произведения. Рембрандт является непревзойденным мастером офорта и рисунка.

Жизнь в Лейдене

Жизнь Рембрандта в 1620 году отмечена непродолжительным обучением в Затем он решил полностью посвятить свою жизнь искусству. С этой целью он обучался сначала в Лейдене у Я. ван Сваненбюрха (примерно в 1620-23 годах), а затем в Амстердаме у П. Ластмана (в 1623 году). В период с 1625 по 1631 год художник работал в Лейдене. Здесь создавал свои первые произведения Рембрандт.

Следует отметить, что его работы, относящиеся к лейденскому периоду, характеризуются поисками творческой самостоятельности автора, несмотря на то что в них заметно влияние Ластмана, а также представителей голландского караваджизма. В качестве примера можно привести работу "Принесение во храм", созданную около 1628-29 годах. В "Апостоле Павле" (примерно 1629-30 год), а также в "Симеоне во храме" (1631) художник впервые прибегнул к светотени как к средству, призванному усилить эмоциональную выразительность и одухотворенность образов. В это же время Рембрандт упорно трудился над портретом. Он изучал мимику лица.

1630 годы в жизни Рембрандта

Важное событие в жизни мастера произошло в 1632 году. Переездом в Амстердам отмечена биография художника Рембрандта. Жизнеописание его, относящееся к этому времени, следующее.

В Амстердаме интересующий нас художник вскоре женился. Избранницей его стала Саския ван Эйленбурх, богатая патрицианка (портрет ее представлен выше). Эта женщина была круглой сиротой. Ее отцом был член совета Фрисландии, бургомистр из Леевердена. Два брата Саскии являлись юристами. Среди родственников этой женщины - множество государственных чиновников и ученых. Она внесла луч счастья в одинокое жилище художника. Рембрандт обставил свой дом множеством редких вещей, в результате чего он стал настоящим музеем. Мастер проводил много времени в лавках старьевщиков, на распродажах и аукционах. Он скупал эстампы и картины, индийские и китайские резные безделушки, старое оружие, статуи, ценный хрусталь и фарфор. Все эти вещи служили фоном для картин, которые он создавал. Они вдохновляли художника. Рембрандт любил наряжать свою супругу в бархат, парчу и шелк. Он осыпал ее жемчугом и бриллиантами. Легко и радостно складывалась его жизнь, полная творчества, труда и любви. В целом 1630 годы - это время семейного счастья и большого художественного успеха.

Портреты 1630 годов

Все портреты, относящиеся к 1630 годам, демонстрируют тонкость и наблюдательность Рембрандта. Это сближает его с Кейсером, ван дер Хелстом, Рубенсом и Ван Дейком. Эти картины выполнены обычно на светло-сером ровном фоне. Часто овального формата бывают его произведения. Рембрандт создал портреты, которые поражают огромной пластической силой. Она достигается упрощением светотени и черно-белой гармонии, а также прямым взглядом модели. Все произведения полны достоинства, привлекают внимание композицией и динамической непринужденностью. В картинах амстердамского периода, по сравнению с лейденскими, более гладкая фактура. Ритмика рук имеет символическое значение (художник намеренно не показывает одну руку). Это, а также поворот головы фигуры напоминает изменчивость и мимолетность барокко.

Характеристика некоторых портретов 1630 годов

Описывая жизнь и творчество Рембрандта данного периода, нельзя не обратиться к созданным им портретам. Они достаточно многочисленны. Работа Рембрандта "Урок анатомии доктора Тюлпа" (на фото выше) была создана в 1632 году. В ней автор новаторски подошел к решению проблемы группового портрета, в результате чего композиция получилась непринужденной. Рембрандт объединил всех людей, представленных на картине, единым действием. Эта работа принесла ему большую известность.

В других портретах, созданных по многочисленным заказам, художник тщательно передавал одежду, черты лица, драгоценности. Один из примеров - работа "Портрет бургграфа", которую написал в 1636 году Рембрандт Гарменс ван Рейн. Жизнь и творчество любого художника тесно связаны между собой. К примеру, более разнообразны и свободны по композиции портреты людей, близких Рембрандту, а также его автопортреты (один из них, созданный в 1634 году, представлен выше). В них художник не боялся экспериментировать, стремясь к психологической выразительности. Здесь нужно назвать также автопортрет, созданный в 1634 году, и "Улыбающуюся Саскию", написанную в 1633 году.

Знаменитая картина "Веселое общество", или "Автопортрет с Саскией" (фото этой работы представлено выше), завершила искания этого периода. Ее написал около 1635 года Жизнь и творчество художника по-особенному раскрываются в этой работе. В ней он смело порывает с существовавшими в то время канонами. Картина выделяется свободной манерой живописи, живой непосредственностью композиции, а также наполненной светом, мажорной, красочной гаммой.

Библейские композиции и мифологические сцены 1630

В 1630 годы художник создавал и библейские композиции. Одна из самых известных - "Жертвоприношение Авраама". Она относится к 1635 году. Библейские композиции этого времени отмечены влиянием живописи итальянского барокко. Его воздействие проявляется в динамике композиции (несколько форсированной), светотеневых контрастах, остроте ракурсов.

В творчестве Рембрандта этого времени особое место принадлежит мифологическим сценам. В них художник не стал следовать классическим традициям и канонам, бросив им смелый вызов. Одна из работ, которую можно здесь отметить, - это "Похищение Ганимеда" (1635 год).

"Даная"

В монументальной композиции под названием "Даная" в полной мере воплотились эстетические взгляды Рембрандта. В этой работе он словно вступает в спор с великими художниками эпохи Возрождения. Изображенная Рембрандтом обнаженная фигура Данаи не соответствует классическим идеалам. Художник выполнил эту работу с реалистической непосредственностью, очень смелой для того времени. Он противопоставил идеальной, чувственно-телесной красоте образов, созданных итальянскими мастерами, духовную красоту, а также теплоту человеческого чувства.

Другие работы

Также в 1630 годы Рембрандт много времени посвящал работе в технике гравюры и офорта. Можно отметить такие его произведения, как "Странствующая пара" и "Продавец крысиного яда". Художник также создавал карандашные рисунки, обобщенные по манере и весьма смелые.

Творчество Рембрандта 1640 годов

Эти годы отмечены конфликтом между новаторскими произведениями Рембрандта и весьма ограниченными запросами его современников. Наглядно этот конфликт проявился в 1642 году. Тогда работа Рембрандта "Ночной дозор" вызвала бурные протесты заказчиков. Они не приняли главную идею художника. Рембрандт вместо привычного группового портрета изобразил героически-приподнятую композицию, в которой по сигналу тревоги гильдия стрелков выступает вперед. То есть это была, можно сказать, Она будила воспоминания современников об освободительной войне, которую вел голландский народ.

После этой работы сократился приток заказов Рембрандта. Жизнь его была омрачена также смертью Саскии. В 1640 годы творчество художника утратило внешнюю эффектность. Ноты мажорности, характерные для него ранее, также исчезли. Рембрандт начинает писать спокойные жанровые и библейские сцены, исполненные интимности и теплоты. В них он раскрывает тончайшие оттенки переживаний, чувства родственной, душевной близости. Среди этих работ нужно отметить "Святое семейство" 1645 года, а также картину "Давид и Ионафан" (1642 год).

Как в графике, так и в живописи Рембрандта все большее значение приобретает очень тонкая игра светотени. Она создает особую атмосферу - эмоционально напряженную, драматическую. Следует отметить монументальный графический лист Рембрандта "Христос, исцеляющий больных", а также "Лист в сто гульденов", созданные примерно в 1642-46 годах. Также нужно назвать пейзаж 1643 года "Три дерева", полный световой и воздушной динамики.

