Архипенко скульптор работы. Скульптурный авангард александра архипенко. Голова из бронзы

Александр Архипенко - украино-американский скульптор и художник, которого боготворили Аполлинер, Пикассо и Леже, однако забыли соотечественники.

Здесь же состоялась первая выставка работ мастера, которому было суждено изменить мировые представления о скульптуре начала XX века.

Архипенко начал обучение скульптуре и живописи в Киевском художественном училище, однако был исключен из него за участие в революционных выступлениях студентов в 1905 году.

Чтобы продолжить учебу, в двадцатилетнем возрасте он отправляется в Москву. Но мастер быстро понимает, что академическая система обучения для него слишком скучна.

Печаль. 1909

Голова из бронзы

И тогда в поисках учителей он едет во Францию. Но его работы настолько впечатлили современников, что вскоре к нему самому стали проситься в ученики.
Уже в 1912 году Архипенко открывает собственную Школу искусств в Париже, а спустя десять лет - в Берлине. К тому времени его работы уже знают Италия, Швеция, Франция, Германия и Чехословакия.

Сидящая обнаженная 1909—1911

Мадонна в скалах. 1912

Отдых. 1912

Семейная жизнь. 1912

Сидящая обнаженная, 1912

Карусель Пьеро. 1913

Медрано II. 1913—1914

Женщина, расчесывающая волосы. 1915

В 1920 году Венецианская биеннале объявила набор работ для первой послевоенной выставки. Архипенко привез на выставку 85 скульптур и рисунков.

Женский торс (Белый торс). 1916

Ваза-фигура. 1918

Итальянские критики оказались не готовыми к столь революционным скульптурным формам. Одни называли их «неприятными ортопедическими комбинациями дерева, гипса и металлов», другие ограничивались оценками вроде «это интересно, но это не искусство». А католический патриарх Венеции Пьетро Ла Фонтэн вообще запретил верующим посещать выставку Архипенко.

Католический кардинал публично проклял мои произведения, выставленные на Биеннале в Венеции в 1920-м, за деформации человеческого тела... Один конгрессмен в 1949-м пришел к абсурдному выводу, будто модернистские тенденции искусства, включая и мои работы, инспирировали марксизм... Политики трактуют все авангардное искусство как коммунистическое, тем временем как в коммунистических странах тот самый авангард объявляют опасной затеей западной буржуазии - писал об этом сам Архипенко.

Голубая танцовщица. 1913

Впрочем, все это лишь возбудило интерес публики к его работам. Благодаря выставкам он заработал денег на открытие собственной школы искусств в Берлине и в 1923 году эмигрировал в США.

В конце мая 1933 года в Чикаго открылась очередная Всемирная выставка, на которой впервые был представлен украинский павильон. Его организовали выходцы из Украины, представители второй волны эмиграции.

Отдельный зал этого павильона был отведен под работы Александра Архипенко. Страховщики на выставке оценили коллекцию его работ в $25 тыс. Для сравнения - новенький Pontiac тогда стоил в США $1 тыс.

Помпеи

Позже он открывает в Нью-Йорке свою школу пластики.

Благодаря ему в парках Чикаго появились памятники Шевченко, Франко и князю Владимиру.

И именно в США Архипенко делает новое открытие — архипентуру, или, как будет указано в патенте, «движущуюся живопись». Суть новинки заключалась в том, что полотно с изображением складывалось из нарезанных и подсвеченных полосок, положение которых художник мог менять при помощи специального механического устройства. Сейчас мы ежедневно видим меняющиеся картинки на рекламных билбордах, даже не догадываясь, кто автор этого дизайнерского изобретения.

До конца жизни скульптор зарабатывал преподаванием. При этом он содержал мастерскую в Нью-Йорке и продолжал экспериментировать с новыми материалами - акрилом, алюминием, глиной…

Прошлое. 1926

Грация. 1926

Бокс. 1935

Жозефина Бонапарте. 1935

Арабка. 1930—1940

С выставкой в Париже, 1948 год

Сидящая геометрическая фигура. 1950

Египетский мотив. 1952

Лежащее горизонтально. 1957

Женщина с веером - 1958

Царь Соломон. 1963

«Царь Соломон» был последней работой, которую Александр Архипенко задумал и сделал как монументальную скульптуру.

