Главная Рукоделие Музыкальное искусство Средневековья. Образно-смысловое наполнение. Личности. Глава II. Музыкальная культура средневековья Светское музыкальное искусство средних веков

Музыкальное искусство Средневековья. Образно-смысловое наполнение. Личности. Глава II. Музыкальная культура средневековья Светское музыкальное искусство средних веков

Музыка эпохи средневековья -- период развития музыкальной культуры, охватывающий промежуток времени примерно с V по XIV века н.э.

Средневековье - большая эпоха человеческой истории, время господства феодального строя.

Периодизация культуры:

Раннее Средневековье - V - X вв.

Зрелое Средневековье - XI - XIV вв.

В 395 г. Римская империя распалась на две части: Западную и Восточную. В Западной части на развалинах Рима в V-IX веках существовали варварские государства: остготов, вестготов, франков и др. В IX веке в результате распада империи Карла Великого здесь образовалось три государства: Франция, Германия, Италия. Столицей Восточной части стал Константинополь, основанный императором Константином на месте греческой колонии Византии - отсюда и название государства.

В эпоху средневековья в Европе складывается музыкальная культура нового типа -- феодальная, объединяющая в себе профессиональное искусство, любительское музицирование и фольклор. Поскольку церковь господствует во всех областях духовной жизни, основу профессионального музыкального искусства составляет деятельность музыкантов в храмах и монастырях. Светское профессиональное искусство представлено поначалу лишь певцами, создающими и исполняющими эпические сказания при дворе, в домах знати, среди воинов и т. д. (барды, скальды и др.). Со временем развиваются любительские и полупрофессиональные формы музицирования рыцарства: во Франции -- искусство трубадуров и труверов (Адам де ла Аль, XIII век), в Германии -- миннезингеров (Вольфрам фон Эшенбах, Вальтер фон дер Фогельвейде, XII-XIII века), а также городских ремесленников. В феодальных замках и в городах культивируются всевозможные роды, жанры и формы песен (эпические, «рассветные», рондо, ле, виреле, баллады, канцоны, лауды и др.).

Входят в быт новые музыкальные инструменты, в том числе пришедшие с Востока (виола, лютня и т. д.), возникают ансамбли (нестабильных составов). В крестьянской среде расцветает фольклор. Действуют также «народные профессионалы»: сказители, странствующие синтетические артисты (жонглёры, мимы, менестрели, шпильманы, скоморохи). Музыка вновь выполняет главным образом прикладные и духовно-практические функции. Творчество выступает в единстве с исполнительством (как правило в одном лице).

Постепенно, хотя и медленно, обогащаются содержание музыки, её жанры, формы, средства выразительности. В Западной Европе с VI-VII веков. складывается строго регламентированная система одноголосной (монодической) церковной музыки на основе диатонических ладов (григорианское пение), объединяющая речитацию (псалмодия) и пение (гимны). На рубеже 1-го и 2-го тысячелетий зарождается многоголосие. Формируются новые вокальные (хоровые) и вокально-инструментальные (хор и орган) жанры: органум, мотет, кондукт, затем месса. Во Франции в XII веке образуется первая композиторская (творческая) школа при Соборе Парижской богоматери (Леонин, Перотин). На рубеже Возрождения (стиль ars nova во Франции и Италии, XIV века) в профессиональной музыке одноголосие вытесняется многоголосием, музыка начинает понемногу освобождаться от сугубо практической функций (обслуживание церковных обрядов), в ней усиливается значение светских жанров, в том числе песенных (Гильом де Машо).

Материальную основу Средневековья составили феодальные отношения. Средневековая культура формируется в условиях сельского поместья. В дальнейшем социальной основой культуры становится городская среда - бюргерство. С образованием государств формируются основные сословия: духовенство, дворянство, народ.

Искусство Средневековья теснейшим образом связано с церковью. Христианское вероучение - основа философии, этики, эстетики, всей духовной жизни этого времени. Наполненное религиозной символикой, искусство устремлено от земного, преходящего - к духовному, вечному.

Наряду с официальной церковной культурой (высокой) существовала светская культура (низовая) - фольклорная (низших общественных слоёв) и рыцарская (куртуазная).

Основные очаги профессиональной музыки раннего Средневековья - соборы, певческие школы при них, монастыри - единственные центры образования того времени. В них изучали греческий язык и латынь, арифметику и музыку.

Главным центром церковной музыки в Западной Европе в эпоху Средневековья был Рим. В конце VI - начале VII в. формируется основная разновидность западноевропейской церковной музыки - григорианский хорал, названный так по имени папы Григория I, осуществившего реформу церковного пения, собрав воедино и упорядочив различные церковные песнопения. Григорианский хорал - одноголосное католическое песнопение, в котором слились многовековые певческие традиции различных ближневосточных и европейских народов (сирийцы, иудеи, греки, римляне и др.). Именно плавное одноголосное развёртывание единой мелодии призвано было олицетворять единую волю, направленность внимания прихожан в соответствии с догматами католицизма. Характер музыки строгий, внеличный. Исполнялся хорал хором (отсюда название), некоторые разделы - солистом. Преобладает поступенное движение на основе диатонических ладов. Григорианское пение допускало немало градаций, начиная от сурово-медлительной хоровой псалмодии и кончая юбиляциями (мелизматическое распевание слога), требующими для своего исполнения виртуозного вокального мастерства.