1650 годы в творчестве Рембрандта

Это время было отмечено тяжкими жизненными испытаниями, выпавшими на долю художника. Именно 1650 годами начинается период его творческой зрелости. Рембрандт начинает все чаще обращаться к портрету. Он изображает самых близких ему людей. Среди этих работ стоит отметить многочисленные портреты Хендрикье Стоффельс, второй супруги художника. Также весьма примечателен созданный в 1654 году "Портрет старухи". В 1657 году художник написал еще одну свою известную работу - "Сын Титус за чтением".

Изображения простых людей и стариков

Образы простых людей, в особенности стариков, все больше привлекают художника. Они являются в его работах воплощением духовного богатства и жизненной мудрости. В 1654 году Рембрандт создал "Портрет жены брата художника", а в 1652-1654 - "Портрет старика в красном" (на фото выше). Живописца начинают интересовать руки и лицо, которые освещаются мягким светом. Они как будто выхвачены из темноты. Лица фигур характеризуются едва заметной мимикой. Это показывает сложное движение их чувств и мыслей. Рембрандт чередует легкие и пастозные мазки, что делает поверхность картины переливающейся светотеневыми и красочными оттенками.

Сложное материальное положение

В 1656 году художника объявили несостоятельным должником, в результате чего все его имущество ушло с молотка. Рембрандт был вынужден перебраться в еврейский квартал города Амстердама. Здесь он провел остаток своей жизни в крайне стесненных условиях.

Творчество Рембрандта Харменса ван Рейна 1660 годов

Библейские композиции, созданные в 1660 годы, подводят итог рембрандтовским размышлениям о смысле жизни. В его творчестве этого времени имеются картины, посвященные столкновению светлого и темного начал в душе человека. Целый ряд работ на эту тему создал Рембрандт Харменс ван Рейн, биография и список картин которого нас интересуют. Среди таких произведений нужно отметить работу "Ассур, Аман и Эсфирь", созданную в 1660 году; а также "Давид и Урия", или "Падение Амана" (1665). Они характеризуются гибкой манерой письма, теплой насыщенной гаммой, сложной фактурой поверхности, напряженной игрой света и тени. Все это необходимо художнику для раскрытия сложных душевных переживаний и коллизий, для утверждения победы добра над злом.

Историческая картина Рембрандта под названием "Заговор Юлия Цивилиса", известная также как "Заговор батавов", была создана в 1661 году. Она проникнута героикой и суровым драматизмом.

"Возвращение блудного сына"

В последний год своей жизни художник создал работу "Возвращение блудного сына". Она датируется 1668-69 годами. Это монументальное полотно является главным шедевром Рембрандта. В нем воплощена вся морально-эстетическая и художественная проблематика, характерная для позднего периода его творчества. Художник с высочайшим мастерством воссоздает в этой картине целую гамму глубоких и сложных человеческих чувств. Художественные средства он подчиняет раскрытию красоты прощения, сострадания, понимания. В скупых жестах и выразительных позах воплощена кульминация перехода от напряжения чувств к благополучному разрешению страстей. На фото, расположенном выше, вы можете видеть это последнее произведение Рембрандта.

Смерть Рембрандта, значение его творчества

Знаменитый голландский живописец, офортист и рисовальщик умер в Амстердаме 4 октября 1669 г. Харменс ван Рейн Рембрандт, произведения которого знают и любят многие, оказал огромное влияние на дальнейшее развитие живописи. Это заметно не только по творчеству его учеников, из которых Карел Фабрициус подошел к пониманию Рембрандта ближе всех, но и по произведениям каждого голландского художника, более или менее значительного. Картины многих мастеров отражают влияние такого художника, как Рембрандт ван Рейн. Произведение "Болото", автор которого - Якоб ван Рейсдал, - вероятно, одна из таких работ. На ней представлена залитая водой пустынная часть лесного массива. Эта картина несет в себе символический смысл.

В дальнейшем оказал сильное воздействие и на развитие реалистического искусства в целом великий Рембрандт. Картины и биография его и по сей день интересуют множество людей. Это говорит о том, что его творчество действительно весьма ценно. Шедевры Рембрандта, описание многих из которых было представлено в этой статье, до сих пор вдохновляют художников.

Всем известно имя величайшего художника Голландии Рембрандта ван Рейна.Кто не знает его величайших творений: "Возвращение блудного сына", "Синдики", "Ночной дозор", "Ассур, Аман и Эсфирь", "Милосердный самарянин", "Вирсавия", "Отречение апостола Петра", "Моисей разбивает скрижали"!
Мастер выполнил более 400 картин (не считая многочисленных несохранившихся произведений), а также 287 гравюр и тысячи рисунков. Серьезная, реалистическая живопись, говорящая сердцу, нашла себе
величайшего творца в лице Рембрандта. Сын мельника, Рембрандт стал известен в родном Лейдене будучи совсем молодым. Лейденский ранний период творчества ознаменован такими значительными работами, как "Изгнание торговцев из храма"(1626), "Концерт(аллегория музыки)"(1626),"Скупец"("Меняла" 1627) ,конечно, "Иуда возвращает серебряники" (1629), которая вызвала восторженный отзыв известного знатока живописи Константина Гюйгенса: "...это дрожащее жалким трепетом тело - вот, что я предпочитаю хорошему вкусу всех времен". В Автобиографии (1628—1631) Гюйгенс назвал имя Рембрандта первым среди голландских художников того времени и противопоставил вызывающую смелость его работ всей предшествующей традиции живописи. Уже тогда Рембрандт выявляет роль света как средства эмоциональной выразительности сцены. Его успех в ранних работах на евангельские темы, в исторической живописи был бы невозможен без неустанного экспериментирования в области портрета и автопортрета. В качестве моделей он выбирает людей из ближайшего круга общения: родственников, соседей, друзей, людей, небогатых и неспособных заплатить за портрет. Но это не является главным для него на тот момент. Главное - ухватить мимику, жест, передать сиюминутное настроение модели, найти такую деталь, с помощью которой можно подметить, подчеркнуть ведущую черту характера.

Пожилой мужчина в меховой шапке, 1630

Старик в военной одежде 1631 (отец Рембрандта)

Портрет смеющегося молодого человека 1630

Портрет смеющегося мужчины 1629-1630

Уже в ранний лейденский период Рембрандт сделал немало своих автопортретов,и вовсе не потому, что его так интересовала собственная личность. Скорее это было продиктовано желанием "безнаказанно", свободно экспериментировать, что не всегда возможно, особенно для начинающего мастера, в заказном портрете. За свою жизнь Рембрандт сделал около восьмидесяти (в некоторых исследованиях около 100) автопортретов - картин, гравюр и рисунков. Если задастся целью, то по его автопортретам можно проследить всю его автобиографию, узнать о счастливых и трагических моментах его судьбы. Но это целое исследование. Нас же интересуют лишь те из них, в которых Рембрандт не только и не столько - человек, а - модель. В каких портретах и автопортретах он еще учится, а где он - уже мастер, как он ищет свой собственный стиль, свой
неповторимый почерк.

Автопортрет в раннем возрасте 1628

Один из первых - «Автопортрет» из амстердамского Рейксмузеума, где растрепанный двадцатидвухлетний живописец всматривается в свое лицо, пытаясь с помощью светотени передать впервые пробудившееся осознание себя художником.

В ранних автопортретах, эмоциональные аффекты еще однозначны и форсированы, позы и жесты слишком демонстративны.

Автопортрет 1629

На автопортрете 1629 года яркий луч высвечивает безбородое пытливое лицо, оттененное кружевным воротником.

На маленькой картине «Художник в своей мастерской» (1629 г.), которую долгое время приписывали Герриту Доу, нашему взору открывается лейденская мастерская Рембрандта, со столом, мольбертом, палитрой и ступкой для растирания красок. Себя художник изобразил непривычно далеко от картины, словно желая дать зрителю почувствовать, как он сам видит и понимает живопись: художник лишь исполнитель, ведомый Творцом, единственно важное,значимое - лишь то, что на холсте. Настолько важное, что сам художник, творец в растерянности: он ли Это создал?! Художник НИЧТО(или Нечто) перед своим творением. Творение выше создателя.