За два года до смерти, в 1962 году он был избран членом американской академии искусств и литературы.

Похоронен Архипенко на кладбище Вудлон (Woodlawn) в Нью-Йорке.

Сегодня произведения Архипенко представлены во многих крупных музеях Европы, США, Израиля. Много его работ имеется в Музее современного искусства в Нью-Йорке, Национальной галерее США и Бостонском музее изящных искусств.

Торс на мыльном камне

На родине великого скульптора в Киеве в открытом атриуме бизнес-центра по ул. Пушкинской, 42 мастеру установлен памятный знак "Возвращение Архипенко" в виде копии одной из его скульптур.

В 1906 году он переехал в Москву, а в 1908 – в Париж. Там в биографии Архипенко было положено начало развитию его кубической техники в скульптуре.

В 1910 году Александр открывает собственную школу искусств в Париже. В 1921 году он переезжает в Берлин, где так же учреждает школу. И наконец, в 1923 году Архипенко эмигрирует в Америку, в Нью-Йорк. Там он третий раз за свою карьеру основал школу.

В 1912 году в биографии Александра Архипенко была представлена новая техника скульптуро-живописи, разработанная в попытках объединить форму и цвет воедино. Тем не менее, главный вклад Архипенко в искусство 20 века состоит в том, что он работал над противоречивыми формами. Он осознал эстетическую ценность пустоты. Архипенко известен своими опустошенными формами с пробитыми отверстиями как дополнение к выпуклым массам. Такая скульптурная тенденция нашла отражение в следующих скульптурах: мраморная «Madonna», бронзовая «Woman Combing Her Hair» (1915, музей современного искусства, Нью-Йорк).

Архипенко работал также над резным пластиком, светящимся изнутри. Его близкие к абстракции фигуры принесли автору международную известность. Среди них «Torso in Space» (Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк), «Walking Girl» (музей Гонолулу), «White Torso» (Чикагский клуб искусств). Биография Александра Архипенко также был инженером, гончаром, учителем.

Оценка по биографии

Новая функция! Средняя оценка, которую получила эта биография. Показать оценку

Александр Порфирьевич Архипенко (30 мая 1887, Киев, Российская империя - 25 февраля 1964, Нью-Йорк, США) - американский скульптор и художник украинского происхождения, один из основателей восточного кубизма в скульптуре.

Биография

Родился в Киеве. Отец, Порфирий Антонович Архипенко, служил механиком при Киевском университете. Проучившись два класса в реальном училище Валькера, Александр в 1902 году перешел в Киевское художественное училище, из которого был отчислен в ноябре 1905 года за участие в ученической забастовке, вызванной началом революции 1905-1907 г. В 1906 вместе с Александром Богомазовым организовал первую выставку своих работ в Киеве.

В этом же году переехал в Москву, где продолжил образование в Московском училище живописи, архитектуры и скульптуры.

В 1909 году переехал в Париж. В 1909-1914 живёт в интернациональной колонии художников «Улье» (фр. La Ruche), в 1910 выставляется в Салоне Независимых вместе с А.Экстер, Малевичем, Пикассо, Браком, Дереном и др. Первая персональная выставка - в Хагене (Германия, 1912). В 1921 открывает свою школу-студию в Берлине.

В 1923 переезжает в США, в 1929 получает американское гражданство. В 1934 оформляет павильон Украины на выставке в Чикаго. С 1937 преподавал в Новом Баухаусе. Похоронен на кладбище Вудлон.

Творчество

Работы Архипенко близки к кубизму: то, с чем до него художники-кубисты экспериментировали в живописи, он перенёс в скульптуру. Активно использовал в скульптуре так называемое «негативное пространство».

Признание

Произведения Архипенко представлены во многих крупных музеях Европы, США, Израиля. 12 его рисунков находятся в Государственном Эрмитаже. В 2016 году именем Архипенко была названа улица в Киеве.

Персональные выставки

• 1922 - Франкфурт-на-Майне

В художественной литературе

В романе Хулио Кортасара «62. Модель для сборки» м-р Уитлоу говорит Маррасту о «коллеге, который когда-то продавал материалы Архипенко».