Григорианское пение отдаляет слушателя от действительности, вызывает смирение, приводит к созерцательности, мистической отрешённости. Такому воздействию способствует и текст на латинском языке, непонятном основной массе прихожан. Ритм пения определялся текстом. Он расплывчат, неопределёнен, обусловлен характером акцентов декламирования текста.

Многообразные виды григорианского пения были сведены воедино в главном богослужении католической церкви - мессе, в которой установилось пять устойчивых частей:

Kyrie eleison (Господи, помилуй)

Gloria (слава)

Credo (верую)

Sanctus (свят)

Agnus Dei (агнец божий).

С течением времени в григорианский хорал начинают просачиваться элементы народной музыки через гимны, секвенции и тропы. Если псалмодии исполнялись профессиональным хором певчих и священнослужителями, то гимны на первых порах - прихожанами. Они представляли собой вставки в официальное богослужение (им были присущи черты народной музыки). Но вскоре гимнические части мессы стали вытеснять псалмодические, что привело к появлению полифонической мессы.

Первые секвенции представляли собой подтекстовку под мелодику юбиляции так, чтобы один звук мелодии имел бы отдельный слог. Секвенция становится распространённым жанром (наиболее популярны «Veni, sancte spiritus», «Dies irae», «Stabat mater»). «Dies irae» использовали Берлиоз, Лист, Чайковский, Рахманинов (очень часто как символ смерти).

Первые образцы многоголосия происходят из монастырей - органум (движение параллельными квинтами или квартами), гимель, фобурдон (параллельные секстаккорды), кондукт. Композиторы: Леонин и Перотин (12-13 вв. - собор Парижской Богоматери).

Носителями светской народной музыки в Средневековье были мимы, жонглёры, менестрели во Франции, шпильманы - в странах немецкой культуры, хоглары - в Испании, скоморохи - на Руси. Эти странствующие артисты были универсальными мастерами: они сочетали пение, пляску, игру на различных инструментах с фокусничеством, цирковым искусством, кукольным театром.

Другой стороной светской культуры была рыцарская (куртуазная) культура (культура светских феодалов). Рыцарями были почти все знатные люди - от неимущих воинов до королей. Формируется особый рыцарский кодекс, в соответствии с которым рыцарь, наряду с отвагой и доблестью, должен был обладать изысканными манерами, быть образованным, щедрым, великодушным, преданно служить Прекрасной Даме. Все стороны рыцарской жизни нашли отражение в музыкально-поэтическом искусстве трубадуров (Прованс - южная Франция), труверов (северная Франция), миннезингеров (Германия). Искусство трубадуров связано преимущественно с любовной лирикой. Наиболее популярным жанром любовной лирики была канцона (у миннезингеров - «Утренние песни» - альбы).

Труверы, широко используя опыт трубадуров, создали свои оригинальные жанры: «ткацкие песни», «майские песни». Важную область музыкальных жанров трубадуров, труверов и миннезингеров составляли песенно-танцевальные жанры: рондо, баллада, виреле (рефренные формы), а также героический эпос (французский эпос «Песнь о Роланде», немецкий - «Песнь о Нибелунгах»). У миннезингеров были распространены песни крестоносцев.

Характерные черты искусства трубадуров, труверов и миннезингеров:

Одноголосие - является следствием неразрывной связи напева со стихотворным текстом, что вытекает из самой сути музыкально-поэтического искусства. Одноголосие соответствовало и установке на индивидуализированное выражение собственных переживаний, на личную оценку содержания высказывания (часто выражение личных переживаний обрамлялось обрисовкой картин природы).

Преимущественно вокальное исполнение. Роль инструментов не была значительной: она сводилась к исполнению вступлений, интермедий и постлюдий, обрамляющих вокальный напев.

О рыцарском искусстве ещё нельзя говорить как о профессиональном, но впервые в условиях светского музицирования было создано мощное музыкально-поэтическое направление с развитым комплексом выразительных средств и относительно совершенной музыкальной письменностью.

Одним из важных достижений зрелого средневековья, начиная с X-XI веков, явилось развитие городов (бюргерской культуры). Основными чертами городской культуры были антицерковная, вольнолюбивая направленность, связь с фольклором, её смеховый и карнавальный характер. Развивается готический архитектурный стиль. Формируются новые многоголосные жанры: с 13-14 по 16 вв. - мотет (от франц. - «слово». Для мотета типично мелодическое несходство голосов, интонировавших одновременно разные тексты - часто даже на разных языках), мадригал (от итал. - «песня на родном языке», т.е. итальянском. Тексты любовно-лирические, пасторальные), качча (от итал. - «охота» - вокальная пьеса на текст, живописующий охоту).