А вот автопортрет того же года, хранящийся в Гааге, более официален. Прямой взгляд, бесстрашно устремленный вперед, уверенный в себе; открытое лицо; глаза, словно говорящие нам:" Я - Рембрандт, и вы скоро обо мне узнаете!" Впрочем, в Лейдене его уже знали. Он, такой молодой, чистосердечный и простодушный, наивный и прямолинейный, уже был любим и уважаем. Он имел собственную мастерскую и даже учеников.
Но хотелось большего....
В 1931 году Рембрандт едет покорять Амстердам.

30-е - 40-е годы

Столица Голландии в XVII веке была центром коммерческого мира. Старый город был очень живописен. Все, что необходимо для вдохновения художника: трудолюбивая, пестрая толпа, разнообразие образов и мыслей, богатый выбор типов - все это Рембрандт мог найти в этом очаге цивилизации. Удача в Амстердаме сразу улыбнулась художнику. Заказчики не заставили себя ждать. Картины и гравюры Рембрандта находили себе покупателей на месте и начали проникать за границу. В самое короткое время Рембрандту удалось
обеспечить себе вполне безбедное существование: он зарабатывал столько, что мог даже позволить себе такую роскошь, как покупка и собирание редких и дорогих вещей.В бюргерской среде Рембрандт становится
популярным портретистом.
Первым заказным портретом стал "Портрет ученого".
Скорее всего, он был заказан каким-либо профессором университета или служащим муниципалитета. При создании этого портрета Рембрандт полностью исключает элемент позирования, в отличие от фламандских образцов. Благодаря этому, портрет становится более жизненным, теряя черты помпезности и официальности.

Портрет ученого 1631

Перед зрителем—голландский интеллигент того поколения, которое еще всеми корнями связано с народом. Простое, открытое, несколько грубоватое лицо, жесткие мясистые руки выдают его плебейское происхождение.Стремясь максимально приблизиться к жизни, Рембрандт показывает человека не изолированно, а в его бытовой обстановке. Поэтому ученый изображен за рабочим столом с пером в руке, в момент работы над рукописью, когда и застает его как бы входящий в комнату зритель. Портретируемый отрывается от рукописи, поворачивает лицо к вошедшему, обращается к нему с какими-то словами.
Это произведение — одна из первых попыток Рембрандта ввести в портрет сюжетное действие. Смелый эксперимент еще не до конца удается молодому художнику. Взгляд изображенного выдает состояние
спокойного размышления и явно не гармонирует с его внешней оживленностью. Благодаря этому оказывается нарочитой его мимика и жестикуляция: поворот головы, движение губ, жест правой руки, которая кончила писать, но еще держит перо. Несмотря на эти недостатки, сам принцип портретного решения, избранный Рембрандтом, таил в себе богатые реалистические возможности, позволяя художнику живо,непосредственно охарактеризовать человека, показать его таким, каким он бывает в обычной жизни.

К середине 1630-х годов Рембрандт ван Рейн признан одним из самых модных молодых портретистов Амстердама. В эти годы самые выдающиеся жители города стучались в двери художника.

Портрет Николаса Рутса 1631

Этот портрет показывает нам, какого рода клиентура была у Рембрандта в конце десятилетия, благодаря его умению изображать представителей высшего общества, чьё богатство проявлялось не только в выставленных напоказ драгоценностях и одежде, но также в позе и манере держаться.

Портрет Яна Утенбогарта (Иоганн Эйтенбогарт) 1633. Государственный музей, Амстердам

Священник-ремонстрант (протестант) Иоганн Эйтенбогарт (1557—1644) играл ключевую роль в процессе
обращения Голландии к протестантизму. На своём посту проповедника при дворе принца Оранского в Гааге он боролся с религиозной нетерпимостью наиболее догматичных кальвинистов. Надпись «АЕТ 76» говорит о том, что Эйтенбогарту было семьдесят шесть лет, когда была написана картина. Он изображён пожилым, но энергичным человеком, поскольку Рембрандт хотел подчеркнуть исключительную жизненную силу, которая сделала Эйтенбогарта влиятельным и очень популярным членом голландского общества. Он изображён в своём кабинете за работой, только что оторвавшим глаза от книги, лежащей на подставке, словно чтобы выслушать вопрос, который задаёт ему зритель.

Он исполняет портреты - большие парадные, в полный рост, поясные и погрудные. Из 50 картин, датированных 1632-1633, 46 являются портретами или этюдами голов. Все портреты, исполненные в
1630-е, демонстрируют наблюдательность и тонкость Рембрандта, которые сближают его с ван дер Хелстом и Кейсером, а также с Ван Дейком и Рубенсом.

Портрет сестры

Картины, написанные им, как правило, на ровном светло-сером фоне, часто имеют овальный формат

Альберт Купер 1632

Корнелия Пронк жена Альберта Купера 1633

Ученый, сидящий за столом 1634

Однако ошеломляющий успех принесла Рембрандту картина «Урок анатомии доктора Николаса Тюльпа» (1632, Гаага, Маурицхейс), изменившая традицию голландского группового портрета.

«Урок анатомии доктора Николаса Тюльпа» (1632, Гаага, Маурицхейс)

Привычной демонстрации позирующих художнику людей общей профессии Рембрандт противопоставил драматургию вольно решенной сцены, участники которой — члены гильдии хирургов, внимающие своему коллеге, объединены интеллектуально и духовно активным включением в процесс научного
исследования. Контраст неподвижного мертвого тела, высвеченного на первом плане бледным пятном, и живописной, свободно построенной группы различно охарактеризованных персонажей, придает картине напряженно драматическую окраску.

Сравните этот групповой портрет с двойными портретами, написанными позже. Ощущение, что в них автор еще учится композиции: движения и жесты нарочиты, нет той легкости и естественности, что в "Уроке анатомии", хотя стремление "оживить" сюжет мы можем наблюдать и в повороте головы Яна Рейксена и в обращении к нему жены Греты с запиской.

Портрет судостроителя Яна Рейксена с его женой Грет Дженс 1633

Погрешности композиционного характера можно обнаружить и в других его двойных портретах:

Ян Пелликорн со своим сыном Каспаром 1635-37

Проповедник Корнелиус Ансло и его жена 1641

Но и эти портреты на тот момент, безусловно, выглядели новаторскими: Рембрандт всеми силами уходит от принятой в то время горизонтальной, плоскостной композиции. И пусть они не совершенны, но это явный прорыв в портретировании.
Конечно, ему приходится потрафлять вкусам нарождающейся буржуазии. Всем его заказчикам непременно хотелось запечатлеть себя на веки вечные,чтобы потомки знали. А значит, надо показать себя во всем блеске и великолепии, принятых в то время: фижмы, богатые парчовые и бархатные наряды, дорогостоящие кружева тонкой работы, модные для этого класса заказчиков туфли, золотые заколки и цепи, масса украшений, которые должны были подчеркнуть социальный статус портретируемого. И таких портретов очень и очень много у Рембрандта. Есть среди них - проходящие, обычные, по которым взгляд скользит, есть те, которые хочется смотреть и смотреть - и они никогда не уйдут из памяти, есть те, которые и по сей день вызывают споры. К последним, пожалуй, можно отнести портреты Мартена Соолменса и его жены Опьет Коппит.