Галерея

Царь Соломон. 1963, Филадельфия

Мадонна. Музей Иланы Гор, Яффа

Карл фон Вайнберг. 1961, Бронза. Франкфурт

Могила Александра Архипенко на кладбище Вудлон, Бронкс, Нью-Йорк

Александра Кайзер

МЕЖДУНАРОДНАЯ ПАНОРАМА

Номер журнала:

АЛЕКСАНДР АРХИПЕНКО ЖИЛ И АКТИВНО РАБОТАЛ В США С 1923 ГОДА И ДО САМОЙ СВОЕЙ СМЕРТИ В 1964 ГОДУ. ИССЛЕДОВАТЕЛИ ЕГО ТВОРЧЕСКОГО НАСЛЕДИЯ ОБЫКНОВЕННО ОГРАНИЧИВАЮТСЯ РАННИМ, ПАРИЖСКИМ, ПЕРИОДОМ И ВКЛАДОМ МАСТЕРА В ФОРМИРОВАНИЕ КУБИЗМА. ЛИШЬ В ПОСЛЕДНЕЕ ВРЕМЯ СПЕЦИАЛИСТЫ ОБРАТИЛИСЬ К РАССМОТРЕНИЮ БОЛЕЕ ПОЗДНЕГО ПЕРИОДА ДЕЯТЕЛЬНОСТИ АРХИПЕНКО С ЦЕЛЬЮ ОБОЗНАЧИТЬ ЗАНИМАЕМОЕ ИМ МЕСТО В КУЛЬТУРЕ АВАНГАРДА И ОПРЕДЕЛИТЬ ОТНОШЕНИЕ К НЕМУ ПУБЛИКИ.

Родившийся в 1887 году на Украине, Архипенко учился сначала в художественной школе в Киеве, потом в Московской школе живописи, ваяния и зодчества, а в 1908 году отправился в Париж. Там он поселился на Монпарнасе, в самой гуще международного сообщества художников и стал завсегдатаем многочисленных объединений. Культурный багаж Архипенко - своеобразный сплав ортодоксального православного символизма, фольклорных элементов с присущим скульптору колористическим даром - нашел свое выражение в первых же полихромных работах, созданных под влиянием искусства стран Африки и Океании, а также в нескольких религиозно-символических скульптурах небольшого размера, например в вырезанной из дерева работе «Грусть» (1909). Вскоре после этого его интересами завладели изогнутые (выпуклые и вогнутые) поверхности, полихромные формы, возможность творить в жанре смешанной техники и способы передачи движения. Ряд произведений Александра Архипенко, включая «Танец» (1912), «Карусель Пьеро» (1913), «Боксеры» (1914) и «Медрано II» (1914), были выставлены в «Салоне независимых», опубликованы в художественных журналах и удостоились похвалы поэта и влиятельного критика Гийома Аполлинера.

Несмотря на то что Александр Архипенко еще до начала Первой мировой войны заявил о себе как о выдающемся скульпторе, широчайшее признание он получил лишь в начале 1920-х годов, когда вышли четыре монографии о его творчестве, а за короткий период, с 1920 по 1923 год, было организовано более 25 выставок мастера.

В 1920 году Архипенко избрали в качестве одного из представителей России для участия в XII Венецианской биеннале - первой биеннале, организованной после окончания Первой мировой войны. Прекрасно отдавая себе отчет в значимости и престижности этого мероприятия, он отправил в Венецию все имевшиеся у него на тот момент работы. Сохранившаяся фотография одного из выставочных помещений наглядно иллюстрирует, что свободно стоящие скульптуры перемежаются живописными произведениями с включением полихромных конструкций, которые были названы Александром Архипенко «скульптоживопись». В них объединены элементы, характерные как для живописи, так и для скульптуры и архитектуры. То, что относится в этих работах к коллажу, напоминает кубистические полотна П. Пикассо или Ж. Брака, а конструкция в целом несомненно выполнена в стиле древнерусской иконы - об этом недвусмысленно свидетельствуют такие элементы, как присущие иконе пространственная организация, полихромия и использование различных материалов. Отклики на представленную Александром Архипенко коллекцию были самыми разными - от похвалы до отсутствия понимания и даже издевки. Например, некоторые критики увидели в его работах образцы большевистского искусства, тогда как другие отрицали подобную интерпретацию. При этом экспозиция Архипенко привлекла множество зрителей, а в одной из итальянских газет ее назвали феноменальной, своеобразным «магнитом» для посетителей.

