Интересные факты о жизни врубеля михаила александровича. Самые знаменитые картины врубеля. Михаил Врубель в академии
Мне показалось интересным для поста.
Часто биографии сопровождаются редкими подборами работ и я собрала по каждому упоминанию в тексте.
В чем то я могла ошибиться.
ВРУБЕЛЬ Михаил Александрович (1856-1910)
Живописец-монументалист, художник театра, скульптор, график, иллюстратор, представитель романтического направления русского модерна, М.А. Врубель родился 5 (17) марта 1856 года в Омске. Его отец, Александр Михайлович, в прошлом строевой офицер, участник Крымской войны и боевых действий на Кавказе, был военным юристом, семья часто переезжала из города в город: Омск, Астрахань, Петербург, Саратов, Одесса и снова Петербург, где прошли детские годы Врубеля. У будущего художника не было родного гнезда и связанных с ним воспоминаний. Мать художника, Анна Григорьевна, урожденная Басаргина, родственница известного декабриста, родила четырех детей и умерла, когда маленькому Мише было всего три года. Спустя 4 года его отец вновь женился - на Е.X. Вессель. Она была пианисткой, так будущий художник близко познакомился с классической музыкой. Отношения с мачехой у Михаила сложились неплохие - она оказалась доброй и любящей, детство мальчика было счастливым.
Его художественные способности проявились очень рано. Уже с 5 лет он увлеченно занимался в рисовальной школе. Девяти лет от роду он по памяти копировал Микеланджело. Во время проживания в Петербурге, в 1864 и 1868-1869 годах отец водил мальчика на занятия в школу Общества поощрения художеств. В 1870 году семья Врубеля переехала в Одессу, там Михаил в 1874 году окончил с золотой медалью знаменитую Ришельевскую гимназию, где серьезно изучал литературу, историю, французский, немецкий, латинский языки, посещал рисовальную школу Общества изящных искусств. Его отец считал это полезным для общего развития, но на будущее сына смотрел с точки зрения "положительных взглядов" - непременным условием выбора профессии была "польза для общества". Поэтому, после очередного приезда семьи в Петербург, М.Врубель в 1874 году поступил на юридический факультет Петербургского университета. Учась на юриста, он к юриспруденции был равнодушен, но не оставил мечты стать художником - много читал, посещал выставки, занимался в вечерних классах Академии художеств. Именно в университетские годы, часто бывая в Эрмитаже, завязав знакомства с художниками, он стал много рисовать сам и осознал своё настоящее призвание.
В 1879 году Врубель с золотой медалью окончил университет, но юристом так и не стал. К этому времени будущий художник уже твердо решил посвятить себя искусству. Он с грехом пополам отбыл воинскую повинность и уже в 1880 году поступил в Академию художеств, где занимался в классе известного педагога Павла Чистякова. В Академии Врубель работал много и серьезно. "Ты представить себе не можешь, - пишет он сестре в 1883 году, - до чего я погружен всем своим существом в искусство: никакая посторонняя искусству мысль или желание не укладываются, не прививаются. Я до того был занят работою, что чуть не вошел в Академии в пословицу. Если не работал, то думал о работе". Собственные произведения П.П. Чистякова немногочисленны и малоизвестны. Но как педагог он сыграл огромную роль. Став учеником Чистякова, Врубель так натренировал свой глаз, что различал "грани" не только в строении человеческого тела или головы, но и там, где она почти неуловима, например, в скомканной ткани, цветочном лепестке. Можно видеть, как он это сделал, на примере "Натурщицы в обстановке Ренессанса" (1883)
которая свидетельствует об умении художника передать разнообразие материальных форм и богатство оттенков цвета. Уже в Академии Врубеля начинают интересовать темы общечеловеческие, философские, его влекут личности сильные, мятежные, часто - трагические. Не случайно первая картина Врубеля связана с трагедией Шекспира:
это "Гамлет и Офелия"
(1884, ГРМ). Чистяков разглядел необыкновенную одаренность ученика и выделял его среди других. Поэтому, когда к Чистякову обратился его старый друг профессор А.В. Прахов с просьбой рекомендовать кого-либо из способных студентов для реставрации древних фресок в храме Кирилловского монастыря (XII в) под Киевом, Чистяков без колебаний представил ему Врубеля со словами: "Лучшего, более талантливого для выполнения твоего заказа я никого не могу рекомендовать". Весной 1884 года, не успев окончить Академию, Врубель отправился в Киев, где началась его самостоятельная художественная жизнь.
С 1884 года в течение шести лет М.Врубель жил в Киеве, где работал над эскизами росписей Кирилловской церкви; изучал византийскую иконопись, выполнил самостоятельно ряд монументальных композиций. Но летом 1884 года художник остался в чужом городе без всяких средств. Пришлось даже пойти в гувернеры. Рассказывают, что однажды летним днем 1884 года, зайдя в киевский ресторанчик, Врубель не смог расплатиться за обед, заявив официанту: "Денег у меня нет, а вот извольте предложить хозяину эту акварель". Хозяин, даже не взглянув на рисунок, поднял скандал. На шум вышла его дочь, взяла в руки "странную" картинку. - Ничего нельзя понять, - пожала плечами она. - Но... красиво. Вы художник? Ладно, идите. Тот обед 28-летнего Врубеля стоил всего два рубля. Но с какой радостью ему вернули акварель, когда он принес долг. Между тем, то был этюд к "Восточной сказке", которая вот уже сто лет украшает Русский музей.
В ноябре 1884 года Врубель на время оставляет работы для поездки в Венецию, где он пробыл до мая 1885 года. Там он изучал творчество мастеров XV в, написал четыре иконы для иконостаса Кирилловской церкви ("Св. Афанасий", "Богоматерь с младенцем",
"Сошествие Св. Духа" и др.).
Лучшее из этих произведений - икона "Богоматерь" (1885, Гос. музей русского искусств, Киев) - нежный и вместе с тем печальный образ матери, предчувствующей трагическую участь сына. Прообразом для лика Богоматери послужило лицо Эмилии Львовны Праховой - жены профессора А.В. Прахова, в которую Врубель был тайно влюблен.
Вернувшись в Киев, Врубель метался. Он словно не находил себе места - то принимал решение уехать из Киева (и действительно на несколько месяцев уезжал в Одессу), то возвращался опять. Он бурно увлекался какой-то заезжей танцовщицей, много пил, жил неустроенно, лихорадочно, а к тому же и жестоко бедствовал, отношения же с Праховым стали более холодными и далекими. Нет прямых свидетельств душевного состояния художника в то время, но очевидно, что он переживал не только денежный кризис.
В конце концов, он продолжает реставрационные работы, а в 1887 году ему поручается исполнение фресок и для Владимирского собора по эскизам, сделанным им частью еще ранее. В том же году стал заниматься скульптурой и создал и в этой области замечательные произведения. В Киеве Врубель создает картины "Восточная сказка"
а также первые варианты "Демона".
Врубель написал на стенах Кирилловской церкви несколько фигур ангелов, голову Христа, голову Моисея и две самостоятельные композиции -
"Сошествие святого духа"
и "Оплакивание".
Всего им выполнены работы по обновлению 150 фрагментов древних фресок и созданы четыре новые композиции на месте утраченных. В своих работах он попытался модернизировать византийскую эстетику, внеся в них элементы современного мироощущения, что было трудно назвать традиционно религиозным. По словам Нестерова, Врубель "витал в своих видениях, грезах, а эти грезы, посещая его, не оставались его гостями долго, уступая свое место новым мечтам, новым образам, невиданным, нежданным, негаданным, прекрасным видениям жизни и фантазии чудесного художника "нездешних стран". Как бы то ни было, его иконописные "дерзания" вызвали недоумение. Врубель вложил в свои эскизы такую философскую глубину, что был обвинен в нарушении канонов церкви и в 1889 году отстранен от работ. Лишь после его смерти церковь признала, что врубелевские эскизы соборных росписей так же ценны, как и библейские этюды Александра Иванова. В те же дни, изгнанный из Владимирского собора, вчитываясь в строки Лермонтова, Врубель ощущает в себе "дух изгнания". И он везет в Москву, навстречу судьбе, образ "Демона", который станет символом его жизни.
Переселение было внезапным, почти случайным. Осенью 1889 года Врубель поехал в Казань навестить заболевшего отца и на обратном пути остановился в Москве - всего на несколько дней. Но Москва его затянула и навсегда оторвала от Киева. Непонятый в провинции - в Одессе, Киеве, Полтаве - Михаил Врубель надеялся, что в Москве будет по-другому. Так и было поначалу. Блестяще образованный, всегда со вкусом одетый, Врубель был принят везде. Через посредство В.Серова Врубель знакомится с известным меценатом Саввой Ивановичем Мамонтовым. В 1890 году, через год после приезда Врубеля в Москву, будет написан "Демон Сидящий".