Народные странствующие музыканты переходят от кочевого образа жизни к оседлому, заселяют целые городские кварталы и складываются в своеобразные «музыкантские цехи». Начиная с XII века, к народным музыкантам примкнули ваганты и голиарды - деклассированные выходцы из разных классов (школяры-студенты, беглые монахи, скитающиеся клирики). В отличие от неграмотных жонглёров - типичных представителей искусства устной традиции - ваганты и голиарды были грамотными: они владели латинским языком и правилами классического стихосложения, сочиняли музыку - песни (круг образов связан со школьной наукой и студенческим бытом) и даже сложные сочинения типа кондуктов и мотетов.

Значительным очагом музыкальной культуры стали университеты. Музыка, точнее - музыкальная акустика - вместе с астрономией, математикой, физикой входила в квадриум, т.е. цикл из четырёх дисциплин, изучавшихся в университетах.

Таким образом, в средневековом городе существовали различные по характеру и социальной направленности очаги музыкальной культуры: объединения народных музыкантов, придворная музыка, музыка монастырей и соборов, университетская музыкальная практика.

Музыкальная теория Средневековья была тесно связана с богословием. В немногих дошедших до нас музыкально-теоретических трактатах музыка рассматривалась как «служанка церкви». Среди видных трактатов раннего Средневековья выделяются 6 книг «О музыке» Августина, 5 книг Боэция «Об установлении музыки» и др. Большое место в этих трактатах уделялось абстрактно-схоластическим вопросам, учению о космической роли музыки и т.д.

Средневековая ладовая система была разработана представителями церковного профессионального музыкального искусства - поэтому за средневековыми ладами и закрепилось название «церковные лады». В качестве главных ладов утвердились ионийский и эолийский.

Музыкальная теория Средневековья выдвинула учение о гексахордах. В каждом ладу использовались в практике 6 ступеней (например: до, ре, ми, фа, соль, ля). Си тогда избегалось, т.к. образовывало вместе с фа ход на увеличенную кварту, которую считали очень неблагозвучной и образно именовали «дьяволом в музыке».

Широко применялась невменная запись. Гвидо Аретинский усовершенствовал систему нотной записи. Суть его реформы заключалась в следующем: наличие четырёх линий, терцовое соотношение между отдельными линиями, ключевой знак (первоначально буквенный) или раскраска линий. Он также ввёл слоговые обозначения для первых шести ступеней лада: ут, ре, ми, фа, соль, ля.

Вводится мензуральная нотация, где за каждой нотой закреплялась определённая ритмическая мера (лат. mensura - мера, измерение). Название длительностей: максима, лонга, бревис и т.д.

XIV век - переходный период между средневековьем и эпохой Возрождения. Искусство Франции и Италии XIV века получило название «Ars nova» (от лат. -- новое искусство), причём в Италии оно обладало всеми свойствами раннего Возрождения. Основные черты: отказ от использования исключительно жанров церковной музыки и обращение к светским вокально-инструментальным камерным жанрам (баллада, качча, мадригал), сближение с бытовой песенностью, использование различных музыкальных инструментов. Ars nova противоположно т.н. арс антиква (лат. ars antiqua -- старое искусство), подразумевающему музыкальное искусство до начала XIV века. Крупнейшими представителями аrs nova были Гийом де Машо (14 в., Франция) и Франческо Ландино (14 в., Италия).

Таким образом, музыкальная культура Средневековья, несмотря на относительную ограниченность средств, представляет более высокую ступень по сравнению с музыкой Древнего мира и содержит предпосылки для пышного расцвета музыкального искусства в эпоху ренессанса.

музыка средневековье григорианский трубадур

С XII в. в искусстве получает отражение антитеза, характерная для эстетики средневековья, когда сакральной музыке - «новой песни» противопоставлена «старая», то есть языческая музыка. При этом, инструментальная музыка как в западной, так и восточной христианской традиции слыла менее достойным явлением, чем пение.

"Маастрихтский Часослов", маастрихтский обряд. Первая четверть XIV века. Нидерланды, Льеж. Британская библиотека. Stowe MS 17, f.160r / Detail of a miniature from the Maastricht Hours, Netherlands (Liège), 1st quarter of the 14th century, Stowe MS 17, f.160r.

Музыка неотделима от праздников. С праздниками в средневековом обществе связаны странствующие актеры — профессиональные потешники и развлекатели. Людей этого ремесла, снискавших всенародную любовь, в письменных памятниках называли по-разному. Церковные авторы употребляли по традиции классические древнеримские имена: мим /mimus, пантомим /pantomimus, гистрион /histrio. Общепринят был латинский термин йокулятор /joculator — шутник, забавник, балагур. Представителей сословия увеселителей именовали плясунами /saltator; шутами /balatro, scurra; музыкантами /musicus. Музыкантов различали по родам инструментов: citharista, cymbalista и т.д.. Особое распространение получило французское название «жонглер» /jongleur; в Испании ему соответствовало слово «хуглар» /junglar; в Германии — «шпильман» /Spielmann, на Руси — «скоморох». Все эти наименования — практически синонимы.