В начале 1920-х годов неоднократно подчеркивалось происхождение Архипенко. Именно в таком аспекте его работы обсуждались в прессе, к тому же они были представлены на всех основных выставках русского искусства на Западе, например на Первой художественной выставке в Берлине в «Galerie van Die-men» в 1922 году. В это время в столице Германии обосновалось значительное число выходцев из России и других стран Восточной Европы, так что Берлин считался обязательным пунктом посещения для всех художников, перемещающихся как с Востока на Запад, так и в противоположном направлении. Когда Александр Архипенко прибыл в Берлин в 1921 году, там уже насчитывалось более ста тысяч эмигрантов из России. Берлин превратился в своего рода стратегический форпост российской политики и культуры. Благодаря популярности Архипенко в среде соотечественников, его известность значительно расширилась. Работы мастера заметили в Германии, он встретил там самый положительный прием и участвовал в целом ряде выставок, среди которых следует отметить большую ретроспективную экспозицию в Потсдаме в 1921 году.

Несмотря на то что Александр Архипенко пользовался известностью и имел широкие контакты, обретенную им славу отнюдь не сопровождал финансовый успех. К тому же экономический кризис 1922-1923 годов парализовал коммерческую деятельность и сказался на сообществе художников. Непрерывно ускоряющаяся инфляция в Веймарской республике отягощала положение Архипенко и побудила его покинуть Германию. В 1923 году вместе со своей первой женой Ангеликой Шмитц (1893-1957) он переехал в США.

Поселились они в Нью-Йорке. Вскоре после прибытия в Америку, в 1924 году, состоялась персональная выставка Александра Архипенко в «Kingore Gallery». Устроителем выступила организация «Сосьете аноним» - ее учредители Кэтрин Дрейер, Марсель Дюшан и Ман Рэй поставили перед собой цель познакомить Соединенные Штаты с модернизмом как художественным направлением. В том же году Архипенко открыл в Нью-Йорке художественную школу, аналогичную его школам в Париже и Берлине. До конца жизни он продолжал обучать искусству в своей студии и читал лекции по проблеме креативности в американских колледжах и университетах. Этот период творческой деятельности Александра Архипенко можно охарактеризовать обращением к новым материалам и к цвету, а область его специальных интересов включала изучение трудов по философии, точным наукам и метафизике.

На состоявшейся в 1933 году Всемирной выставке в Чикаго его работы были представлены в павильоне Украины. Архипенко выставил скульптурную серию «Ма» - слегка задрапированные женские фигуры, понимаемые им как мистическое выражение женственности. Не ограничиваясь собственно пластической формой, он сочинил насыщенный эзотерическими коннотациями текст, в котором «Ма» представлена как символ вечной женственности, как источник художественной интуиции и творческого начала. Аллегорическим выражением этой вдохновляющей силы является, к примеру, работа Архипенко «Ма-медитация» (1937): сломанный шар символизирует разрыв между сердцем и интеллектом, которые надлежит вновь соединить. Этой скульптурной работе предпосланы такие слова: «"Ма" посвящается каждой матери; каждому, кто любит и кто страдает, потому что любит; каждому, кто созидает искусство и науку; каждому герою; каждому, кто столкнулся с множеством проблем; каждому, кто познает и чувствует Вечность и Бесконечность».

В 1936 году Александр Архипенко участвовал в ставшей впоследствии столь известной выставке «Кубизм и абстрактное искусство», состоявшейся в нью-йоркском Музее современного искусства. в следующем году он был приглашен своим давним товарищем Ласло Мохой-Надем преподавать в чикагском институте искусств «Новый Баухауз» (впоследствии переименован в Институт дизайна). в 1946 году ему вновь предложили преподавать в том же институте, однако уже в 1947 году Архипенко покинул его. В это время он увлекался экспериментами с прозрачными формами, материалом для которых служили пластик и источники света. Итогом стал цикл плексигласовых работ, подсвеченных изнутри. О данной серии Архипенко отозвался как о «свете, созидающем скульптуру». Подобные работы могут быть легко объяснимы в контексте его непрестанных поисков универсальных и духовных начал искусства. Не случайно он писал в 1955 году: «Эта область художественного выражения открывает великие и разнообразные перспективы. Она не принадлежит ни сегодняшнему, ни завтрашнему искусству, скорее воплощает вневременные духовные истины, реализованные посредством новых материалов и света».