И только один человек сразу поймет, откуда взялся этот образ. Художник Константин Коровин встретил Михаила Врубеля еще в его украинский период, в усадьбе под Полтавой, где тот жил летом в гувернерах. И был очарован его породистым лицом, тонкими крепкими руками, тем, как он держится, как ест, как легко и ловко ездит верхом... А затем, во время купания, заметив большие белые шрамы на груди Врубеля, в ответ на свой вопрос, услыхал: "Я любил женщину и сильно страдал. И когда резал себя ножом, страдания уменьшались". Позже он понял главное страдание этого человека. "Я художник, - сказал Врубель, - но я никому не нужен. Никто не понимает, что я делаю, но... Я так хочу!"
Центральным произведением, квинтэссенцией его творчества, стала трилогия "Демон" - сидящий, летящий и поверженный.
В знаменитой картине "Демон сидящий" (1890, ГТГ) Врубель пишет "молодую, уныло-задумчивую фигуру" среди фантастического лилово-терракотового ландшафта, кристаллических, драгоценных цветов. Лиловое небо в картине написано тем загадочным цветом, который был так любим в "эпоху угасания", как называли конец XIX века. Могучее прекрасное тело словно не умещается в раме, заломлены руки, трогательно прекрасно лицо, в глазах нечеловеческая скорбь. "Демон" Врубеля - соединение противоречий: красота, величие, сила и в то же время скованность, беспомощность, тоска; его окружает прекрасный, но окаменевший, холодный мир.
В Москве в 1891 году Врубель сблизился с кружком художников и музыкантов, собравшихся вокруг Саввы Мамонтова, прежде всего с В.А. Серовым, К.А. Коровиным, В.Д. Поленовым. Врубель жил в доме Мамонтова и работал как скульптор, дизайнер, монументалист, театральный декоратор, создав огромное число произведений. Савва Мамонтов отдал в полное распоряжение Врубеля одну из лучших своих мастерских. А уже через неделю, потрясенный, сообщил Коровину: "Вы видели, что он пишет? Я ничего подобного не видел никогда. Жуть берет!" Художник создает в своих работах некий фантастический мир, наполненный ирреальными существами. В 1890 году он показал своего "Демона сидящего", задуманного еще в Киеве. Эта картина стала символом наступающей эпохи - эпохи символизма и религиозного реформаторства. Мамонтов был в ужасе. Валентин Серов (ставший с годами другом Врубеля и добившийся места для его картин в Третьяковке), заглянувший в мастерскую Врубеля, откровенно признался: "Я этого не понимаю". Наконец, сам Третьяков, поспешивший к живописцу, о котором говорили во всех салонах, увидев его работы, только развел руками. Всех поразил и... оттолкнул мистический колорит его вещей: "Воскресение", "Надгробный плач", "Ангел с кадилом и свечой..." А ужаснул невиданный дотоле образ "Демона", грозного ангела с израненной человеческой душой, сидящего посреди чуждого ему мира, страдающего от людского несовершенства. "То был сам Врубель, вызывавший огромную зависть своим гениальным талантом, - вспоминал К.Коровин. - Я не знаю другого художника, который при жизни был бы так злобно гоним". "Демон сидящий" был представлен московской художественной элите в январе 1891 года и встречен холодным молчанием. На что Врубель заявил: Ваше отрицание дает мне веру в себя!
В 1891 году Врубелю предложили сделать иллюстрации к собранию сочинений Лермонтова, издаваемому под редакцией Кончаловского фирмой Кушнерева. Таким образом, он мог вернуться к образу Демона. В течение многих лет Врубеля влекло к нему: Демон был для него не однозначной аллегорией, а целым миром сложных переживаний. Закончив картину "Демон сидящий", он принялся за иллюстрации к Лермонтову. Вообще Лермонтовский цикл, в особенности иллюстрации к "Демону", можно считать вершиной мастерства Врубеля-графика. С тех пор "Демона" уже никто не пытался иллюстрировать: слишком он сросся в нашем представлении с Демоном Врубеля - другого мы, пожалуй, не приняли бы. Помимо "Демона", Врубель выполнил несколько иллюстраций к "Герою нашего времени",
Он увидел и услышал ее в Петербурге, на сцене Панаевского театра, где давала спектакли организованная Мамонтовым Московская частная опера. Нельзя говорить о Забеле просто как о "жене Врубеля", так же как странно читать, что Врубеля в театральных кругах называли просто "мужем артистки Забелы". И муж и жена были каждый в своей области большими художниками, и их брак означал содружество людей искусства, друг друга понимавших и вдохновлявших. Врубель был очень музыкален и принимал самое близкое участие в творчестве Забелы, к его советам она всегда прислушивалась. Все ее костюмы и грим он придумывал сам - став его женой, Забела ни разу не пользовалась услугами другого театрального художника. Она, правда, не могла принимать столь же прямого участия в работе Врубеля над картинами, но ее пение, ее артистическая индивидуальность значили для него очень много, так что, в конечном счете, она помогала ему даже больше, чем он ей. В ней Врубель нашёл тот образ, который давно ему мечтался и ускользал от него. Забела стала его музой: ее портрет
-фантазия, написанный в год женитьбы, так и назван - "Муза".
Следующее пятилетие (1896-1901) стало для Врубеля самым плодотворным в творческом плане и благополучным - в плане житейском.
В 1897 году Врубель пишет для Морозова панно "Утро",
"Полдень"
И "Вечер",создает картины на темы русских сказок, свои лучшие живописные вещи ("Пан",
"Сирень",
портреты С.И. Мамонтова,
Н.И. Забелы
и др. Он занимается почти всем: живописью, графикой, скульптурой, монументальными композициями, театральными декорациями, оформлением интерьеров, становится той многогранной фигурой, без которой немыслима русская культура рубежа веков. Причем "все, что ни сделал Врубель, было классически хорошо", - писал художник А.Головин. В эти годы Врубель создал почти все свои знаменитые картины. Он сблизился с "мирискусниками" (хотя А.Бенуа всегда критически относился к его живописным новациям), много выставлялся - на выставках "Мира искусства", венского Сецессиона и пр. Главным организатором "Мира искусства" был энергичный, инициативный С. Дягилев, душой и теоретиком - Александр Бенуа; ядро "Мира искусства" составляли художники К.Сомов, М.Добужинский, Е.Лансере, Л.Бакст, а позже В.Серов. На выставках "Мира искусства" принимали участие Левитан, Коровин, Нестеров, Рябушкин и многие другие, в том числе члены Товарищества передвижных выставок. И впервые стал выставляться Врубель. До тех пор его работы приобретались частными лицами, а в выставочных залах не появлялись. "Выставка русских и финляндских художников", организованная в 1898 году в Петербурге С.Дягилевым, была фактически первой, где некоторые вещи Врубеля предстали на всеобщее обозрение. Журнал "Мир искусства" стал помещать репродукции его произведений. Потом они стали появляться и на московских выставках.
На рубеже веков в его судьбе как бы запахло грозой. В 1899 году Врубель потерял отца, которого преданно любил. В его поведении знакомые стали замечать странности: он вырастал в собственном мнении, ни в грош ни ставя своих бывших приятелей и соратников. В том же году Врубель пишет "Демона летящего" (1899, ГРМ). Образ пронизан предчувствием гибели, обреченности. Это последний, отчаянный полет над горами. Демон почти задевает вершины своим телом. Колорит картины мрачен. Ценителей искусства Врубеля к началу ХХ века было мало, а поношений - много. Одним из самых тяжелых стал отзыв влиятельнейшего русского критика В.В. Стасова. Тот раздраженно обзывал его картины нелепым декадентским хламом, говоря: "В своих "Демонах" Врубель дает ужасающие образцы непозволительного и отталкивающего декадентства". В такой атмосфере в 1900 году Врубель начал работу над давно замышлявшимся "монументальным Демоном" - самым патетическим своим творением. В сентябре 1901 года у Врубеля родился сын, в честь Мамонтова его называют Саввой. Ребенок появился на свет с врожденным дефектом - "заячьей губой", - что произвело на художника тягостное впечатление. Примерно в это же время, после целой серии графических, скульптурных работ, посвященных Демону, художник начинает еще одно живописное полотно, страшное в своей обреченности, которому придает особое значение. Он называет его "Демон поверженный". Художник работал запоем, по 17 часов в день, иногда ночи напролет, работал напряженно и мучительно. А.Бенуа вспоминал, что картина была уже на выставке "Мира искусства", а Врубель все еще продолжал переписывать лицо Демона, менял колорит. Разбитое, деформированное тело Демона с изломанными крыльями распростерто в ущелье, гневом горят глаза. Мир погружается в сумрак, последний луч вспыхивает на венце Демона, на вершинах гор. Мятежный дух низвергнут, но не сломлен.