Про средневековых музыкантов и музыку – кратко и фрагментарно.

2.

Маастрихтский Часослов, BL Stowe MS 17, f.269v

Иллюстрации - из нидерландской рукописи первой четверти XIV века - "Маастрихтского Часослова" Британской Библиотеки. Изображения маргинальных бордюров позволяют судить об устройстве музыкальных инструментов и о месте музыки в жизни.

С XIII столетия бродячие музыканты всё активнее стремятся в замки и города. Вместе с рыцарями и представителями духовенства придворные менестрели окружают своих венценосных меценатов. Музыканты и певцы — непременные участники увеселений обитателей рыцарских замков, спутники влюбленных кавалеров и дам.

3.

f.192v

Там трубы и тромбоны гремели, словно гром,
А флейты и свирели звенели серебром,
Звучанье арф и скрипок сопровождало пенье,
И много новых платьев певцы получили за рвенье.

[«Кудруна», немецкая эпическая поэма XIII в.]

4.

f.61v

Теоретическая и практическая музыка входила в программу обучения идеального рыцаря, ее почитали благородной утонченной забавой. Особенно любили певучую виолу с ее нежными аккордами и мелодичную арфу. Вокальное соло сопровождали игрой на виоле и арфе не только жонглеры - профессиональные исполнители, но и знатные поэты и певцы:

«Тристрам был очень способным учеником и вскоре в совершенстве овладел семью главными искусствами и многими языками. Затем он изучил семь видов музыки и прославился как знаменитый музыкант, которому не было равных»

[«Сага Тристрама и Исонды», 1226]

5.

f.173v

Тристан и Изольда во всех литературных фиксациях легенды — искусные арфисты:

Когда он пел, — она играла,
Потом она его сменяла...
И если пел один — другой
По арфе ударял рукой.
И пенье, полное тоски,
И звуки струн из-под руки
Сходились в воздухе и там
Взлетали вместе к небесам.

[Готфрид Страсбургский. Тристан. Первая четверть XIII в.]

6.

f.134r

Из «биографий» провансальских трубадуров известно, что некоторые из них импровизировали на инструментах и тогда именовались «violar».

7.

f.46r

Император Священной Римской империи германской нации Фридрих II Штауфен (1194-1250) «играл на разных инструментах и был обучен пению»

8.

f.103r

На арфах, виолах и других инструментах играли и женщины, как правило — жонглерессы, изредка — девушки из знатных семейств и даже высшие особы.

Так, французский придворный поэт XII в. воспел королеву-виелистку: «Королева поет сладко, песня ее сливается с инструментом. Хороши песни, прекрасны руки, голос нежен, звуки тихи»

9.

f.169v

Музыкальные инструменты отличались разнообразием и постепенно совершенствовались. Родственные инструменты одного семейства образовывали множество разновидностей. Отсутствовала строгая унификация: их формы и размеры во многом зависели от желания мастера-изготовителя. В письменных источниках тождественные инструменты часто носили различные названия или, наоборот, под одинаковыми наименованиями скрывались разные типы.

Изображения музыкальных инструментов с текстом не связаны - я не специалист в этом вопросе.

10.

f.178v

Группа струнных инструментов подразделялась на семейства смычковых, лютневых и арфовых. Струны изготовляли из скрученных бараньих кишок, конского волоса или шелковых нитей. С XIII в. их все чаще делали из меди, стали и даже из серебра.

Струнно-смычковые инструменты, обладавшие преимуществом скользящего звука со всеми полутонами, лучше всего подходили для сопровождения голоса.

Парижский магистр музыки XIII века Иоанн де Грохео /Грокейо ставил виолу на первое место среди струнных: на ней «тоньше передаются все музыкальные формы», в том числе танцевальные

11.

f.172r

Живописуя придворное празднество в эпопее «Вильгельм фон Венден» (1290), немецкий поэт Ульрих фон Эшенбах особо выделил виелу:

Из всех, что я досель слыхал,
Достойна виела лишь похвал;
Полезно слушать всем ее.
Коль сердце ранено твое,
То исцелится эта мука
От нежной сладостности звука.

Музыкальная энциклопедия [М.: Советская энциклопедия, Советский композитор. Под ред. Ю. В. Келдыша. 1973-1982] сообщает, что виела - это одно из общих названий средневековых струнных смычковых инструментов. А что подразумевал Ульрих фон Эшенбах - не знаю.

12.

f.219v. По клику на картинке - инструмент крупнее

14.

f.216v

В представлениях людей средневековья инструментальная музыка была многосмысленна, обладала полярными качествами и вызывала прямо противоположные эмоции.

«Одних она подвигает на пустую веселость, других — на чистую умиленную радость, а нередко на святые слезы» [Петрарка] .