Продолжая в 1950-х годах поиски единства формы и цвета, Архипенко пользовался искусственными материалами - бакелитом и некоторыми другими, которые он применял для создания сюрреалистических и органических форм. Тогда же он приступил к созданию серии полихромных работ из бронзы, как бы вернувшись тем самым к раннему этапу своей деятельности в качестве скульптора. В 1957 году Архипенко писал: «Форма не может восприниматься при отсутствии цвета. Эстетическое единство формы и цвета, независимо от степени сложности составляющих это единство компонентов, вытекает из универсальных законов гармонии, ритма и равновесия. Я исследую взаимозависимость между формой и цветом начиная с 1912 года, поскольку я полагаю, что такое единство характеризует величайшие произведения визуального искусства».

В художественной школе, в свое время открытой Александром Архипенко в Вудстоке (штат Нью-Йорк), сейчас располагается Фонд Архипенко, основанный в 2000 году вдовой художника Фрэнсис Архипенко-Грэй. В задачи Фонда входит сохранение творческого наследия Александра Архипенко, организация выставок и публикаций его работ. Фонд приготовил исчерпывающий каталог произведений скульптора, составление которого завершилось к 2008 году. Осенью 2005 года Фонд Архипенко стал одним из организаторов международного симпозиума в Нью-Йорке, в рамках которого были представлены актуальные материалы, обращенные к творчеству мастера. Фонд также принимал участие в организации экспозиции работ Архипенко в галерее Гмуржинской в Кельне и большой ретроспективной выставки в украинском музее в Нью-Йорке. Эта экспозиция переехала в Смит-колледж в Нортгемптоне (штат Массачусетс), где продлилась с 31 марта по 30 июля 2006 года, а затем была перенесена в художественный музей Чейзен (Мадисон, штат Висконсин) на период с 19 августа по 26 ноября 2006 года.

Александр Архипенко внес неоценимый вклад в развитие модернизма. Сегодня мы вновь и вновь обращаемся к творчеству мастера и убеждаемся в неисчерпаемости его творческого духа. Мы исследуем его искусство, и на этом пути нас ждут интереснейшие открытия.

Сын профессора механики Киевского университета Порфирия Антоновича Архипенко; мать – Прасковья Васильевна Машова-Архипенко, дочь иконописца. В 1902, после колебаний между математикой и искусством, поступил в Киевское художественное училище, откуда спустя три года был исключен. Некоторое время посещал частную студию С. И. Светославского. До 1908 жил в Москве.

Весной 1909 через Берлин приехал в Париж и поселился в художественной колонии «La Ruche». Две недели проучился в Национальной школе изящных искусств, затем самостоятельно занимался в музеях, проявляя интерес к ранней готике, древней пластике Египта, Центральной Америки, Ассирии, Греции. В 1909 создал стилизованные скульптуры «Сидящий черный торс», «Адам и Ева», «Сусанна» и «Женщина», в которых сказалось увлечение архаикой. В 1910 снял мастерскую на Монпарнасе, в 1912 открыл художественную школу. Начал разрабатывать концепцию трехмерного кубизма, исполнил скульптуру «Медрано-1» – пример разложения пластической формы на простейшие геометрические объемы. В дальнейшем стал широко применять комбинации разнородных материалов (гипс, дерево, стекло, целлулоид, проволока); конструировал полихромные скульптуры: «Медрано-2», «Карусель Пьеро» и «Голова» (все – 1913; последней посвящено одноименное стихотворение Б. Сандрара). В 1914 исполнил скульптуру «Боксеры» – одно из наиболее абстрактных произведений пластики того времени.

Выставлялся в салоне Независимых (ежегодно в 1910–1914, 1920) и Осеннем салоне (1911, 1912, 1913, 1919); участвовал в выставках авангардистской группы «Золотое сечение» (Париж, 1912, 1913, 1914, 1920), выставке «Armory Show» в Нью-Йорке, 1-м Немецком весеннем салоне в Берлине, Международной выставке постимпрессионистов в Будапеште (все – 1913), групповых выставках в Риме, Праге, Амстердаме и Брюсселе. Провел совместно с Ле Фоконье выставку в музее Остхауз в Хагене (1912/13) и персональную выставку в галерее Der Sturm в Берлине (1913, в каталоге – текст Г. Аполлинера).