"Демон поверженный" был скорбной вехой в биографии Врубеля. Картина ещё висела на выставке, когда ее автора пришлось поместить в одну из московских психиатрических лечебниц. В марте 1902 года В.Бехтерев обнаружил у него неизлечимую болезнь (сухотка спинного мозга), которая грозила сумасшествием. Прогнозы великого психиатра очень скоро сбылись. В течение полугода его состояние было настолько тяжёлым, что к нему никого не допускали, даже сестру и жену. Потом он начал поправляться, писать вполне здравые письма близким, пытался рисовать, но это давалось ему с трудом - после эйфорического подъёма, которым сопровождалась работа над "Демоном", наступила долгая депрессия, состояние художника все время было угнетенным, себя он считал теперь ни на что не годным. Так он был настроен и тогда, когда вышел из лечебницы (в феврале 1903 года) и поехал на отдых в Крым. Ничто его не интересовало, Крым не нравился, работать он почти не мог. В мае 1903 года Врубели доехали до Киева и остановились в гостинице. Неожиданно заболел ребёнок - маленький Саввочка, только начинавший говорить. Через два дня его не стало.
Вскоре у художника снова начались приступы болезни. После смерти сына Врубель превратился в почти постоянного обитателя психиатрических клиник. Его отвезли сначала в Ригу, потом перевели в клинику Сербского в Москву. Он был грустен, слаб, беспомощен и физически совершенно истощен, так как ничего не ел, желая уморить себя голодом. К началу 1904 года он почти умирал. Те, кто видел историю его болезни, свидетельствуют: все было очень страшно. Какое-то время Михаил Александрович страдал бредом, слуховыми галлюцинациями. Неведомый голос нашептывал ему в ухо, что он - ничтожество, не художник, горе своих близких. Он считал себя преступником, достойным наказания за то, что писал и Христа, и Демона. Художник впадал то в манию величия, то в полное самоуничижение. Но кризис прошел, его поместили в частную лечебницу доктора Ф.А. Усольцева в окрестностях Москвы. Там произошло его последнее возвращение к жизни. Он стал есть и спать, прояснились мысли, стал много, с прежней увлеченностью рисовать - и через несколько месяцев вышел из лечебницы здоровым человеком.
Самыми замечательными среди рисунков, сделанных в больнице, являются несколько портретов - доктора Усольцева и членов его семьи. Карандашный портрет Усольцева по красоте и твердости техники и по выразительности психологической стоит на уровне лучших работ Врубеля.
В 1904 году он едет в Петербург, поближе к жене, работавшей в Мариинском театре. Начинается последний период творчества. Помрачение рассудка еще сменялось периодами ясности, он работал. Новый герой вытеснил прежнего Демона: в 1904 году Врубель пишет "Шестикрылого Серафима",
по замыслу связанного со стихотворением Пушкина "Пророк". Могучий ангел в сверкающем радужном оперении в известной мере продолжает тему Демона, но этот образ отличается цельностью, гармоничностью. Он то карающий, готовый наказать пророка за бесцельно растраченный дар, то словно способный дать исцеление. Под кистью Врубеля еще появятся несколько прекрасных вещей, но все они будут написаны как бы на пути в мир иной. И портрет маленького сына,
и кладбищенские сцены из "Ромео и Джульетты",
и "Шестикрылый Серафим" явились Врубелю уже теряющему разум.
В 1905 году Врубеля избрали академиком живописи. Это было последнее воспринятое его рассудком событие. Весной 1905 года Врубель снова ощутил симптомы приближения недуга. Теперь, собираясь опять вернуться в клинику, он, как вспоминала его сестра, "прощается с тем, что ему особенно близко и дорого". Он пригласил к себе перед отъездом друзей юности, а также своего старого учителя Чистякова; посетил выставку "Нового общества художников", которому симпатизировал; отправился в сопровождении жены и вызванного из Москвы Усольцева в Панаевский театр, где впервые увидел Забелу. Круг жизни замыкался. На следующее утро Усольцев увез Врубеля в Москву, в свой "санаторий". Там Врубель начал писать портрет В.Брюсова (1906, ГРМ), но болезнь неотвратимо обострялась, в 1906 году художник ослеп, портрет остался незавершенным. Трагически переживает Врубель страшный удар, в тяжелой больничной обстановке мечтает о синеве неба, о красках весны. Единственным утешением оставалась музыка.
Он умер в Петербурге 1 (14) апреля 1910 года в больнице для душевнобольных доктора Бари, умер от воспаления легких. Или это было самоубийство? Известно, что простудился он умышленно, подолгу стоя в морозные дни под открытой форточкой. Последними его словами были: "Хватит лежать, собирайся, Николай, поедем в Академию..."
Хоронили Врубеля на Новодевичьем кладбище. Вдохновенную речь на похоронах произнес А.Блок, назвав художника "вестником иных миров". А. Блок над могилой Врубеля сказал: "Он оставил нам своих Демонов, как заклинателей против лилового зла, против ночи. Перед тем, что Врубель и ему подобные приоткрывают человечеству раз в столетие, я умею лишь трепетать. Тех миров, которые видели они, мы не видим". В 1913 году рядом похоронили его жену, Н.И. Забелу-Врубель. В 1935-1936 годах предполагался перенос могилы Врубеля в музейный некрополь Александро-Невской лавры, однако этот план не был осуществлен. М.А. Врубель отличался редкой многогранностью дарования.
Он известен как мастер монументальных росписей, картин, театральных декораций, как график, скульптор и даже архитектор. В какой бы области ни работал художник, он создавал первоклассные произведения. "Врубель, - пишет Головин, - идеально выражал свою мысль. Есть какая-то безошибочность во всем, что он сделал". "Что за бедствие вся жизнь этого многострадальца, - вспоминал И.Е. Репин, - и какие есть перлы его гениального таланта". Жизнь и творчество Михаила Врубеля стали легендой еще при жизни. Необычная фантастика его произведений, пронизанных то щемящей грустью, то мрачным величием, то редким трагизмом, давала повод к рождению множества слухов и домыслов, какими невольно обрастает жизнь всякого выдающегося человека. Ведь миры, рожденные творческой фантазией художника, стали откровением эпохи, значение духовного наследия которой выходит далеко за ее временные рамки.
Большая подборка картин М.А. Врубеля .
Меня сильно поразила картина "Пан". Прежде чем написать свои ощущения, я познакомилась с жизнью автора, и историей персонажа.
Как художник Врубель сформировался стремительно. В искусство он пришел уже взрослым, образованным человеком. Михаил Врубель не имел ни учеников, ни последователей, составивших школу. еще при жизни снискал себе успех, но к этому времени художник был уже безнадежно болен, и почести не были ему нужны. За ним на долгое время укрепилось представление как о человеке странном и неуравновешенном. Врубелю важно было жить творчеством, а не творить искусство. Он удивлял своих друзей нелепыми — с их точки зрения — выходками: мог в состоянии неуравновешенности записать прекрасную картину, над которой долго и упорно работал до этого, ничего не значащим изображением цирковой наездницы; в порыве гнева он разрывал прекрасные акварельные листы, выбрасывал великолепные наброски. Он ценил не столько результат, сколько сам творческий труд, процесс, момент художественного озарения. Широко образованный, знавший несколько европейских языков, всегда аккуратно и даже щегольски одетый, вежливый и тактичный, хотя иногда и способный взглянуть на собеседника свысока, Врубель при этом почти всю жизнь бедствовал, иногда оставаясь с пятью копейками в кармане или с трудом перебиваясь малым вознаграждением, получаемым за уроки рисования. Он болезненно ощущал несправедливость, но специально не искал успеха, его не интересовали художнические дела, он даже не ходил на выставки. Но при этом уязвленное самолюбие заставляло его подчас бросать обидные слова в лицо своим друзьям-художникам, которые прощали своего друга, истолковывая его слова как причуды больного гения. Из жизни своей Врубель сам творил легенду. Это черта, исконно присущая романтической личности. Он жаждал свершений, сильных впечатлений, больших событий. Внутренняя жизнь, полная конфликтов, потрясений, словно сотрясала его внешнюю жизнь. Круги, расходившиеся от его внутреннего напряжения, достигали не только всех обыденных обстоятельств бытия, но проникали в плоть каждого произведения. Рукой художника как бы водила его внутренняя боль, его душевная борьба. Движение руки становилось прямым выражением душевного движения.
В самом характере искусства Врубеля, в системе его художественного мышления можно найти многочисленные проявления романтической концепции художественного творчества. Врубель был едва ли не первым среди деятелей русской художественной культуры, кто начал движение к символизму. В конце XIX в. художественная культура России переживала период формирования нового стиля (в России он получил название «модерн»). Язык живописи в этом стиле приобрел ярко выраженные черты декоративности‚ твердую линейно-структурную основу и кроме этого подчинил свои открытия не только изображению, но и преображению натуры. В России Врубеля можно считать родоначальником этого стиля.
Вместе с Врубелем в русском искусстве утверждался новый тип художника — художника-универсала. Врубель писал картины и большие панно, расписывал стены храма и делал витражи, создавал иллюстрации и книжные знаки, занимался театральной декорацией и прикладным искусством, скульптурой и архитектурой, даже делал в Талашкине (имении княгини Тенишевой) эскизы гребешков и росписи на балалайках.