15.

f.211v

Считали, что благонравная и сдержанная музыка, смягчая нравы, приобщает души к божественной гармонии, облегчает постижение тайн веры.

16.

f.236v

Напротив, возбуждающие оргиастические мелодии служат развращению рода человеческого, приводят к нарушению Христовых заповедей и конечному осуждению. Через посредство необузданной музыки в сердце проникает множество пороков.

17.

f.144v

Церковные иерархи следовали учениям Платона и Боэция, четко разделявших идеальную, возвышенную «гармонию неба» и пошлую, непристойную музыку.

18.

f.58r

Чудовищные музыканты, которыми изобилуют поля готических рукописей, в том числе и Маастрихтского Часослова — воплощение греховности ремесла гистрионов , бывших одновременно музыкантами, танцорами, певцами, дрессировщиками животных, рассказчиками и т.п. Гистрионов объявляли «слугами Сатаны».

19.

f.116r

Гротескные существа играют на реальных или нелепых инструментами. Иррациональный мир воодушевленно музицирующих гибридов устрашающ и смешон одновременно. «Сюрреалистическая» нечисть, принимающая бесчисленные личины, увлекает и морочит обманной музыкой.

20.

f.208v

В начале XI в. Ноткер Губастый вслед за Аристотелем и Боэцием указывал на три качества человека: существо разумное, смертное, умеющее смеяться. Ноткер считал человека и способным к смеху, и вызывающим смех.

21.

f.241r

На праздниках зрителей и слушателей, в числе прочих, развлекали музыкальные эксцентрики, которые пародировали и тем самым оттеняли «серьезные» номера.

В руках смеховых дублеров в «мире наизнанку», где перевернуты привычные отношения, в качестве инструментов начинали «звучать» самые, казалось бы, не подходящие для музицирования предметы.

22.

f.92v. Из-под одежды музыканта, играющего на петухе, выглядывает туловище дракона

Употребление предметов в несвойственной для них роли — один из приемов буффонной комики.

23.

f.145v

Фантастическое музицирование отвечало мироощущению площадных празднеств, когда стирались привычные грани между предметами, все становилось неустойчивым, относительным.

24.

f.105v

Во взглядах интеллектуалов с XII-XIII вв. возникла определенная гармония между бестелесным священным духом и расковывающей жизнерадостностью. Безмятежное, просветленное «духовное веселье», заповедь непрестанного «радования о Христе» свойственны последователям Франциска Ассизского. Франциск верил, что постоянная печаль угодна не Господу, а дьяволу. В старопровансальской поэзии радость — одна из высших куртуазных добродетелей. Ее культ порожден жизнеутверждающим мировоззрением трубадуров. «В многотонной культуре и серьезные тона звучат по-другому: на них падают рефлексы смеховых тонов, они утрачивают свою исключительность и единственность, они дополняются смеховым аспектом».

25.

f.124v

Необходимость легализации смеха и шутки не исключала борьбы против них. Ревнители веры клеймили жонглеров как «членов дьявольского сообщества». Вместе с тем они признавали, что хотя жонглерия — печальное ремесло, но поскольку каждому надо жить, и оно сгодится при условии соблюдения благопристойности.

26.

f.220r

«Музыка имеет великую силу и влияние на страсти души и тела; в соответствии с этим различаются напевы или музыкальные лады. Ведь некоторые из них таковы, что своей размеренностью побуждают слушающих к жизни честной, непорочной, смиренной и набожной.»

[Николай Орем. Трактат о конфигурации качеств. XIV в.]

27.

f.249v

«Тимпаны, лютни, арфы и кифары
Их горячили, и сплетались пары
В греховной пляске.
Всю-то ночь игра,
Еда и винопийство до утра.
Так тешили маммона в виде свинском
И в капище скакали сатанинском.»

[Чосер. Кентерберийские рассказы]

28.

f.245v

Светские мелодии, которые, «щекоча слух и обманывая разум, уво-дят нас от добра» [Иоанн Златоуст] , расценивали как порождение греховной телесности, хитроумное создание дьявола. С их разлагающим влиянием не-обходимо бороться с помощью жестких ограничений и запретов. Сумбурная хаотическая музыка адских стихий — часть мировой «литургии наизнанку», «богослужение идольское».

29.

f.209r

О живучести подобных взглядов свидетельствует Кузьма Петров-Водкин (1878-1939), вспоминая о соборном протоиерее Хлыновска, маленького городка Саратовской губернии.

«Нам, выпускникам, он делал экскурс в область искусства, в частности в музыку: — А вот заиграет она, — а беси под ногами и заворошатся... А уж если песни петь нач-нете, — так из горл ваших хвосты бесовские и полезут, и полезут».

30.

f.129r

А на другом полюсе. Происходящая от Святого Духа волнующая музыка высокого идеала, музыка сфер мыслилась как воплощение неземной гармонии мироздания, созданного Творцом - отсюда восемь тонов грегорианского хорала, и как образ согласия в христианской церкви. Разумное и соразмерное сочетание различных звуков свидетельствовало о единстве благоустроенного града Божия. Стройная согласованность созвучий символизировала слаженные соотношения элементов, времен года и т.д.