В 1914–1918 жил в Ницце. Разрабатывал «cкульптуро-живопись», основанную на комбинации трехмерной скульптуры с раскраской, цветным плоским фоном или обрамлением («Испанка», 1916; «Натюрморт с вазой», 1918). Исполнил цикл полуабстрактных плавно изогнутых торсов из металла и камня и серию женских фигур («Женщина, укладывающая волосы», 1915; «Стоящая фигура», 1916), в которых впервые использовал сквозные отверстия и ниши в качестве изобразительных элементов. Создал серию вертикальных вазообразных скульптур («Луч», 1918; «Ваза-женщина», 1919), в которых отразилось увлечение ранней готикой.

В 1919–1920 провел выставочный тур по городам Европы: Женева, Цюрих, Париж, Лондон, Брюссель, Берлин, Мюнхен, Роттердам, Гаага. В 1921 женился на немке, скульпторе Ангелике Шмитц (Angelica Schmitz, худож. псевдоним Gela Forster), и обосновался в Берлине, где открыл собственную школу. В том же году провел первую персональную выставку в Нью-Йорке, организованную Катрин Дрейер и Марселем Дюшаном под эгидой Анонимного общества (Société Anonyme). В Потсдаме вышла монография о художнике с текстом Ивана Голля и Теодора Дойблера.

В октябре 1923 вместе с женой приехал в США, поселился в Нью-Йорке и сразу же открыл художественную школу на Манхэттене, в которой с перерывами преподавал до 1946. В 1929 принял американское гражданство. В том же году приобрел землю в Бeарсвилле (Bearsville) около Вудстока, где к 1938 построил комплекс зданий для художественной школы и студии. Вел художественные курсы и школы в Лос-Анджелесе (1935), в Университете Вашингтона в Сиэтле (1935–1936), «Новый Баухаус» в Чикаго (1937), в Художественном институте Чикаго (1946–1947), Университете Миссури в Канзас-Сити (1950), Кармелевском институте искусств в Калифорнии (1951), Университете Британской Колумбии в Канаде (1956). Неоднократно совершал лекционные турне по американским колледжам и университетам.

В 1924–1927 разработал и запатентовал механизм для создания иллюзии движения нарисованных объектов с заданными быстротой и ритмом, названный им «архипентура»; впервые продемонстрировал его в 1928 на персональной выставке в Нью-Йорке (гал. Anderson, организована Société Anonyme). В 1940-е изготовил серию «светомодуляторов» – полупрозрачных плексигласовых скульптур, освещаемых изнутри. В разные годы создал реалистические скульптуры: «Повернутый торс», «Диана», «Идущая вперед», «Желание», «Меланхолия», несколько портретов жены, портреты св. князя Владимира, Тараса Шевченко, Ивана Франко (памятники-бюсты установлены в Кливленде), Т. Уайлдера, государственного секретаря США Ч. Хьюгенса, музыкантов В. Фуртвенглера и В. Менгельберга.

Участвовал в групповых выставках русских художников в Берлине (Van Diemen, 1922), Нью-Йорке (Бруклинский музей, 1923), Уилмингтоне (1932), Праге (1935), в российском отделе международных выставок в Венеции (в рамках ХII Международного биеннале, 1920), Филадельфии (1926), Нью-Йорке (1926/1927, Бруклинский музей). В 1927 передал скульптуру «Грация, или Величие красоты» в дар ГМНЗИ. В начале 1930-х участвовал в выставках Ассоциации независимых украинских мастеров искусства во Львове и подарил львовскому Национальному украинскому музею бронзовую скульптуру «Раздумье» (изъята из музея и утрачена в 1950-х).

В послевоенные годы получил признание как один из основоположников художественного авангарда. Удостоился престижных американских и европейских наград, был избран членом Международного института искусств и словесности (1953) и Американского национального института искусств и словесности (1962); его работы приобретались крупнейшими музеями мира. За 40 лет провел в США около 150 персональных выставок. В 1954 устроил ретроспективную выставку в галерее Ассоциации американских художников в Нью-Йорке, в 1955–1956 предпринял выставочное турне по Германии.

В 1957 овдовел. Спустя три года женился на своей ученице художнице Франсис Грей. В 1960–1963 исполнил последние крупные работы – бронзовые скульптуры «Царица Савская» (1961) и «Царь Соломон» (1963), а также серию абстрактных цветных литографий «Живые формы» («Les Formes Vivantes»).