Супруги Мартен Соолманс и Опьет Коппит были соседями Рембрандта и, поскольку он стал модным в городе живописцем, решили заказать ему парный портрет в натуральную величину в ознаменование их брачного союза. Портреты эти прошли для общества незамеченными, более того ими явно пренебрегали, высмеивая то, как одеждой и позой Соолманс выставляет напоказ своё новое социальное положение. Прежде всего, современники подвергли суровой критике украшающие туфли огромные розетки, придававшие всей позе очень «кричащий» вид. В Амстердаме было даже написано несколько стихотворных эпиграмм, высмеивающих помпоны на туфлях.
И все же, по мнению известного французского критика Эжена Фромантен а , на них следует обратить внимание.

Мартен Соолманс 1634

"Муж стоит лицом к зрителю, он в черном камзоле с кружевным воротником и кружевными манжетами,
в черных панталонах, в черной фетровой шляпе, с кружевными бантами на подвязках и широкими кружевными розетками на черных башмаках. Правая рука согнута, и кисть ее прячется под черный плащ с нашивками из черного атласа; левой рукой, вытянутой вперед, он держит замшевую перчатку. Фон
картины черноватый, паркет серый. Прекрасная, несколько округлая голова с мягким и серьезным выражением лица, красивые глаза с ясным взглядом; рисунок очаровательный, широкий, легкий, уверенный, абсолютно естественный. Живопись ровная, с твердыми контурами, настолько плотная и сочная, что, каким бы слоем — тонким или густым — ни были наложены краски, все равно ничего нельзя ни прибавить, ни убавить.Представьте себе голландского Веласкеса, но более задушевного и сосредоточенного.
Общественное положение модели обозначено удивительно тонко: это не принц и вряд ли даже вельможа; это родовитый дворянин, отлично воспитанный, с изящными манерами. Происхождение, возраст, темперамент — словом, жизнь со всем самым характерным в ней, все, чего не хватало «Уроку анатомии» и чего позже не хватит «Ночному дозору» (это мнение Эжена Фромантена),— вы найдете это в картине, написанной от чистого сердца."

Опьен Коппит 1634

"Жена изображена тоже в рост, на черноватом фоне; она стоит на сером паркете, тоже вся в черном, с жемчужным ожерельем, жемчужным браслетом, бантами из серебряных кружев на поясе и с розетками из серебряных кружев на узких белых атласных туфельках. Она худощава, бледна и высока. Ее красивая, чуть наклоненная голова смотрит на вас спокойными глазами. Несколько неопределенный цвет ее лица озаряется ярким отблеском рыжеватых волос. Слегка расширенная талия, очень целомудренно намеченная под широким платьем, придает ей весьма почтенный вид молодой матроны. В правой руке она держит веер из черных перьев с золотыми цепочками. Левая опущена — бледная, тонкая, удлиненная рука, полная изящества. Черное, серое, белое — ничего больше, ничего меньше, и тональность бесподобна. Атмосфера не обозначена, и все же чувствуется воздух. Моделировка сдержанная, и при этом рельеф выражен со всей возможной полнотой. Неподражаемая способность быть точным без мелочности, противопоставлять самую тонкую работу самым широким обобщениям, выражать тоном роскошь и ценность вещей. Словом, меткость глаза, тонкая чувствительность палитры, уверенность кисти, которые могли бы создать славу любому мастеру."
Этот заказ принёс художнику 1000 флоринов и потенциальных клиентов из круга Соолманса, что доказывало недоверчивым родственникам Саскии, что он не только пользуется известностью, но и способен обеспечить жену.
А к этому времени, а точнее в 1634 году, Рембрандт женился на Саскии ван Эйленбюрх. Саския, круглая сирота, была младшей дочерью бургомистра из Леевердена, члена совета Фрисландии, двое из ее братьев были юристами, среди ее родственников - многочисленные ученые и государственные чиновники.
Саския была гением-вдохновителем мужа, его утешением среди неудач и забот, опорой в работе. Жизнь, полная любви, труда и творчества, сложилась легко и радостно.

Портрет Саскии 1633
Любимая жена внесла в одинокое жилище скромного художника свет счастья.

Смеющаяся Саския 1633

Саския изображена здесь молодой влюблённой женщиной, её голова склонена набок,на лице лёгкая улыбка, глаза полуприкрыты. Рембрандт, вероятно, писал этот портрет в то время, когда ухаживал за девушкой, а она охотно принимала его игривые слова. Художник, вероятно, показал возлюбленной небольшую коллекцию костюмов, которую он держал у себя в мастерской (шляпки, платья и различные аксессуары), чтобы его модель могла нарядиться. Со своей стороны, Рембрандт, наверное, предполагал, что он может изобразить возлюбленную такой, какой хотел написать Рубенс свою свояченицу Сусанну Фоурмент. Видимо, у Рубенса он позаимствовал идею изобразить Саскию в широкополой шляпке, которая, однако, не соломенная, а бархатная, украшенная перьями и разрезами по краям. Но если Сусанна Фоурмент выглядит купающейся в ослепительном свете, который подчёркивает её аристократическую красоту, фарфоровую бледность кожи, то Саския выглядит приземлённой, более реалистичной, её цветущие щеки пылают от восхищённых слов молодого человека, который, как можно предположить, стоит рядом с ней. На этом портрете кожа выглядит живой, ибо под ней пульсирует настоящая кровь и бьётся сердце. Художник поймал мгновение, краткий момент кокетливого и невинного соблазнения. Нас не покидает ощущение, что модель, которую мы видим сбоку, повернула голову в ответ на чьё-то обращение, в данном случае, возможно, на комплимент такого привлекательного молодого человека, как Рембрандт, и приняла его с лёгким кивком и улыбкой.

Саския ван Эйленбург в помпезном платье 1632-1642

В годы, разделяющие первый и последний портреты, Рембрандт много раз писал цветущую и веселую женщину, элегантно одетую, как на дрезденском портрете, чопорную и подтянутую, как на официальном портрете из Кассельского музея, или же в наряде Флоры - особенно любимый в то время сюжет, трижды воплощенный Рембрандтом: один портрет находится в Петербурге (1634), другой - в Лондоне (1635) и уже упомянутый - в Дрездене (1641).

Флора (Саския) 1634 С-П, Эрмитаж

В портретах «для себя» и автопортретах художник свободно экспериментирует с композицией и эффектами светотени, меняет тональность цветовой гаммы, облачает свои модели в фантастические или экзотические одежды, варьирует позы, жесты, аксессуары ("Флора", 1634, Санкт-Петербург,Государственный Эрмитаж).

Автопортрет с Саскией на коленях 1635
Картина известна также под названием "Веселое общество" и "Блудный сын в притоне".
Исключительно жизнерадостно выглядит "Автопортрет с Саскией на коленях" (Дрезденская Картинная галерея) написанный в первые дни медового месяца. Художник изобразил себя с большим бокалом в руке - он поднимает тост за удачу и бросает вызов своим недругам. Вызывающе смелый "Автопортрет с Саскией", с его фривольной композицией и раскованной манерой письма, чарующей гаммой переливающихся золотистых,зеленоватых, оливковых, розоватых тонов, источает бурную радость, ликование,призыв к наслаждению жизнью, весьма далекому от сдержанных норм кальвинистской морали.
Но было не только ликование,не только счастье...
В первые семь лет замужества Саския испытала только горе материнства и не знала его радостей. Из ее четырех детей трое, сын и две дочери, умерли в самом раннем возрасте; один только, родившийся в 1641 году, пережил мать и стал отрадой и поддержкой старика-отца. Его назвали Титусом в честь недавно скончавшейся сестры Саскии, Титии.

В коллекции портретов, конечно, есть любимые лица отца и матери художника.