Голова демона (раскрашенный гипс) (1890)
Голва ливийского льва (горельеф маска) (1892)
Садко (эскиз блюда, майолика) (1899)
Михаил Александрович Врубель (1856-1910 гг.) родился в семье военного и провел свое детство в разных городах — в Омске, Астрахани, Петербурге, Саратове, Одессе. Окончив сначала классическую гимназию, 5 лет он проучился на юридическом факультете Петербургского университета и лишь потом — в 1880 г. — поступил в Академию художеств. В доакадемические годы в нем уже пробудился интерес к искусству, выявившись в некоторых рисунках, свидетельствующих о необычности его таланта. В Академии счастье улыбнулось Врубелю — он попал в поле зрения П.П.Чистякова, воспитавшего чуть ли не всех лучших живописцев последней трети XIX в. Между тем Врубелю не удалось окончить Академию. Он был призван А.В.Праховым, историком искусств и археологом, руководившим в то время росписью Владимирского собора‚ к деятельности в Киеве в качестве художника-монументалиста.
Пять лет (1884-1889 гг.) Врубель провел в Киеве, изредка выезжая оттуда, в частности в Италию. В Киеве Врубель ярко проявляет себя в монументальной и станковой живописи и в графике. Уже тогда складывается его образная и живописная система, уже тогда он открывает в себе тягу к символическим категориям, а в искусстве своем заковывает принцип нового стиля.
В академические годы творчество художника естественно разделилось на две линии — одна вела к академическим традиционным образам (например, «Пирующие римляне»), а другая стимулировала самостоятельное творчество: он рисовал акварелью портреты знакомых, писал акварельную композицию в собственной мастерской (он делил ее со своими друзьями Серовым и Дервизом). Затем начал писать картину, которую не закончил («Гамлет и Офелия») и к сюжету которой вернулся через пять лет.
Автопортрет (1882)
Пирующие римляне (1883)
Гамлет и Офелия (1884)
Больших успехов эти опыты не принесли. Зато в те годы вырабатывалась художническая позиция Врубеля. Вместе с друзьями он испытал сначала влияние Репина, пользовался его советами. Но его творческий темперамент не позволил ему остаться в рамках творческих установок, характерных для старших передвижников. В серьезной, вдумчивой работе акварелью над портретами и композициями Врубель искал то, что называл «любовной беседой с натурой». Эта позиция раскрыла перед художником новый путь.
Реальные плоды этот новый путь начал давать во время работы в Кирилловской церкви в Киеве, где Врубелю надлежало подновить старые фреоновые росписи XII в. и местами создать новые композиции; художник один на один встретился с огромными поверхностями стен и потолков. Он воспроизвел главную сцену своей росписи «Сошествие Святого Духа» на своде хор без картонов, по маленькому эскизу, действуя как старый мастер, неведомо откуда обретая уверенность и силу ренессансного художника. Врубеля волновал в то время византийский стиль; он видел его главную черту в соблюдении плоскости, на которой нанесено изображение, поэтому придавал особое значение рисунку, ритму складок, общей орнаментации поверхности. Он стремился проникнуть в существо старого стиля, но вместе с тем осовременивал своих героев. Лучше всего художник сумел интерпретировать средневековое наследие в сцене «Надгробный плач», где главным образным средством стали мягкие ритмы и плавные линии.
Богоматерь с младенцем. Кирилловская церковь. Киев (1885)
Сошествие Святого Духа
Вслед за первым монументальным опытом должен был последовать второй. В Киеве заканчивалось строительство большого Владимирского собора, который должен был быть расписан. Для этих росписей приглашаются уже опытные мастера — Виктор Васнецов и художники академического направления братья Сведомские и Нотарбинский. Врубель по предложению Прахова тоже начал работать над эскизами. Но они получились такими необычными, что испугали заказчиков. Единственное, что из эскизов Врубеля было осуществлено, это проекты его орнаментов, составленные из элементов органического мира цветов, листьев, птиц, женских ликов. Врубелевские орнаменты чрезвычайно типичны для стиля модерн — гнутые линии, переплетающиеся стебли растений, рассыпанные блестки павлиньих перьев.
Воскресение. Эскиз росписи Владимирского собора. Киев
Сам Врубель с большим вниманием относился к своим орнаментам, но гораздо большие надежды он возлагал на сюжетные композиции. Более всего он работал над двумя сюжетами — «Надгробный плач» и «Воскресение» (1887). Эскиз «Надгробный плач», выполненном черной акварелью, фиксирующий замершее, остановившееся движение Богоматери над телом Христа, очищенный от деталей, конкретных примет пространства и времени, этот эскиз воплощает вечную тему смерти. Трагическое чувство освобождается от перенапряжения. Фигуры словно парят в безвоздушном пространстве. Их бесплотность подчеркнута холодным светом, преображающим сцену.
Надгробный плач
Надгробный плач (вариант)
Интерес к мистическому свету, преображающему реальность, проявился во всем творчестве Врубеля 80-х гг. В Киеве складывается вся художественная система Врубеля. В графических автопортретах того времени, в рисунках, запечатлевающих обыденные сцены реальной жизни, свет действует как средство драматизации художественного образа. Иногда, как кажется, он имеет реальный источник, иногда, льется неведомо откуда, произвольно выхватывая предметы или части фигур.
Портрет старушки Кнорре за вязанием (1883)
Натюрморт. Ткани (1884)
Сальери всыпает яд в бокал Моцарта (1884)
Тогда же у Врубеля складываются и другие средства преображения реальности. Он тяготеет к орнаментальной структуре своих произведений, что проявляется как в живописи, так и в графике. Одной из первых полноценных и завершенных живописных работ Врубеля стала «Девочка на фоне персидского ковра» (1886). Ради красоты орнаментального начала Врубель прибегает к постановочности сцены. Моделью художника была выбрана дочь владельца антикварной лавки. Врубеля привлекла пестрота ковра, яркость платья, сама обстановка антикварной лавки с ее магической притягательностью старинных вещей.
Девочка на фоне персидского ковра (1886)
По-своему складывается орнаментализм в графике. Врубель сразу же начал рисовать своеобразно. В его задачу входило не только изображение предмета или фигуры, но и организация плоскости листа, сведение этих элементов в определенную структуру. Главным достижением этой структуры становилось ритмическое повторение определенных графических элементов — параллельных штрихов, заштрихованных плоскостей, запятых. Орнамент при этом не вступал в противоречие с предметным изображением.
В 80-е гг. Врубелю не так часто приходилось работать над картинами, выполненными масляными красками, то есть в той технике, в которой ему предстояло создать в будущем большинство своих шедевров. Но уже, тогда у него зародились замыслы будущих программных живописных произведений, уже тогда эти замыслы формировались мучительно и сложно. Он работает над образом Христа, многие годы вынашивает образ Демона, берется за картину о нем, пишет и неоднократно ее переделывает. Наконец, в конце десятилетия возвращается к «Гамлету и Офелии», делая при этом Гамлета родным братом своего пока еще не состоявшегося Демона. С такими мыслями он входит в самое значительное десятилетие своего творчества — в 90-е гг.
Гамлет и Офелия (1888)
С 1889 по 1902 гг. врубелевское творчество переживает высший расцвет, пору своей зрелости. Именно это время было отпущено судьбой для того, чтобы развернулся полностью талант художника. В 1902 г. пришла болезнь, и Врубель от активного творчества должен был отойти, хотя некоторые его графические работы достигали высокого совершенства. Именно в 90-е гг. проявился универсализм художника. Тогда же реализовалась тема Демона, почти всю жизнь сопровождавшая Врубеля.
Первый «Демон» был закончен в 1890 г. Он стал центральным произведением художника, собрав в себе все то, что уже было сделано прежде, и наметив пути вперед. Врубель позиционирует своего героя как выразителя демонического начала и вместе с тем подчеркивает сложность своего Демона -дух, соединяющий в себе мужской и женский облик. Врубелевский демонизм - это демонизм в смягченной форме, вне крайностей индивидуализма, с оттенком того всеобщего страдания за людей, которое красной нитью проходит через всю русскую культуру XIX в. В этой картине Врубель выступает как символист. Содержание его символа невозможно определить с исчерпывающей точностью. Он чрезвычайно сложен и многогранен. Его нельзя свести к каким-то определенным категориям — томлению или жажде красоты, к тоске или отверженности. Образ не может быть исчерпан, он остается открытым. «Демон» дает зрителю возможность теряться в догадках, расширяя в своем представлении содержание образа до беспредельности.
Демон сидящий (1890)
Это исчезновение конкретной единичности идеи, привязанности к определенному жизненному факту определяет установку художника на условный образ и художественный язык. Врубель отказывается от непосредственного восприятия натуры, от фиксации движения окружающего мира — он ищет нечто постоянное, не подверженное мгновенному изменению. Демон замер в позе ожидания и созерцания. Это состояние неподвижности может продлиться долго. Оно как бы входит в замысел художника, избавляет его от описания конкретных условий пространства и времени. Врубель не изображает, а создает, строит, конструирует. Он помещает фигуру в пространстве таким образом, что в картине создается равновесие между фигурой и окружением, между передним планом и глубиной. Мощный, словно вырубленный из твердого материала торс Демона располагается посередине. Он отделяет друг от друга равные части — огромные неземные цветы, занимающие справа всю плоскость картины, и небесное пространство, открывающееся слева — для Врубеля все части мира однородны. Художник работает широким мазком, часто он предпочитает мастихин кисти: мазок превращается в цветовую плоскость, цветовые пятна, ложащиеся на поверхность, уподобляются мозаичным камням. Общий красочный строй соответствует не реальному состоянию природы, а состоянию человеческой души: серые, лиловые, синие выражают меланхолию, душевное томление.