Правильная мелодия услаждает и совершенствует дух, это «призыв к возвышенному образу жизни, наставляющий тех, кто предан добродетели, не допускать в своих нравах ничего немузыкального, нестройного, несозвучного» [Григорий Нисский, IV в.]

Сноски / Литература :
Кудруна / Изд. подгот. Р. В. Френкель. M., 1983. С. 12.
Легенда о Тристане и Изольде / Изд. подгот. А. Д. Михайлов. М., 1976. С. 223; С.197, 217.
Песнь о нибелунгах / Пер. Ю. Б. Корнеева. Л., 1972. С. 212.«Сладчайшие наигрыши» менестрелей звучали в садах и замковых чертогах.
Музыкальная эстетика западноевропейского Средневековья и Возрождения / Сост. текстов В. П. Шестаков. М., 1966. С. 242
Струве Б. А. Процесс формирования виол и скрипок. М., 1959, с. 48.
CülkeP. Mönche, Bürger, Minnesänger. Leipzig, 1975. S. 131
Даркевич В. П. Народная культура средневековья: светская праздничная жизнь в искусстве IX-XVI вв. - М.: Наука, 1988. С. 217; 218; 223.
Эстетика Ренессанса /Сост. В. П. Шестаков. М., 1981. Т. 1. С. 28.
Гуревич А. Я. Проблемы средневековой народной культуры. С. 281.
Бахтин M. Эстетика словесного творчества. М., 1979. С. 339.
Петров-Водкин К. С. Хлыновск. Пространство Эвклида. Самаркандия. Л., 1970. С. 41.
Аверинцев С. С. Поэтика ранневизантийской литературы. М., 1977. С. 24, 25.

Источники для текста :
Даркевич Владислав Петрович. Светская праздничная жизнь Средневековья IX-XVI вв. Издание второе, дополненное; М.: Издательство «Индрик», 2006.
Даркевич Владислав Петрович. Народная культура средневековья: светская праздничная жизнь в искусстве IX-XVI вв. - М.: Наука, 1988.
В. П. Даркевич. Пародийные музыканты в миниатюрах готических рукописей // «Художественный язык средневековья», М., «Наука», 1982.
Боэций. Наставления к музыке (отрывки) // "Музыкальная эстетика западноевропейского средневековья и Возрождения" М.: "Музыка", 1966
+ ссылки внутри текста

Другие записи с иллюстрациями из Маастрихтского Часослова:

P.S. Маргиналии - рисунки на полях. Какие-то иллюстрации, наверное, будет точнее назвать миниатюрой на часть страницы.

Профессиональная музыкальная культура Средневековья в Европе связана, прежде всего, с церковью, то есть с областью культовой музыки. Полное религиозности искусство канонично и догматично, но, всё же, не застыло, оно обращено от мирской суеты к отрешённому миру служения Господу. Тем не менее, наряду с такой «высшей» музыкой существовали и фольклор, и творчество бродячих музыкантов, а также исполненная благородности рыцарская культура.

Духовная музыкальная культура раннего Средневековья

В эпоху раннего Средневековья профессиональная музыка звучала лишь в соборах и бывших при них певческих школах. Центром музыкальной культуры Средневековья Западной Европы была столица Италии – Рим – тот самый город, где располагалось «верховное церковное начальство».

В 590-604 годах папой Григорием I была проведена реформа культового пения. Он упорядочил и собрал различные песнопения в сборнике «Григорианский антифонарий». Благодаря Григорию I в западноевропейской духовной музыке формируется направление, называемое григорианским хоралом.

Хорал – это, как правило, одноголосное песнопение, в котором отразились многовековые традиции европейских и ближневосточных народов. Именно эта плавная одноголосная мелодия призвана была направлять прихожан на постижение основ католицизма и принятие единой воли. В основном хорал исполнялся хором, и лишь некоторые части солистами.

Основу григорианского хорала составляло поступенное движение по звукам диатонических ладов, но иногда в том же хорале встречались и медлительные, суровые псалмодии, и мелизматические опевания отдельных слогов.

Исполнение таких мелодий не доверялось кому попало, так как требовало от певцов профессионального вокального мастерства. Так же как и музыка, текст песнопений на непонятном для многих прихожан латинском языке вызывает смирение, отрешённость от действительности, созерцательность. Зачастую зависимостью от следования тексту обусловливалось и ритмическое оформление музыки. Григорианский хорал нельзя принимать как идеальную музыку, это скорее распев молитвословного текста.

Месса – главный жанр композиторской музыки Средневековья

Католическая месса – главное богослужение церкви. Она объединила в себе такие виды григорианского пения, как:

антифонное (когда два хора поют поочерёдно);
респонсорное (поочерёдно поющие солисты и хор).