Портрет матери Рембрандта. 1639

Портрет отца Рембрандта. 1639

Портрет отца

Портрет Марии Трип. 1639. Государственный музей, Амстердам

Глава семьи Элиас Трип (1570—1631) нажил состояние, занимаясь горным промыслом, торговлей оружием и игрою на бирже. В те годы его дочь Мария жила с матерью в одном из самых изысканных районов Амстердама, и у неё не было сомнений, какого художника выбрать для написания портрета. Спустя два года, когда она вышла замуж за Бальтасара Коуманса, преуспевающего коммерсанта тридцатью годами старше её, она переехала в ещё более роскошный дом, но сохранила близкие отношения с семьёй. Видимо, она потребовала, чтобы художник изобразил её в богатом платье и в драгоценных украшениях, которые должны были не только подчеркнуть её красоту, но в равной степени продемонстрировать финансовое положение. Её волосы уложены по последней моде, розовые щеки выдают юный возраст, в её позе мы можем прочесть умеренность и сдержанность, те женские качества, которые в то время высоко ценились. Рембрандт написал портрет с изяществом, передав богатство платья тонкой игрой света. Фигура выступает из тёмного фона, подчёркивающего белизну сложного трёхслойного кружева, сквозь которого проступает нежная кожа девушки. Шею, уши и запястья украшает сияющий жемчуг. Золотая парча на сверкающем платье из
чёрного атласа вносит ещё один штрих изысканности и роскоши, что прекрасно сочетается с веером, который девушка изящно держит в руке.

Берта(Бартье) Мартенс(Мартене) Домер 1640

В «Портрете Бартье Мартене Домер» (ок. 1640), на котором была изображена жена столяра-краснодеревщика Германа Домера, поставлявшего рамы для картин, появляется что-то новое. Художнику удалось создать удивительно жизненный и привлекательный образ простой женщины. К этому портрету был создан парный к нему «Портрет Германа Домера».

Портрет Германа (Генриха) Думера 1640

На этом портрете впервые появляется знаменитая рембрандтовская «светотень», применение которой тоньше отображает сложный внутренний мир человека.

Оба портрета поражают прямым взглядом модели, огромной пластической силой, достигнутой упрощением черно-белой гармонии и светотени. Они обращают на себя внимание динамической непринужденностью и композицией. По сравнению с лейденскими работами их более гладкая фактура, позы, символическая ритмика рук (одна рука часто намеренно не показана) и поворот головы напоминают мимолетность и изменчивость барокко.

Автопортрет в возрасте 34 лет 1640
«Автопортрет» 1640 года, картина необычайно изысканная и гармоничная, запечатлел тридцатичетырехлетнего Рембрандта, занявшего прочное положение в Амстердаме. Ориентирами для художника были тициановский «Портрет дворянина», ныне хранящийся в Лондоне, а в ту пору находившийся в коллекции друга Рембрандта португальского еврея Альфонсо Лопеса, и «Портрет Бальдассара Кастильоне» Рафаэля. В сближении с итальянскими мастерами чувствуется вызов со стороны Рембрандта, словно подчеркивающего непривычным нарядом XVI века свою духовную близость с великими предшественниками.

Рембрандт исполняет в это время множество заказных портретов. Они написаны с большой пластической
силой, великолепно передают сходство, схватывают характерное в облике, но своего пути в портретной живописи Рембрандт еще не нашел.

Девушка в картинной раме 1641

Портрет Николаса Ван Бамбека. 1641.
Королевский Музей Изящных Искусств, Брюссель

Николас Ван Бамбек сам был художником, но, как с прискорбием сказал один из его друзей, богатое наследство притупило его честолюбие, и в итоге он не оправдал ожиданий. Однако Николас покровительствовал Рембрандту, приобрел у него «Ученый спор» и заплатил за позирование для своего
портрета. Ван Бамбек и его друг секретарь Госсовета Мауритс Хейгенс, по-видимому, в Гааге заказали Рембрандту свои портреты.

Мауритс Хейгенс 1641

Друзья решили: если кто-то из них умрет, его портрет должен перейти к оставшемуся в живых, и в 1641 году после смерти Бамбека картина по завещанию досталась Хейгенсу.

Портрет Агаты Бас 1641

В заказных портретах он сдержан, внимателен к аксессуарам, тщательно прорабатывает черты лица, явно заботясь о сходстве изображения с оригиналом и выявлении индивидуальных характеристик.
Поэтичность,одухотворенность Рембрандт вносит в портретные характеристики («Человек с
соколом», 1643 г; «Портрет Агаты Бас», 1641 г.).

Некий рубеж в творчестве Рембрандта отмечает неудача большой заказной картины «Ночной дозор» (1642).

Первоначальное название «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга».
Эта колоссальная по своим размерам картина (3,59X4,38 м) явилась как бы заключительным аккордом предшествующего развития художника, высочайшей вершиной, достигнутой искусством его времени в создании исторической композиции. Рембрандт дал принципиально новое решение темы, имевшей за
собой почти вековую традицию. Именно в этой работе он открыто и ясно утвердил приоритет своей творческой воли над вкусами и желаниями заказчиков. Неуспех "Дозора" был предопределен: Рембрандт написал совсем не ту картину, которую от него ждали.
Однако основной характер сцены ясен для каждого взирающего на эту колоссальную картину. Прозвучал
боевой сигнал. Возглавляемые капитаном и лейтенантом стрелки строятся, выходя из-под темной арки ворот. Гремит барабанная дробь, заряжаются ружья, подымаются знамена. Охвативший всех порыв по-разному претворяется в многочисленной массе людей. Художник объединил всех в общем действии,
показав вместе с тем индивидуальные варианты единой темы.Перешагнув за рамки обычного группового портрета, Рембрандт дал полное динамики и напряженности действие.
«Ночной дозор», как любой шедевр, открыт для самых разных интерпретаций. До сих пор не только исследователи, но и зрители спорят,
что такое эта картина - воспоминание о реальном событии, аллегория, групповой портрет или все вместе взятое?
Почему Франс Баннинг Кок держит перчатку так, чтоэто привлекает внимание?
Почему на переднем плане оказалась маленькая девочка с курицей?
Почему из мушкета стреляет маленький мальчик?
Имеют ли свет и тень символический смысл?
Почему протазан лейтенанта ван Реутенбюрха выписан в мельчайших деталях, если все остальное оружие изображено довольно размыто?..
Эту картину-портрет неоднократно рассматривали в нашем сообществе.
Интересные сообщения по ее поводу и не менее интересные комментарии вы можете прочитать здесь:
;

С момента создания картины "Ночной дозор"от Рембрандта отшатнулось большинство богатых заказчиков. Сдвиг в общественных вкусах, особенно рано сказавшийся в крупнейшем центре страны, привел к тому, что величайший национальный гений Голландии оказался на положении непопулярного художника; его глубокое, передовое искусство продолжали ценить лишь немногие. Жизнь Рембрандта дала трещину. Поддержать его было некому: в 1640 году умирает мать, затем сестра, вскоре, в 1642, умерла от туберкулеза его Саския (ей было 29 лет), оставив ему девятимесячного сына Титуса.

В память о жене Рембрандт написал знаменитую картину «Давид и Ионафан» (1643), своеобразную сцену прощания двух людей, расстающихся навеки. Свое отношение к жене художник выразил и в портрете «Святое семейство» (1645). Поразительно, что художник пользуется светлыми красками, таким образом выражая свое убеждение, что жизнь и смерть едины и все люди когда‑нибудь соединятся на небесах.

Безмерно опечаленный смертью любимой жены, художник не мог заставить себя сконцентрироваться на привычной работе — заказных портретах (с их определенными требованиями, вкусами) — и быстро растерял богатых заказчиков. Но без дела он не сидел, создавая в том числе и портреты, но не заказ, а исключительно из любви к искусству.

Портрет пожилого раввина 1642
Рембрандт часто посещал амстердамское еврейское гетто и находил там колоритные образы. Более того, одно время он был вынужден выехать из собственного особняка и жил в гостинице в том же районе, где жили амстердамские евреи, многих из которых он знал, со многими дружил.