Голова демона
Голова демона на фоне гор
Демон и ангел с душой Тамары
Демон летящий
Демон летящий
Демон смотрящий
Демон у ворот монастыря
Демон у стен монастыря
Демон, смотрящий в долину
Демон, смотрящий на танец Тамары
Свидание Тамары и Демона
Тамара в гробу
Тамара и демон
Вслед за первым живописным «Демоном» в 1891-1892 гг. появилась серия рисунков к произведениям Лермонтова, и в частности к поэме «Демон». Лучшими рисунками к поэме оказались листы «Несется конь быстрее лани» и один из вариантов «Тамара в гробу». В последнем собралась вся нежность художника к человеческому существу, его сострадание. В первом рисунке, выполненном акварелью, всеми средствами подчеркнут стремительный бег коня с мертвым всадником в седле. Бегущие друг за другом: пятна акварели, граненые формы фигур, разрезающих воздух, вихрь мазков, — таков язык Врубеля в этом рисунке.
Иллюстрация «Князь Гвидон и Царевна-Лебедь» (1890-е)
Иллюстрация «Григорий Печорин на диване» (Роман М.Ю.Лермонтова «Герой нашего времени»)
Иллюстрация к поэме М.Ю.Лермонтова «Измаил-Бей»
Иллюстрация «Дуэль Печорина с Грушницким» (Роман М.Ю.Лермонтова «Герой нашего времени»)
Иллюстрация к стихотворению М.Ю.Лермонтова «Журналист, читатель и писатель»
Иллюстрация к стихотворению М.Ю.Лермонтова «Русалка» (» Русалка плыла по реке голубой, озаряема полной луной…»)
«Демон поверженный» (1902) — последнее законченное полотно Врубеля — завершает его «демониану». Герой художника гибнет — не в бессмысленной и холодной борьбе с жизнью и смертью, а в борьбе неравной. Это не борьба добра и зла. Это борьба с судьбой, угнетающей личность, в конце концов убивающей ее. Герой сопротивляется до конца. Образ его смерти — и реквием, и своеобразный гимн сопротивлению. В этом гимне что-то торжественное, возвышающее. Сам Врубель называл свою картину иконой. В «Демоне поверженном» вполне определенно выявлен тот принцип стиля модерн, который можно охарактеризовать как орнаментальность. Взор зрителя движется по поверхности картины (а не в глубину), постигая ритм повторяющихся линий и пятен, что типично для целого ряда картин и панно художника: для «Венеции» (1893), в которой мотив великолепного шествия дает повод для сопоставления на плоскости голов, фигур, роскошных одеяний, для «Богатыря» (1898), где растительные формы, фигуры богатыря и коня сплетаются в клубящемся ритме, для панно, посвященных Фаусту (1896), где ритмы организованы остроугольными формами, колючими и иглообразными, для ряда графических произведений. В «Демоне поверженном» соединяется реальное и фантастическое, реальность преодолевается деформацией фигуры. Поверженный герой изогнут, поломан; его тело утопает в фантастических перьях, напоминающих скорее бутафорию, чем живое проявление природы. Рядом с этим условным миром разломанной красоты в картине присутствуют совершенно реальные детали пейзажа — горные вершины писались художником по фотографии.
Демон поверженный (1902)
Демон летящий (1899)
Венеция (Декоративное панно) (1893)
Богатырь (Декоративное панно) (1898)
Полет Фауста и Мефистофеля (1896)
Гадалка (1895)
В иных случаях натурное начало преобладает, тогда фантастическое художник выискивает в самом объекте - например в пророчице, разгадывающей будущее людей («Гадалка» (1895). Но образный строй все равно остается метафорическим. Как паутиной времени, покрыт этот холст серовато-лиловым флером, сквозь который, как драгоценные камни, пробиваются сияющие внутренним светом предметы.
Панно «Испания» (1894), казалось бы, приближает нас к бытовой ситуации. Но художник не растворяет образы в бытовизме. Напротив он напрягает их. Этому напряжению соответствует и композиционная логика картины, в которой живописная плоскость борется со стремительным движением в глубину, выраженным преувеличенным сокращением предметов первого плана.
Испания (1894)
Врубелевские произведения озарены чем-то необычайным — даже тогда, когда художник не выбирает своим предметом заведомо возвышенные мотивы и ситуации. Картина «К ночи» (1900) может служить в этом отношении прекрасным примером. Художник обращается к сцене ночного, которая в сельской является обыденностью. Из этой сцены он извлекает нечто таинственное, почти мистическое. Горят прекрасные цветы чертополоха. Они зажигают ночной пейзаж причудливыми отблесками. Настороженно и тревожно переступают с ноги на ногу кони, пасущиеся неподалеку. Врубель одушевляет природу, он наделяет волей цветы, сообщая им способность чувствовать, воздействовать на людей своей завораживающей магией.
К ночи (1900)
Цветы были излюбленным объектом художника: он пристально вглядывался в сложную конструкцию цветка, создавая свои карандашные этюды. Цветы часто фигурируют и в картинах мастера. Иногда это «цветы зла», иногда образы неподвластной человеку стихии. В картине «Сирень» (1900) зритель особенно остро ощущает стихию цветения, рост куста, запах, идущий от цветов, дурманящий и терпкий. Загадочная фигура девушки, слоimg style=div style=laquo;Демоне поверженномp style= border=вно сросшейся с кустом сирени, усиливает идею слияния одушевленного и неодушевленного, переплетения форм того и другого. Из этих переплетений рождаются у Врубеля персонажи, весьма типичные для европейского символизма и модерна, — полулюди-полуживотные, полулюди-полурастения: «Царевна-Лебедь» (1900), пришедшая на холст из оперы Римскогtext-align: center;div style= 0text-align: center;о-Корсакова, две молодые женщины, словно вырастающие из спирали «Жемчужина» (1904), «Богатырь» с его огромным конем, растущим из земли, как травы и кусты. Все здесь подвержено метаморфозам. Одна из центральных картин, в которых эта тенденция проявилась особенно последовательно — «Пан» (1899). Превращая античного пана в русского лешего, Врубель изображает его с цевницей в руке, как бы вырастающего из земли, торчащего, как замшелый пень. Глаза его светятся, как звезды, уравновешивая своим сиянием свет, льющийся от месяца, половина серпа которого уже зашла за горизонт.
Царевна-Лебедь (1900)
Жемчужина (1904)
Даже в портрете Врубель подвергает модель разного рода уподоблениям. Портрет жены Н.И.Забелы-Врубель (1898), казалось бы, целиком построен на передаче первого впечатления от натуры. Он написан легко, пленэрно. Но, создавая образ женщины, полный обаяния и красоты, живописец и здесь уподобляет ее фигуру и голову какому-то цветку, распускающему свои пышные лепестки навстречу солнечному свету.
Портрет артистки Н. И. Забелы-Врубель, жены художника, в летнем туалете Empire, исполненном по замыслу художника (1898)
Чаще всего, создавая портрет, Врубель подходил к модели с уже заранее сложившейся идеей, вкладывал в эту модель собственные черты. Это чувствуется в портретах 1897 г. — К.Д.Арцыбушева, С.И.Мамонтова. В характере последнего художник подчеркнул демонизм, мятущуюся страсть. Интересно живописно-пластическое решение, с помощью которого художник воплотил свои идеи. Он словно сжал пространством фигуру Мамонтова, пригвоздил ее к плоскости. Намеренно выделив белое пятно манишки, художник «поставил» его на острие треугольника, тем самым заставив шататься и придав композиции неустойчивый, динамический характер. Чередование света и тени еще более усилило эту динамику. Рядом с портретом Мамонтова можно поставить последнее произведение Врубеля - графическое изображение Валерия Брюсова (1906), нарисованное углем и сангиной. Созданный художником образ ярко выражает представление мастера о поэте как о пророке и носителе истины. В портрете достигнута необычайная конструктивность рисунка.