Община же принимала участие только в пении общих молитв.
Позднее, в XII в. в мессе появились гимны (псалмы), секвенции, тропы. Они представляли собой, дополнительные тексты, имеющие рифму (в отличие от основного хорала) и особый напев. Эти религиозные рифмованные тексты гораздо лучше запоминались прихожанами. Подпевая монахам, они варьировали мелодию, и в духовную музыку стали просачиваться элементы народной и послужило поводом для авторского творчества (Ноткер Заика и Токелон монах – монастырь Санкт-Голене). Позже эти напевы вообще вытеснили псалмодические части и значительно обогатили звучание григорианского хорала.

Из монастырей происходят первые образцы многоголосия, такие как органум – движение параллельными квартами или квинтами, гимель, фобурдон – движение секстаккордами, кондукт. Представителями такой музыки являются композиторы Леонин и Перотин (Собор Парижской Богоматери – XII-XIII вв.).

Светская музыкальная культура Средневековья

Светскую сторону музыкальной культуры Средневековья представляли: во Франции – жонглёры, мимы, менестрели , в Германии – шпильманы , в Испании – хоглары , на Руси – скоморохи . Все они были странствующими артистами и совмещали в своём творчестве игру на инструментах, пение, пляску, фокусничество, кукольный театр, цирковое искусство.

Другой составляющей светской музыки была рыцарская, так называемая куртуазная культура . Сформированный особый рыцарский кодекс, гласил, что каждый из рыцарей должен обладать не только отвагой и храбростью, но и изысканными манерами, образованием и быть преданным Прекрасной Даме. Все эти стороны жизни рыцарей нашли своё отражение в творчестве трубадуров (южная Франция – Прованс), труверов (северная Франция), миннезингеров (Германия).

Их творчество представлено преимущественно в любовной лирике, наиболее распространённым её жанром была канцона (альбы – «Утренние песни» у миннезингеров). Широко применяя опыт трубадуров, труверы создали свои жанры: «майские песни», «ткацкие песни».

Важнейшей областью музыкальных жанров представителей куртуазной культуры являлись песенные и танцевальные жанры, такие как рондо, виреле, баллада, героический эпос. Роль инструментов была весьма незначительной, она сводилась к обрамлению вокальных напевов вступлением, интермедией, постлюдией.

Зрелое Средневековье XI-XIII вв.

Характерной чертой зрелого Средневековья является развитие бюргерской культуры . Её направленностью были антицерковность, вольнодумие, связь со смеховым и карнавальным фольклором. Появляются новые жанры многоголосия: мотет, для которого свойственна мелодическая несхожесть голосов, более того, в мотете поются одновременно разные тексты и даже на разных языках; мадригал – песня на родном языке (итальянском), качча – вокальная пьеса с текстом, описывающим охоту.

С XII века к народному искусству присоединились ваганты и голиарды, которые в отличие от остальных владели грамотой. Носителями музыкальной культуры Средневековья стали университеты. Так как ладовая система Средневековья была разработана представителями духовной музыки, то они стали называться церковными ладами (ионийский лад, эолийский лад).

Также выдвинуто учение о гексахордах – в ладах использовалось только 6 ступеней. Монах Гвидо Аретинский сделал более совершенной систему записи нот, которая заключалась в наличии 4-х линий, между которыми было терцовое соотношение и ключевой знак или раскраска линий. Ещё им введено слоговое название ступеней, то есть высота ступеней стала обозначаться буквенными знаками.

Ars Nova XIII-XV вв.

Переходным периодом между Средневековьем и Возрождением стал XIV в. Этот период во Франции и Италии носил название Ars Nova, то есть «новое искусство». Наступило время новых экспериментов в искусстве. Композиторы стали сочинять произведения, ритм которых стал гораздо сложнее предыдущих (Филипп де Витри).

Также в отличие от духовной музыки, здесь были введены полутона, в результате чего стали возникать случайные повышения и понижения тонов, но это ещё не модуляция. В результате таких экспериментов получались произведения интересные, но далеко не всегда благозвучными. Самым ярким экспериментатором-музыкантом того времени являлся Соляж. Музыкальная культура Средневековья более развита в сравнении с культурой Древнего мира, несмотря на ограничения средств и содержит предпосылки для расцвета музыки в эпоху Ренессанса.

Более 1000 лет развивалось музыкальное искусство средневековья. Это напряженный и противоречивый этап эволюции музыкального мышления — от монодии (одноголосия) к сложнейшей полифонии. В эпоху Средневековья усовершенствовались многие европейские музыкальные инструменты, сформировались жанры как церковной, так и светской музыки, сложились известные музыкальные школы Европы: нидерландская, французская, немецкая, итальянская, испанская и т.д.

В Средние века было два основных направления в развитии музыки: духовная музыка и светская, развлекательная. При этом светская музыка порицалась религией, считалась «дьявольским наваждением».