Портрет девушки в окне 1646

В этот период одиночества Рембрандт находил убежище у себя в мастерской. Там, наблюдая за тем, как ученики с энтузиазмом копируют богатый, красочный стиль его молодости, сложившийся под влиянием Рубенса,он начал работу над более вдумчивой картиной. На смену выставления себя напоказ пришел самоанализ, отражающий подавленное состояние, в котором пребывал художник. Так, после смерти своего прежнего кумира,Рембрандт нашел нужное решение для выработки нового стиля в экспериментах позднего Тициана.
Картина "Девочка у окна" является одним из произведений, созданных в этот период, которое стало упражнением, в котором полностью достигнута цель — передать черты материального облика модели.Реалистичность образа девочки была достигнута посредством использования грубого холста,
позволяющего наносить крупные мазки, различных оттенков охры и дополнительная подмазка рукой для придания фигуре объема. Объем передан светом и цветом, практически без линейного рисунка. Рембрандт уже освоил эту технику, предвестником которой был Тициан, в " Ночном дозоре", где на некоторых фигурах он уже применял прозрачные мазки, чтобы передать идею движения и расстояния.Предметом этой картины также служит удаленность или близость модели по отношению к
зрителю. Намек на перспективу основан на наклоне полки или подоконника,на который девочка опирает руки, одна из которых параллельна плоскости картины. Ощущение полупрозрачности блузки создается благодаря свободному стилю художника, который не вычерчивал по холсту линии, а наносил краски густым слоем. Чувственную композицию завершает эротический штрих в виде золотого ожерелья, которое девочка теребит пальцами, чтобы привлечь внимание к вырезу блузки. Рембрандт с большой легкостью изобразил розовые щеки и красные губы,прядь волос на лбу, чувственную кожу, аромат которой, кажется, можно ощутить.

Портрет доктора Ефраима Буэно 1647

Именно в портретах и сюжетных композициях, связанных с портретом, раскрылось своеобразие творческого гения Рембрандта.
Но лучшие его работы относятся к 1650- 1660-м годам.
и т.д.

Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (нидерл. Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств.

Рембрандт Харменсзон («сын Хармена») ван Рейн родился 15 июля 1606 года (по некоторым данным, в 1607) в многодетной семье состоятельного владельца мельницы Хармена Герритсзона ван Рейна в Лейдене. Семья матери даже после Нидерландской революции сохраняла верность католическому вероисповеданию.

В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но наибольший интерес проявлял к живописи. В 13 лет его отдали учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбюрху, католику по вере. Исследователям не удалось найти работы Рембрандта, относящиеся к этому периоду, поэтому вопрос о влиянии Сваненбюрха на становление творческой манеры Рембрандта остаётся открытым: слишком мало известно сегодня об этом лейденском художнике.

В 1623 году Рембрандт учился в Амстердаме у Питера Ластмана, прошедшего стажировку в Италии и специализировавшегося на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Вернувшись в 1627 году в Лейден, Рембрандт вместе с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он приобрел широкую известность.

Ластмановское пристрастие к пестроте и детальность в исполнении оказало огромное влияние на молодого художника. Оно явственно сквозит в его первых сохранившихся произведениях - «Побиении камнями св. Стефана» (1629), «Сцене из древней истории» (1626) и «Крещении евнуха» (1626). В сравнении с его зрелыми работами они необычайно красочны, художник стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира, как можно достовернее передать экзотическую обстановку библейской истории. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности, праздничности («Аллегория музыки», 1626; «Давид перед Саулом», 1627).

Итоговые произведения периода - «Товит и Анна», «Валаам и ослица» - отражают не только богатую фантазию художника, но и его стремление как можно выразительнее передать драматичные переживания своих героев. Подобно другим мастерам барокко , он начинает постигать значение резко вылепленной светотени для передачи эмоций. Его учителями в отношении работы со светом были утрехтские караваджисты , но ещё в большей степени он ориентировался на произведения Адама Эльсхаймера - немца, работавшего в Италии. Наиболее караваджистские по исполнению полотна Рембрандта - «Притча о неразумном богаче» (1627), «Симеон и Анна в Храме» (1628), «Христос в Эммаусе» (1629).

К этой группе примыкает картина «Художник в своей мастерской» (1628; возможно, это автопортрет), на котором художник запечатлел себя в мастерской в момент созерцания собственного творения. Холст, над которым ведётся работа, вынесен на первый план картины; в сравнении с ним сам автор кажется карликом.

Одним из неразрешённых вопросов творческой биографии Рембрандта является его художественная перекличка с Ливенсом. Работая бок о бок, они не раз брались за один и тот же сюжет, как, например, «Самсон и Далила» (1628/1629) или «Воскрешение Лазаря» (1631). Отчасти оба тянулись за Рубенсом , который слыл тогда лучшим художником всей Европы, иногда Рембрандт заимствовал художественные находки Ливенса, иногда дело было ровно наоборот. По этой причине разграничение работ Рембрандта и Ливенса 1628-1632 годов представляет известные сложности для искусствоведов. Среди других известных его работ - «Валаамова ослица» (1626 г).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606-1669) знаменует наивысший расцвет голландского искусства XVII века и одну из вер­шин мирового искусства вообще. Демократическое и истинно гуман­ное, проникнутое горячей верой в торжество справедливых жизнен­ных начал, оно воплотило в себе самые передовые и жизнеутверждаю­щие идеи своего времени. Художник поднял изобразительное искусство на новую ступень, обогатив его небывалой жизненностью и пси­хологической глубиной. Рембрандт создал новый живописный язык, в котором главную роль играли тонко разработанные приемы светотени и насыщенный, эмоционально напряженный колорит. Духовная жизнь человека стала отныне доступной изображению средствами реалисти­ческого искусства.

Рембрандт выступил новатором во многих жанрах. Как портре­тист, он явился создателем своеобразного жанра портрета-биографии, где долгая жизнь человека и его внутренний мир раскрывались во всей своей сложности и противоречивости. Как исторический жи­вописец, он претворил далекие античные и библейские легенды в со­гретый высоким гуманизмом рассказ о реальных земных человеческих чувствах и отношениях.

Середина 1630-х годов - время наибольшей близости Рембрандта к общеевропейскому стилю барокко, пышному и шумному, насыщен­ному театральным пафосом и бурным движением, контрастами света и тени, противоречивым соседством натуралистических и декоратив­ных моментов, чувственности и жестокости.

В барочный период написано «Снятие с креста» (1634). Картина иллюстрирует евангельскую легенду о том, как Иосиф Аримафейский, Никодим и Другие ученики и близкие Христа, получив разрешение Пилата, сняли ночью тело Христа, завернули его в бога­тую плащаницу и похоронили.

Легенда рассказана Рембрандтом с потрясающей жизненной прав­дой. Трагическая смерть учителя и сына повергла участников собы­тия в глубокое горе. Художник вглядывается в лица, стараясь про­никнуть в души людей, прочесть реакцию каждого на происходящее. Взволнованно передает он обморок Марии, матери Христа, плач и стенания женщин, страдание и скорбь мужчин, испуг и любопытство подростков.

В этом произведении Рембрандт отталкивался от известной кар­тины Рубенса того же названия, используя отдельные композиционные мотивы вели­кого фламандца и стремясь превзойти его в выражении душевных движений героев.

Другим важным достижением этой картины, наряду с индиви­дуализацией чувств действующих лиц, явилось использование света для достижения цельности многофигурной композиции. Три главных момента легенды - снятие с креста, обморок Марии и расстилание плащаницы - освещены тремя различными источниками света, ин­тенсивность которых убывает сообразно с уменьшением значения сцены.

Начало нового периода в жизни и творческой деятельности масте­ра было отмечено двумя важными событиями, которые произошли в 1642 году: безвременной смертью Саскии, горячо любимой жены, оставившей ему годовалого сына, и созданием картины «Ночной до­зор»- большого группового портрета амстердамских стрелков, самого знаменитого произведения мастера.