Портрет К.Д.Арцыбушева (1897)
Портрет Саввы Мамонтова (1897)
Портрет Т.С. Любатович в роли Кармен (1895)
Царевна Волхова (Н.И. Забела) (1897)
Дама в лиловом. Портрет Н.И. Забелы Врубель (1900-е)
С 1903 г. Врубель занимается только графикой: в больницах невозможно было писать красками, а краткие промежутки между лечениями также не способствовали этим занятиям. Поздние рисунки относятся к разным жанрам. Через окно лечебницы художник рисовал пейзажи. Больные, санитары позировали ему, и тогда возникали портреты-зарисовки. Иногда получались целые сцены — играющие в шахматы, беседующие. Часто художник изображал окружающие предметы, и тогда возникали натюрморты: графин, стакан, простыня, платок и т.д. Врубель видит простые предметы как некую одушевленную плоть вещей. При этом не прибегает ни к деформации предметного мира, метафора возникает сама собой. При взгляде на смятую простыню или висящее платье, формы которого прослежены с невероятной тщательностью, возникают ассоциации, смысл которых выходит далеко за пределы самого предмета. Чувствуется желание художника постичь сокровенную суть самых простых вещей, узнать их первородное естество.
Кровать (1903-1904)
Кампанулы (1904-1905)
В это же время в графике создаются и образы иного характера: Врубель обращается к теме пророка. Начинается это с попытки сделать иллюстрации к «Пророку» А.С.Пушкина еще в 90-х гг. Затем эта тема как бы отчленяется, приобретая самостоятельность. «Пророк» заменяет «Демона».
Одна из вершин творчества Врубеля — его поздние графические автопортреты, выполненные в 1904-1905 гг. Когда не было моделей, он рисовал себя. В этих рисунках была заключена целая программа. Автопортреты не лишены известной доли самолюбования. Но если внимательно приглядеться, можно заметить, что в каждом автопортрете содержится немой вопрос или упрек, недоумение перед лицом неразрешимых жизненных проблем, боль, скрытое отчаяние или мужественное смирение. Все эти чувства скрыты некоей формой отчуждения. Но стоит лишь проникнуть сквозь него в глубину, как перед глазами раскроется потрясающий документ трудной судьбы и трагического конца. В поздних рисунках Врубеля рядом с конструктивными элементами выступают некоторые признаки экспрессионизма.
Хождение по водам (Эскиз стенной живописи) (1891)
Венеция. Мост Вздохов (1894)
Принцесса Греза (Декоративное панно) (1896)
Шестикрылый серафим (1904)
Как истинный художник «нового стиля» Врубель постоянно стремился к воплощению красоты. Он возвышал повседневность — в обыденности привычного он не находил мотивов для своего творчества. Отсюда отрицание бытового жанра, к которому почти никогда не обращался художник, интерес к Демону и Пророку, Фаусту и Гамлету. Среди «моделей» художника мы находим прекрасные, извечно ценные предметы — ковры, раковины, великолепные платья, редкие цветы — азалии или компанулы. Культ красоты был своего рода религией для многих людей того поколения. Художник-творец упивался этой красотой, поднимаясь к вершинам творческого экстаза. И падения с этих вершин были сопряжены с отчаянием, тоской и меланхолией. Жизнь художника проходила между этими двумя крайностями. Красота нередко оказывалась эфемерной; падение отрезвляло, но от этой трезвости хотелось воспарить еще выше. В конце жизни Врубель упрекал себя за то, что где-то преступал нравственную границу. Но сам по себе этот укор был свидетелем истинной нравственности художника.
Врубель - фамилия польская, но к моменту рождения Михаила уже три поколения предков художника жили в России, выбрав военную стезю. Михаил рано остался без матери, семья переезжала с места на место, вслед за отцом, офицером казачьего войска.
Увлечение живописью проявилось рано. Отец всячески поощрял увлечение младшего сына. Водил его на занятия в художественные школы и студии. Когда пришла пора выбирать себе профессию, будущий мастер полностью покорился воле отца, который считал, что будущее сына должно быть связано с "пользой для общества". Врубель поступает в Петербургский университет на юридический факультет.
Университет был окончен, но юристом будущий художник не был ни одного дня. Он с большим трудом прошел все трудности годовой воинской повинности и вопреки желанию отца поступил в Академию художеств.
С художниками Врубель познакомился еще будучи студентом-правоведом. Всякий свободный час Михаил проводил в , изучая работы великих мастеров. В художественной "тусовке" он давно стал своим, успевая учиться не только в классах академии, но и в мастерских своих друзей.
Педагоги Врубеля отмечали его острое чувство формы, цвета, умение передать самую сложную фактуру. Его главный учитель Чистяков считал Михаила самым талантливым из своих учеников. Именно этот профессор рекомендовал молодого мастера для реставрации фресок в средневековом монастыре под Киевом.
Киевский период жизни Врубеля тесно связан с изучением канонов Византийской живописи. Художник работает с упоением, забывая обо всем на свете. Но скоро увлечение сменяется метаниями. Мастер то бросает работу и уезжает из Киева, то возвращается и принимается за реставрацию. Подобные метания не могли понравиться заказчику. К творческим метаниям добавляются финансовые проблемы.
В свои работы художник вносил свое понимание библейских сюжетов. Церковь отказалась от услуг Врубеля, и только после его смерти признала его правоту и философскую трактовку церковных росписей.
После киевского периода в жизни художника наступает период московский. Работы Врубеля не пользуются популярностью, заказчиков у него нет. Счастливая встреча с известным меценатом Саввой Морозовым позволяет художнику отчасти решить финансовые проблемы.
В этот период мастера занимает демоническая тема. Его серия "демонов" до сих пор считается самыми известными произведениями мастера, хрестоматийными для искусства модерна рубежа XIX и XX веков.
Несмотря на неоспоримую гениальность и новаторство работ, в них уже можно разглядеть признаки того недуга, который прервет творческую деятельность художника.
Покровительство Мамонтова позволяет Врубелю активно работать в своей манере, не считаясь со вкусами публики. Художник оформляет несколько оперных спектаклей, пробует свои силы в архитектуре, керамической пластике. Критика часто отзывалась о работах Врубеля резко и незаслуженно уничижительно.
XX век принес мастеру две большие трагедии: умирает его отец, а долгожданный сын рождается в серьезным дефектом - заячьей губой. К личным трагедиям добавляются жесточайшая творческая депрессия.
В 1902 году художника помещают в психиатрическую клинику. Состояние его постоянно ухудшается и родственники с друзьями готовятся к самому худшему. Однако, усилия профессора Бехтерева возымели успех. Спустя год Врубель уезжает на отдых в Крым. И хотя работать он практически не может, но появляется надежда на выздоровление. Надежда рухнула в один момент: Врубель теряет сына.
Небольшие периоды прояснения, сменялись безумием... Последнее событие, которое мастер сумел воспринять - избрание его академиком в 1905 году.
Последующие пять лет художник лишь существовал, являясь постоянным пациентом различных клиник.
Ему принадлежит целая эпоха в искусстве, поиски Врубеля сравнивают с методом Леонардо. Первый символист, его манера письма была самобытна и оказалась пророческой для новых направлений в живописи XX века.
Отец художника Александр Михайлович Врубель был военным юристом, в прошлом строевой офицер, участвовал в Крымской кампании и боевых действиях на Кавказе. Мать художника, Анна Григорьевна Басаргина, родственница известного декабриста, родила четырёх детей и умерла, когда Мише было четыре года. Из-за службы отца семья часто переезжала. А.М. Врубель жениться на Е.Х. Вессель. Отношения Врубеля младшего с мачехой сложились хорошо и благодаря её призванию (она была пианисткой) художник вырос на классической музыке.
В 1874 году М. Врубель окончил одесскую знаменитую Ришелевскую гимназию с золотой медалью.
Уже в пяти летнем возрасте мальчик увлечённо рисовал и, прибывая в Петербурге, отец определил его в школу Общества поощрения художников. В Одессе мальчик учиться рисованию в школе Общества изящных искусств. В свои девять лет М. Врубель по памяти копировал Микеланджело. Однако художественное воспитание отец прививал сыну лишь для общего развития. Так в 1874 году М. Врубель учиться на юриста в Петербургском университете. Но мечтой М. Врубеля остаётся живопись, он посещает выставки, изучает, участвует в спорах о назначении искусства, посещает вечерние классы Академии художеств.
Окончив Петербургский университет и пройдя военную службу М.А. Врубель, в 1880 году становится студентом Академии художеств. У Врубеля сложились близкие отношения с другим русским художником в Академии – В. Серовым. А в 1886 году он знакомится с К. Коровиным. Его преподавателями были П. Чистяков и И. Репин. Он критически относился к современному искусству. К примеру, говорил учителю Репину, в глаза, что тот не умеет рисовать. За свои высказывания Врубель получил славу высокомерного человека, хотя выглядел скромным и стеснительным. Из мемуаров известно, что Врубель выступал в самых разных образах. То он «вельможный пан» с иголочки одетый (отец его был поляком), то он одет в чёрный бархатный костюм, панталоны и чулки как венецианец с картины Тициана, то окружает себя странными людьми: снобами, кутилами, цирковыми артистами, итальянцами, бедняками, алкоголиками (так говорил друг Коровин).