Похоронен в Нью-Йорке на кладбище Вудлон (Woodlawn) в Бронксе. В 1967–1969 мемориальная выставка обошла многие города США. В 1986/87 выставки, посвященные 100-летию со дня рождения художника, состоялись в Национальной галерее в Вашингтоне и в Художественном музее Тель-Авива. В 2000 Ф. Грей основала Фонд Архипенко, призванный сохранять и пропагандировать наследие художника. При его поддержке действует Архивный и исследовательский центр Архипенко, расположенный в Беарсвилле.

Библиография:

* Бурлюк; ХРЗ; AI 2/43, 5/30, 6/40, 7/47, 8/48, 9/33, 10/32, 11/28, 12/32–33, 13/33, 14/33, 15/34, 16/19, 17/20, 18/24, 19/39, 20/31, 21/31, 22/26, 25/28, 27/32, 28/34; Cummings; Naylor. Голубец M. Архипенко. Львiв, 1922 (на укр. яз.). Сегал С. Архипенко // Сполохи (Берлин). 1922. № 5. С. 35-37. Ответ Архипенко // Вещь (Берлин). 1922. № 3. С. 11–12, 14. Косач Ю. Александр Архипенко: К 50-летию творчества мастера // Русская мысль (Париж). 1957. 7 мая (№ 1052). Коротич В. Плексигласова мадонна самотностi: (Iз биографии О. Архипенка) // Вiтчизна. 1966. № 10. С. 175–185 (на укр. яз.). Эренбург И. Г. Собр. соч.: В 8 т. Т. 8. М., 1966. С. 166–167. Валериус С. Прогрессивная скульптура ХХ века. М., 1973. С. 286–291. Архипенко А. Архипентура // К истории международных связей ГМНЗИ. 1922–1939 / Авт.-сост. Н. В. Яворская. М., 1978. С. 377–384. Письма А. Архипенко к Б. Терновцу // Там же. С. 320–328. Капитайкин Э. История одной коллекции // Русская мысль (Париж). 1987. 15 мая (№ 3673). С. 11. Ковжун П. Александр Архипенко // Творчество. 1989. № 10. С. 18–20. Сусак В. Александр Архипенко – «первый скульптор-экспрессионист»? // Русский авангард 1910–1920-х гг. и проблема экспрессионизма. М., 2003. С. 223–236. Русский Париж. 1910–1960. ГРМ: Альманах. Вып. 35. СПб., 2003. С. 116–117 (илл.). Американские художники из Российской империи: Альманах. Вып. 208. СПб., 2008. С. 264. Азизян И.А. Александр Архипенко: Предвоенные парижские годы (1908-1914) // Искусствознание. 2008. № 2. С. 211-253. Азизян И.А. Скульптурные картины и другие произведения Александра Архипенко военных лет // Искусствознание. 2010. № 1-2. Азизян И. Александр Архипенко. М., 2010. Alexander Archipenko. Berlin: Verlag der Sturm, 1913. Archipenko-Album. Einfuhrungen von T. Daubler und I. Goll. Potsdam, 1921. Raynal M. A. Archipenko. Rome, 1923. The Archipenko Exposition of Sculpture and Painting in Ukrainian Pavilion at a Century of Progress. Chicago, 1933. Alexander Archipenko: Fifty Creative Years 1908–1958 / Text by Archipenko and fifty art historians. New York, 1960. Alexander Archipenko: A Memorial Exhibition 1967–1969: . Los Angeles, 1967. Archipenko. International Visionary / Pref. by S. D. Ripley; Foreword by D. W. Scott; Essay by G. Habasque. Washington: Donald H. Karshan, 1969. Archipenko: The American Years. 1923–1963. New York: B. Danenberg Galleries, 1970. Karshan D. H. Archipenko: The Sculpture and Graphic Art / Including a print catalogue raisonné. Boulder Colo: Westview Press, 1975. Michaelsen K. J. Archipenko. A Study of the Early Works. 1908–1920. New York: Garland Pub., 1977. Archipenko: Sculpture, Drawings, and Prints. 1908-1963 / As collected, viewed, and documented by Donald Karshan. Danville; Ky.: Centre College in association with Indiana University Press, 1985.