Семейная трагедия и завершение ответственного заказа поставили Рембрандта перед сложными проблемами личной и творческой жизни. Художник выходит из этого кризиса возмужавшим и умудренным. Его искусство становится серьезнее, собраннее и глубже, а главное, в нем все явственней проступает интерес к внутренней жизни человека, к тому, что творится в его душе.

В тесной связи с эволюцией творчества Рембрандта в 1640-е годы следует рассматривать и одно из главнейших произведений худож­ника - «Даная» , хотя на картине стоит дата 1636. На создание обра­за Данаи, легендарной греческой царевны, заточенной своим отцом, чтобы избежать предсказанной ему гибели от руки внука, Рембрандта вдохновила его первая любовь - Саския. Но через десять лет, как по­казали новейшие исследования, художник, неудовлетворенный перво­начальным решением, существенно перерабатывает образ главной ге­роини. Моделью для окончательного варианта картины послужила ему, по-видимому, Гертье Диркс, молодая вдова, поселившаяся в доме Рембрандта после смерти Саскии сначала как нянька годовалого Титуса, а затем и на правах полной хозяйки. Таким образом, голова, пра­вая рука и в значительной степени тело Данаи, ожидающей в своей темнице возлюбленного (по легенде, влюбившийся в Данаю Зевс про­ник к ней в виде золотого дождя), а также фигура старухи-служанки оказались написанными заново, в смелой широкой манере середины и второй половины 1640-х годов. Почти все остальные детали картины остались такими, какими были написаны в 1636 году, характерным для предшествующего периода аккуратным, рисующим мазком.

Значительным изменениям подвергся и колорит картины. В пер­воначальном варианте господствовали холодные тона, типичные для середины 1630-х годов. Заменив золотой дождь первого варианта золотым светом, как бы предвещающим появление влюбленного бога, Рембрандт выполняет теперь центральную часть картины в теплом тоне с золотистой охрой и красной киноварью в ка­честве доминант.

Во втором варианте, то есть в 1646-1647 годах, Даная получила и углубленную психологическую характеристику, благодаря которой раскрылся сокровенный внутренний мир женщины, вся сложная и противоречивая гамма ее чувств и переживаний. «Даная», таким образом,-наглядный конкретный пример становления знаменитого рембрандтовского психологизма.

Творчество Рембрандта 1650-х годов отмечено прежде всего дости­жениями в области портрета. Внешне портреты этого периода отли­чаются, как правило, большим размером, монументальными формами. спокойными позами. Модели обычно сидят в глубоких креслах, поло­жив на колени руки и повернувшись прямо к зрителю. Светом выде­лены лицо и кисти рук. Это всегда пожилые, умудренные долгим жиз­ненным опытом люди - старики и старухи с печатью невеселых дум па лицах и нелегкого труда на руках. Подобные модели давали худож­нику блестящие возможности показать не только внешние приметы преклонного возраста, но и духовный облик человека. В собрании Эр­митажа эти работы хорошо представлены незаказными портретами:

«Старик в красном», «Портрет старушки» и «Портрет старика еврея».

Мы не знаем имени человека, послужившего моделью для портре­та «Старик в красном». Рембрандт писал его дважды: в портрете 1652 го­да (Национальная галерея, Лондон) он изображен сидящим в кресле с подлокотниками, в глубокой задумчивости склонившим голову на правую руку; эрмитажный вариант трактует ту же тему- человек на­едине со своими думами. На этот раз художник применяет строго сим­метричную композицию, изображая неподвижно сидящего старика в фас. Но тем заметнее движение мысли, едва уловимая смена выраже­ния лица: оно кажется то суровым, то более мягким, то усталым, то вдруг озаренным приливом внутренней силы и энергии. То же происходит и с руками: они кажутся то судорожно сжатыми, то лежащими обессиленно. Художник достигает этого прежде всего благодаря блестящему мастерству светотени, которая в зависимости от ее силы и контрастности вносит в изображение элегическую расслабленность или драматическое напряжение. Огромную роль играет при этом и манера нанесения краски на холст. Изрытое морщинами лицо старика и узловатые натруженные руки обретают художественную, выразительность благодаря вязкому месиву красок, в котором переплетающиеся жирные мазки передают структуру формы, а тонкие лессировки придают ей движение и жизнь.

Безымянный старик в красном с подчеркнутым достоинством, силой духа и благородством стал выражением новой этической позиции художника, открывшего, что ценность личности не зависит от официального положения человека в обществе.

К середине 1660-х годов Рембрандт завершает свое самое проник­новенное произведение - «Возвращение блудного сына». Его можно рассматривать как завещание Рембрандта-человека и Рембрандта-художника. Именно здесь идея всепрощающей любви к человеку, к униженным и страждущим - идея, которой Рембрандт служил всю свою жизнь,- находит наивысшее, совершеннейшее воплощение. И именно в этом произведении мы встречаемся со всем богатством и разнообразием живописных и технических приемов, которые вырабо­тал художник за долгие десятилетия творчества.

Оборванный, обессиленный и больной, промотавший свое состоя­ние и покинутый друзьями, появляется сын на пороге отчего дома и здесь, в объятиях отца, находит прощение и утешение. Безмерная свет­лая радость этих двоих - старика, потерявшего всякие надежды на встречу с сыном, и сына, охваченного стыдом и раскаянием, прячуще­го лицо на груди отца,- составляет главное эмоциональное содержа­ние произведения. Молча, потрясенные, застыли невольные свидетели этой сцены.

Художник предельно ограничивает себя в цвете. В картине доми­нируют золотисто-охристые, киноварпо-красные и черно-коричневые тона при бесконечном богатстве тончайших переходов внутри этой скупой гаммы. В нанесении красок на холст участвуют и кисть, и шпа­тель, и черенок кисти; но и это Рембрандту кажется недостаточным-он наносит краски на холст непосредственно пальцем (так написана, например, пятка левой ноги блудного сына). Благодаря разнообразию приемов достигается повышенная вибрация красочной поверхности - краски то горят, то сверкают, то глухо тлеют, то как бы светятся из­нутри, и ни одна деталь, ни один, даже самый незначительный, уголок холста не оставляет зрителя безучастным.

Только умудренный огромным жизненным опытом человек и ве­ликий, проделавший большой путь художник мог создать это гениаль­ное и простое произведение.

О том, что по-настоящему любишь, всегда тяжело говорить. Тщательно выбираешь нужные слова, обороты речи, не знаешь с чего начать... Поэтому начну с небольшого откровения: Рембрандт Харменс ван Рейн (Rembrandt Harmenszoon van Rijn) − мой любимый художник, и я узнавал его очень долго.

В детстве − в Эрмитаже, с рассказами профессора-отца. В юности − на уроках МХК в институте, со старыми слайдами в темной аудитории в долгие декабрьские вечера. В молодости - в удивительном Амстердаме, радостно смеющимся в лучах заходящего августовского солнца. Я прочел про Рембрандта уже сотни лекций, провел не один десяток экскурсий, а все равно остается ощущение, что сейчас тебе предстоит окунуться в нечто неведомое, огромное, непостижимое.

Это, как прыжок с пирса в воды моря, на котором ты оказался впервые. Ты не знаешь, холодная ли там вода, сколько камней на дне. Это предвкушение и сомнение, заставляющее нервно дрожать твои руки. Победить это можно только одним способом - прыгнуть с разбега, ощущая, как колотится сердце и как в один момент весь мир вокруг тебя уносится куда-то вдаль, и ты теперь наедине с чем-то абсолютно новым... Ну, что же! Прыгаем, открываем глаза и смотрим!

В 27 лет у него было все, о чем только может мечтать художник. Слава, известность, деньги, любимая женщина, сотни заказов. Он считался лучшим мастером портретной живописи в одном из самых богатых городов своего времени, в жемчужине северной Европы − Амстердаме.