В 1884 году Врубель уходит из Академии. Он отправляется по рекомендации Чистякова в Киев к А. Прахову для реставрации древних росписей Кирилловской церкви. В Киеве русский художник провёл шесть лет, изучая под руководством Прахова византийскую иконопись, трудится также во Владимирском соборе. Иконописные дерзания Врубеля вызвали недоумение, из-за чего 1889 году он был отстранён от этой работы. Тогда он переехал в Москву. Здесь его жизнь и искания связаны с московским домом и подмосковным имением в Абрамцевом, принадлежащими, известному любителю искусств, меценату и вдохновителю знаменитого художественного кружка, Саве Мамонтову. Помимо живописи в это время Врубель берётся за скульптуру, занимается керамикой, дизайном, оформлением театральных постановок, декоративными панно. В 1890 году свет увидела его картина – «Демон сидящий». Эта картина была задумана ещё в Киеве. Картина, в последствии, стала символом наступающей эпохи – эпохи символизма, религиозного реформаторства, которым искусилась тогдашняя светская культура.
В 1896 году состоялась первая выставка Врубеля, явившаяся результатом скандала. Заказанные картины Мамантовым были отвергнуты Академией художеств, обозначенные как «не художественные». Это были две работы: «Принцесса Греза» и «Микула Селянович». В качестве протеста Мамонтовым была устроена выставка «Панно Врубеля».
Сразу же после выставки Врубель женится на певице Надежде Забеле, молодые обвенчались летом в Женеве. По приглашению Мамонтова Забеле становится ведущей артисткой его частной оперы.
В последующие пять лет русским художником созданы все его самые известные произведения – это был плодотворный период его жизни. Много выставлялся – на выставках «Мира искусства», венского Сецессиона, «36-ти»… Хотя тот же А. Бенуа всегда весьма критически относился к его живописным новациям.
В 1899 году Врубель потерял отца, а в 1901 году у него родился сын Савва, с врождённым дефектом – «заячьей губой», - что произвело на художника тягостное впечатление. В начале 1902 года В. Бехтерев обнаружил у него неизлечимую болезнь (сухотка спинного мозга), которая грозила сумасшествием. В 1903 году умирает малолетний сын Врубебя, через год после написания его портрета. Так Врубель превращается в постоянного обитателя психиатрических клиник. Незадолго до этого он написал страшную в своей обречённости картину – «Демон поверженный». Художник в периоды помрачения впадал то в манию величия, то в полное самоуничижение.
До 1906 года были периоды просветления, когда художник начинал интенсивно работать. В 1905 году его избрали академиком живописи. Это было последнее воспринятое его рассудком событие. В 1906 году он ослеп.
Жизнь знаменитого русского художника М.А. Врубеля окончилась в стенах петербургской клиники доктора Бари. На похоронах А. Блок назвал художника автором «чертежей, похищенных у вечности» и «вестником иных миров».
Врубель был одинок и вызывал недоумение как человек, а его картины были не поняты и не приняты людьми. Лишь в конце жизни, когда оказался в психиатрической больнице, его картины стали известными.
Известные картины М.А. Врубеля
Картина «Пан» (1899) открывает серию «ноктюрнов» русского художника. Продолжением стали картины «Царевна-Лебедь», «Сирень». Н. Забела приходилась племянницей Н. Ге, который оказал влияние на ночные сюжеты Врубеля. Ге считался мастером ночного колорита.
Пан персонаж греческой мифологии, изображённый, правда, Врубелем под влиянием русского фольклора который он тогда так любил. Пан божество лесов и полей выступает символом ночи, являющейся окном в другие миры, недоступные дневному сознанию.
Фон картины – русский пейзаж. Бог как будто вырастает из замшелого пня, а вокруг него поля, реки, и берёзы, уснувшие в ночной тишине. Глаза Бога, голубые, светящиеся, поражают своей бездонностью. Из греческой мифологии в картине участвует лишь свирель. Пан по сюжетам мифологии был судьёй в пастушеских состязаниях на свирели. Полурог луны заполняет пространство картины фантастическим светом, одновременно перекликаясь с рожками божества.
Картина «Летящий демон» (1899) – неоконченная работа. Тема демона волновала Врубеля всю его жизнь и в этой работе он вновь к ней возвращается. Эта картина – гимн свободы и красоты. В это время Врубель читал труды Ницше. Возможно, что картина не закончена художником потому, что стремясь показать свободу он изобразил образ обречённости.
Лицо демона передаёт предчувствие трагедии. Огромные глаза, смертельная бледность, решимость, грубая лепка самого лица создаёт образ «мировой скорби». Вытянутая фигура демона передаёт ощущение стремительного полёта. Отличительными чертами живописи Врубеля являются фиолетовые и лиловые тона, декоративный фон.
Картина Врубеля «Царевна-Лебедь» (1900) посвящена Н. Забеле, сыгравшей роль Царевны-Лебедь в спектакле «Сказка о царе Салтане». Композитором спектакля был Римский-Корсаков. Эта картина стала результатом дружбы художника с композитором, признавшим Н. Забеле. Художник в этом произведение передал проникновенный музыкальный образ хрупкого и нездешнего существа, заброшенного в наш мир.
На заднем плане отображена театральная декорация - горящие оранжевые окна. Пышный декоративный кокошник из сценического костюма Забелы на голове Царевны-Лебедь. Виртуозность владения кистью видна в изображении оперения, на нём играют лучи заходящего солнца. Переливающиеся краски, тончайшие переходы серого и розового делают это произведение почти реально «звучащим» неземной музыкой. Эта картина есть тот прорыв в нездешнее, к которому призывали символисты.
Картина «Сирень» (1900) связана с хутором Н. Ге Черниговской губернии, там Врубель увидел заросли цветущей сирени. «Сирень» явила собой оформление живописного языка символизма. Это одно из самых сложных произведений Врубеля, он отображал ещё и философский смысл, а именно преодоление пропасти между формой-видимостью и сутью смыслом. Картина «Сирень» примирила Врубеля с А. Бенуа, признавшимся, что стоя у картины, почувствовал запах весенних цветов.
Героиню картины Врубель называет Наташей, связывая её с Пушкинским миром. Девушка воплощает душу сирени.
Шедевр Врубеля М.А. – картина «Демон сидящий»
Картина «Демон сидящий» написана в 1890 году, находится в Государственной Третьяковской галерее, в Москве. Данный образ был задуман русским художником во время работы в Киеве, он навеян поэмой Лермонтова и созвучен с эпохой символизма. Работал над картиной Врубель уже в Москве, в доме Мамонтова, в предоставленной студии. О своей картине Врубель написал отцу: «Демон – дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбящий, при всём этом дух властный, величавый». В картину был влюблён А. Блок, назвавший её «символом нашего времени». Сестре художник писал так: «Поиски мои – исключительно в области техники. Остальное сделано уже до меня, только выбирай». В этом он имеет в виду обращение живописи к литературе. В. Васнецов так же чутко изображал литературные произведения в своих картинах.
Когда художник писал демона, в начале работы, тот вполне умещался на холсте. К концу работы демон настолько вырос, что художнику пришлось надстраивать холст, в конечном варианте Демон изображён со срезанной головой. Фон только на этой картине реалистичен. В то же время он как будто театральный – фантастичный, неподвижный, декоративный. Он перекликается с опустошённостью души. Сам художник не однократно упоминал, что демон с греческого переводится как «душа». Колорит картины – это контраст цветов: преобладающий лиловый цвет борется с эпизодическим оранжево-золотистым. Так, как Врубель написал «демона», не мог писать ни один из его современников. Художник смело расчленяет единую форму на отдельные грани, превращая созданный им мир в мозаику искусно отгранённых драгоценных камней. Врубельский «демон» сочетает в себе красоту, ум, величие, мощь и в то же время – бессилие, беспомощность (что видно из его безнадёжно сцепленных рук). Блок видел в «демоне» - «Юношу в забытье “Скуки”». Всё тело Демона составлено из металлических мускулов.
- Богоматерь с младенцем
- Тамара в гробу
- Тамара и демон
Михаил Врубель родился в Омске 17 марта 1856 года. Мать умерла, когда ему исполнилось всего три года. Семья офицера Александра Михайловича Врубеля часто переезжала из города в город. В пять-шесть лет мальчик начал рисовать, и в восемь лет, когда Врубели жили в Петербурге, отец привел его в рисовальную школу Общества поощрения художеств. На следующий год семья переехала в Саратов, Михаилу наняли преподавателя рисования.
Гимназические годы Врубель в основном провел в Одессе. Рисовал Миша урывками, в основном по просьбе отца. Со слов сестры известно, что в эти годы он увлекался «историей, писал сверх нормы большие сочинения на темы античной жизни и средневековья». Он основательно изучал латинский язык, читал в подлинниках Овидия и Горация. После окончания гимназии Михаил Врубель в 1874 году поступает на юридический факультет Петербургского университета.
Рисунки этого периода: «Врубель со своим университетским товарищем Валуевым» (1877), «Маргарита» (1877) - иллюстрация к гётевскому «Фаусту». Только на последних курсах университета Михаил Александрович приобщается к обучению искусству, посещая класс профессора Чистякова в вечерние часы . По окончании университета Врубель отбывает воинскую повинность.
В 1 880 году Михаил становится студентом Академии художеств. С осени 1882 он начинает заниматься в классе академика Чистякова, много и упорно работая самостоятельно. Врубель рисует и пишет акварелью без устали, не переставая изучать законы старого искусства. Работоспособность его удивительна. Как-то за одну ночь он делает стофигурную (!) композицию «Орфей в аду». Михаил близко сходится с однокурсниками - Валентином Серовым и его двоюродным братом Дервизом. «Мы трое, - сообщает Врубель, - единственные, понимающие серьезную акварель в Академии».
Уже в ранних работах Врубеля намечались черты, отличавшие его среди академистов. Михаил Врубель слыл, и по заслугам, мастером акварели и удивительным композитором массовых сцен. Свой виртуозный рисунок и дар композиции продемонстрировал, в частности, на многофигурных библейских сценах во «Введении во храм» (1882). В ранний период творчества Врубель создавал правдивые, проникновенные портреты, в которых он передавал сосредоточенное душевное состояние человека.
Михаил Врубель. Богородица
В 1884 году Врубель оставил академию, приняв предложение Прахова переехать в Киев и возглавить там работы по реставрации живописи древней Кирилловской церкви. Речь шла не только о восстановлении фресок, но и о создании новых произведений взамен утраченных. Художник изучает не только отечественные росписи, но знакомился и со многими произведениями подобного рода в Венеции, куда он был отправлен в 1884 году. Увы, эскизы росписи для Владимирского собора, созданные Врубелем в 1887 году, не были осуществлены вследствие их крайней необычности.
Врубель нарушил церковные каноны и создал свободные композиции, придерживаясь только темы, но не ее канонического решения. Он написал акварелью «Ангела с кадилом и свечой», четыре варианта «Надгробного плача», два варианта «Воскресения». В эскизе «Надгробный плач» (1887) индивидуальный облик богоматери с горящими глазами, расширенными ужасом и скорбью, соответствует столь же экспрессивному образу Христа, лежащего в гробу.
Михаил Врубель. Сошествие Святого Духа на апостолов
Художник стремился потрясти зрителя изображением безмерной скорби и страдания. Выработанные Врубелем принципы стенной декоративной живописи позднее переносились им в станковые работы. Врубель писал из Киева, что, увы, «на творчество рассчитывать нельзя», что для него работа с натуры - «средство прокормления». Но о «прокормлении» он меньше всего думал. Отец, навещавший его в Киеве, неизменно с огорчением и тревогой сообщал в письмах «И до чего дожил Миша с его талантами! Средств к жизни почти никаких». Но Врубель верил в свой дар, он писал «Мания, что непременно скажу что-то новое, не оставляет меня».
Все девяностые годы Врубеля занимала тема Демона и зла. Еще в 1885 году, сразу после возвращения из Венеции, Врубель так описывал своего «Демона» отцу «Дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, но при всем том Дух властный и величавый». Художник показал своего первого, так называемого «Демона (сидящего)» уже в Москве, куда он переехал в 1889 году «юный титан изображен в лучах заката на вершине скалы. Могучее прекрасное тело словно не умещается в раме, заломлены руки, трогательно прекрасно лицо, в глазах нечеловеческая скорбь», - описывает картину Н.А. Федорова.
В 1899 он пишет «Демона летящего». Врубель не завершает это полотно и приступает к упорной работе над иным образом Демона, который получил название «Демон поверженный» (1902). Тема последнего Демона - титанический протест и трагическая гибель. Демон низвергнут с высот и распростерт на горных кряжах, покрытых вечным снегом и льдом, освещенных последними лучами заката. Демон разбит, сломаны руки с заостренными впивающимися в тело пальцами, голова как бы оторвана от лежащего тяжелым камнем торса. Но в глазах продолжает гореть огонь гнева и протеста.
В 1889 году Врубель уезжает в Москву. Так начинается новый и самый плодотворный пери од его творчества. Художник получает ряд заказов на декоративные панно. Одно из них - «Венеция» (1893) - создано по впечатлениям от новой поездки в Италию (1891-1892). Содержание картины «Испания» (1894), возможно, навеяно оперой «Кармен», которую Врубель очень любил и считал «эпохой в музыке». Взволнованность персонажей, напряженность цвета, поток лучей знойного солнца вызывают ощущение конфликта, драмы. Живой предстает страна, в которой кипят пылкие чувства, сильны и любовь, и ненависть. В некоторой близости к этой картине - «Гадалка» (1895), произведение глубоко психологическое. Среди лилово-розового мерцания ковра и шелковых тканей Врубель мастерски выделяет лицо. Властно влечет пристальный взгляд горящих глаз, словно перед женщиной раскрылась страшная тайна будущего». После «Венеции» влечение Врубеля к большому стилю проявилось также в его огромных многометровых панно «Принцесса Грёза» и «Микула Селянинович», исполненных для Всероссийской Нижегородской выставки 1896 года, а также в цикле панно на сюжет из «Фауста» Гёте для «готического кабинета» в особняке А.В. Морозова.
Врубель. Муза
В эту пору Врубель много работает над портретами. Как и все искусство художника, его портретная живопись остро психологична. Врубеля больше всего привлекает в изображаемом им человеке его внутренний мир. Он стремится заглянуть в самую глубину души, постичь сокровенные мысли и чувства. Круг портретируемых довольно узок. Это преимущественно люди, близкие художнику. Блестящие примеры портретной живописи Врубеля - портреты Арцыбушева и Мамонтова (оба 1897). О портрете Арцыбушева говорит Баркова «Портрет прекрасен не только глубокой психологической характеристикой личности человека, но и живописными достоинствами. Поразительна пластическая лепка лица и рук. Артистически свободно написаны черный костюм, темно-красный галстук, кресло красного дерева, корешки книг. Синими искрами загораются стекла пенсне .
Врубель — «Портрет Константина Дмитриевича Арцыбушева»
Врубель умеет извлечь красивые, красочные созвучия из самых обыкновенных предметов. Вся цветовая композиция приведена в единство. По своему реалистическому мастерству и силе характеристики портрет этот занимает выдающееся место в портретной живописи конца XIX столетия». Врубель страстно любил музыку. В конце девяностых годов он работает художником в театре. Для Московской частной оперы С.И. Мамонтова он пишет декорации к операм «Царская невеста», «Моцарт и Сальери», «Сказке о царе Салтане». Главные женские роли в этих спектаклях исполняла жена Врубеля, талантливая певица Надежда Ивановна Забела.
В 1896 году на одной из репетиций оперы Хумпердинка «Гензель и Гретель» в Панаевском театре в Петербурге Врубель впервые услышал ее пение. После премьеры оперы «Гензель и Гретель» Забела привезла Врубеля в дом Ге, где она тогда жила. Ее сестра «заметила, что Надя как-то особенно моложава и интересна, и сообразила, что это от атмосферы влюбленности, которой ее окружал Врубель». Врубель потом говорил, что, «если бы она ему отказала, он лишил бы себя жизни». 28 июля 1896 года в Швейцарии состоялась свадьба Забелы и Врубеля. Счастливая новобрачная писала сестре «В Михаиле Александровиче я каждый день нахожу новые достоинства; во-первых, он необыкновенно кроткий и добрый, просто трогательный, кроме того, мне всегда с ним весело и удивительно легко. Я безусловно верю в его компетентность относительно пения, он будет мне очень полезен, и кажется, что и мне удастся иметь на него влияние».
В 1899 и 1900 годах Врубель заведовал Абрамцевской майоликовой мастерской и там оставил ряд интересных скульптур-майолик на сказочные темы «Лель», «Волхова». «Купава». Врубель пишет картины «К ночи» (1900), «Пан» (1899), «Царевна Лебедь» (1900). В полотне «Сирень» (1900), одной из вдохновеннейших своих картин, Врубель не только поэтически передал пышно расцветший куст сирени, но и полное страстной патетики чувство, пробудившее в его душе благоухающие весенние цветы лунной ночью.
Летом 1901 года в семье Врубелей появился первенец - Саввочка. С самого рождения мальчик болел и через два года умер. Возможно, это стало причиной того, что в 1902 году у Михаила Александровича проявились признаки душевной болезни. Болезнь прогрессировала, но в периоды ясного сознания художник снова работал. Доктор Усольцев, лечивший Михаила Александровича, пишет «Это был художник-творец всем своим существом, до самых глубоких тайников психической личности. Он творил всегда, можно сказать, непрерывно, и творчество было для него так же легко и необходимо, как дыхание. Пока жив человек, он все дышит, пока дышал Врубель - он творил».
В последние годы жизни Врубель создает один из самых нежных, хрупких образов - «Портрет Н. И. Забелы на фоне березок» (1904).
К этому же времени относятся интересные автопортреты. В 1906 году Врубель начал портрет поэта В.Я. Брюсова. Портрет остался незаконченным, так как художника постигло страшное несчастье - он ослеп. Михаил Александрович Врубель умер 1 апреля 1910 года, восприняв смерть как избавление. http://www.tonnel.ru/
Жемчужина. 1904.