Да, еще никогда в мире не было художника, способного создать такое! Портрет должен был быть идеальным, должен был скрашивать все недостатки человека, но Рембрандт думал иначе. Его портреты были живые. Они передавали характер, в них был конфликт. Перед вами фрагмент портрета главного сборщика налогов провинции Голландия Яна Втенбогарта.

Через руки этого человека проходило почти все состояние республики. И его одежда - воздушный кружевной воротник, длинная шуба из русского соболиного меха - явно свидетельствует о его состоянии. А теперь просто посмотрите на эти глаза. В них вы видите печаль... И сразу вспоминается полотно великого предшественника Рембрандта - . Разве не с таким же выражением смотрит апостол на Христа, когда тот призывает его к себе? Этот портрет - история очень богатого, но очень несчастного человека, и голландский живописец способен был показать это в одном застывшем мгновении.

Все свободное время Рембрандт Харменс ван Рейн тратил на изучение мимики. Он часами стоял у зеркала и строил рожи, которые потом переносил углем на бумагу. Ему важно было поймать малейшие оттенки эмоций.

Лицо человека, по мнению художника, было зеркалом души, это он осознал еще задолго до Оскара Уайлда с его «Портретом Дориана Грея». Но портреты не единственное, в чем преуспел Рембрандт. Его большие полотна впечатляют нас не меньше. Игра светотени, которую так развивал в своей живописи Караваджо, у нашего мастера приобретает поистине гигантских размах.

Ему было всего 28 лет, когда он создал свой первый абсолютный шедевр. Это полотно «Снятие с креста». Вы просто не можете пройти мимо этой картины в Эрмитаже. В одном моменте художнику удалось изобразить всю суть христианства, рассказать одну из величайших человеческих историй максимально честно и трогательно, так, как не делал никто ни до, ни после него.

Иерусалим на заднем плане тонет во тьме. Спаситель мертв. Его безжизненное тело мы и видим в центре картины. Это момент наивысшего отчаяния, никто еще не верит в воскресение. Люди видят только труп человека, которого любили и которому поклонялись как богу, и Дева Мария падает в обморок, её кожа мертвенно-бледна - только что она потеряла своего единственного сына.

Есть на этом полотне одна деталь, которая не сразу бросается в глаза. Это освещение. Источник света - это фонарь в руках мальчишки, но тело Христа и одежда апостола, держащего его на руках, отражают свет подобно зеркалу. И именно через свет здесь рассказывается истинная история, раскрывается философский смысл картины.

Свет фонаря - это свет веры, а то, что мы видим на картине, это приобщение к ее тайне. Создается ощущение, что источником света здесь становится само тело Спасителя. Из мрака выделяется еще лицо Богоматери и подсвеченная тусклым светом свечи плащаница, в которую должны завернуть тело Христа. На этом полотне Рембрандт впервые применил прием, который в последние годы жизни стал основным в его творчестве.

И вот мы видим, как человек, идеально владевший техникой письма, в мельчайших деталях выписал все центральные фигуры на полотне, но, по мере удаления от света, лица людей становились все более размытыми, почти неразличимыми. Все очень просто - таинство происходящего прошло мимо них.

Впрочем, на этом полотне есть и еще один персонаж, который не заметен с первого взгляда. Несмотря на то, что он находится в тени, Рембрандт изображает его очень четко. В правом нижнем углу полотна, из самого темного места, скрываясь за стеблями чертополоха, смотрит на вас Дьявол в образе собаки и как будто задает вам вопрос:

«А ты приобщился к происходящему?»

Да, голландскому мастеру всегда было мало рамок картины, он мечтал о том, чтобы его полотна стали частью этого мира, а зритель - непосредственным участником происходящего. Но именно это желание и низвергло его с вершин славы в пучину векового забвения.

Несчастье и забвение приходят столь же стремительно, как удача и слава. Рембрандт Харменс ван Рейн ощутил это на себе в 1642 году. Конечно, огорчения были и до этого: его дети умерли во младенчестве. Выжил только один сын, Титус, рожденный в 1641 году. Но год спустя покинула этот мир его любимая жена Саския, с которой он прожил долгие годы. А вместе с этой утратой от художника отвернулась и удача, отвернулась в тот момент, когда он создал одну из величайших своих картин.

О «Ночном Дозоре» Рембрандта можно говорить бесконечно. Это полотно настолько масштабно по своему содержанию, настолько уникально по выстроенной композиции, что история его создания вполне достойна отдельной книги, а не статьи. Но, как часто бывает в жизни, именно это творение, впоследствии в корне изменившее все развитие мировой живописи, было отвергнуто современниками.

Заказчикам не понравилось, как они были изображены, и многие из них отказались оплачивать работу художника. Такого унижения самый известный живописец Нидерландов не испытывал никогда. В один год Рембрандт потерял любимую жену и потерпел фиаско с лучшей своей работой. Казалось бы, этого вполне достаточно, но нет, это было только началом трагедии. Заказов становилось все меньше (в моду входил классицизм и стилистика парадных портретов), и вскоре имущество художника распродали за долги. Из огромного особняка в самом центре Амстердама он был вынужден перебраться на окраину города, в Еврейский квартал, где снимал несколько комнат со своим любимым сыном Титусом.

Самое интересное, что Рембрандт легко бы мог приспособиться под последние модные тенденции в искусстве и вновь получать большие деньги за свои полотна. Но живописец был убежден в том, что должен создать абсолютно новый стиль. На его портретах теперь были не богатые люди, а самые обычные граждане города Амстердама. Таков, например, «Портрет старика еврея».

Рембрандту стало не интересно детальное изображение всех предметов одежды, он стремился к большей абстракции, стремился в идеальной точности показать чувства своих персонажей. За свое упорство он получал только страдание и пощечины. Так произошло с его картиной «Заговор Юлия Цивилиса».

Вместо классического, помпезного, исходящего патриотизмом изображения старый мастер представил на суд общественности вот это.

Перед нами картина варварского пира, грубого, неприглядного. Это полотно почти на 300 лет опередило свое время, предвосхищая живопись экспрессионизма. Не удивительно, что шедевр мастера был отвергнут, а его имя было покрыто несмываемым позором. Но именно эти последние восемь лет жизни, проведенные в абсолютной, непроглядной нищете, являются одним из самых плодотворных периодов в творчестве Рембрандта.

Я думаю, что про картины того периода, в том числе про его «Возвращение блудного сына» я напишу в отдельной статье. Сейчас же я хочу рассказать о другом. Меня всегда поражало, как мог Рембрандт работать и развивать свой талант, когда отовсюду на него сыпались удары судьбы. Долго так продолжаться не могло, и художник предчувствовал это.

Завершающий удар всегда наносится в самое больное место. Им был единственный сын Титус - очень болезненный мальчик, похожий на свою умершую мать. Именно его Рембрандт изображал тогда чаще всего: и в виде ангела на картине «Матфей и ангел», и за чтением, и в различных костюмах. Возможно, живописцу казалось, что с помощью своего таланта ему как-то удастся отсрочить неизбежное... Не удалось...

На мой взгляд, «Портрет Титуса в монашеской рясе» − одна из самых проникновенных картин Рембрандта. В ней проявилась вся отцовская любовь, весь талант живописца. Во всех этих грубых мазках, в этой тьме, наступающей слева на юношу, в растениях, уже окружающих его тело, выделяется одно - бледное лицо сына художника с опущенными, полными смирения глазами.

Титус умер в 1668 году, Рембрандт пережил его только на год.

Он умирал на окраине Амстердама, абсолютно один, получив в этой жизни все и все потеряв. О его полотнах забыли надолго... Но прошло 150 лет, и уже другие художники услышали то, о чем пытался рассказать своим современникам мастер, вместо славы и денег выбравший свой уникальный путь.