Музыка была одним из инструментов религии, «подручным» средством, служившей целям церкви, а также одной из точных наук. Музыка ставилась наряду с математикой, риторикой, логикой, геометрией, астрономией и грамматикой. Церковь развивала певческие и композиторские школы с упором на числовую музыкальной эстетику (для ученых той эпохи музыка была проекцией числа на звуковую материю). В этом было и влияние позднего эллинизма, идей Пифагора и Платона. При таком подходе музыка не имела самостоятельного значения, она была аллегорией высшей, божественной музыки.

Итак, музыка делилась на 3 типа:

Мировая музыка — это музыка сфер, планет. Согласно музыкально-числовой эстетике эпохи Средневековья каждая планета солнечной системы наделялась своим звуком, тоном, и движение планет создавало небесную музыку. Помимо планет своим тоном наделялись и времена года.
Человеческая музыка — каждый орган, часть тела, душа человека наделялись своим звуком, которые складывались в гармоничное созвучие.
Инструментальная музыка — искусство игры на инструментах, музыка для увеселения, низший тип иерархии.

Духовная музыка была вокальной, хоровой, а светская — инструментально-вокальной. Инструментальная музыка считалась легкой, несерьезной, и, музыкальные теоретики той эпохи не воспринимали ее всерьез. Хотя менестрельное ремесло требовало от музыкантов большого исполнительского мастерства.

Период перехода от Средневековья к эпохе Нового времени в Европе, длившийся почти два с половиной столетия. В этот период во многих областях жизни произошли значительные изменения; бурный расцвет пережили наука и искусство. Период Возрождения делится на множество составных частей и фаз развития. С ним также связаны различные суеверия, укоренившиеся настолько прочно, что даже в наши дни требуются немалые усилия, чтобы их опровергнуть.

На самом деле, за исключением Николая Кузанского (далекого от духа Возрождения) и Галилея (жившего на закате эпохи Возрождения), философы Возрождения, по справедливому утверждению Кристеллера, не были ни хорошими, ни плохими- они вообще не были философами. Многие из них были выдающимися писателями, учеными, знатоками древних текстов, славились насмешливым и острым умом, литературным мастерством. Но к философии они не имели почти никакого отношения. Таким образом, противопоставлять их мыслителям Средневековья - чистой воды суеверие.

- Еще одно заблуждение - считать Возрождение бурной революцией, полным разрывом с прошлым. Действительно, в этот период происходят глубокие изменения, но все они органически связаны с прошлым, и в любом случае их истоки можно найти в Средневековье. Эти изменения имеют в прошлом настолько глубокие корни, что один из крупнейших специалистов по эпохе Возрождения, Хейзинга, имел все основания назвать эту эпоху «осенью Средневековья».

Наконец, суеверием является и мнение, что жившие в эпоху Возрождения люди, по крайней мере большинство из них, по духу своему протестанты, монисты, атеисты либо рационалисты. В действительности подавляющее большинство известных представителей Возрождения, а в области философии почти все, от Леонардо и Фичино до Галилея и Кампанеллы, были католиками, часто- ревностными сторонниками и защитника34 ми католической веры. Так, Марсилио Фичино на 40-м году жизни принял христианскую веру и создал католическую апологетику Нового времени.

Музыкальный теоретик Средневековья Гвидо Аретинский (конец X века) дает следующее определение музыке:

«Музыка – это движение вокальных звуков».

В этом определении средневековый музыкальный теоретик выразил отношение к музыке всей европейской музыкальной культуры той эпохи.

Музыкальные жанры церковной и светской музыки.

Источником духовной музыки Средневековья была монастырская среда. Песнопения разучивались в певческих школах на слух и распространялись в церковной среде. В виду появления большого многообразия напевов католическая церковь решила канонизировать и регламентировать песнопения, отражающие единство христианской доктрины.

Таким образом, появился хорал, ставший олицетворением церковной музыкальной традиции. На его основе сложились и другие жанры, созданные специально для определенных праздников, богослужений.

Духовная музыка Средневековья представлена следующими жанрами: · Хорал, григорианский хорал — одноголосное религиозное песнопение на латыни, четко регламентированное, исполнялся хором, некоторые разделы — солистом

- - Месса — главное богослужение католической церкви, состоящее из 5 устойчивых частей (ординариум) — I. Kyrie eleison (Господи, помилуй), II. Gloria (слава), III. Credo (верую), IV. Sanctus (свят), V. Agnus Dei (агнец божий).
  - Литургия, литургическая драма — пасхальное или рождественское богослужение, где григорианские хоралы чередовались с неканонизированными мелодиями-тропами, литургии исполнялись хором, партии персонажей (Марии, Евангелиста) — солистами, иногда появлялись некоторые подобия костюмов
  - Мистерия — литургическая драма с развернутым сценическим действием, костюмами
  - Рондель (рондо, ру) — многоголосный жанр зрелого и позднего Средневековья, опирался на авторскую мелодию (в отличие от канонизированного хорала), которая исполнялась в импровизационной манере солистами, вступавшими по очереди (ранняя форма канона)
  - Проприум — часть жанра мессы, изменяющаяся в зависимости от церковного календаря (в отличие от неизменной части мессы — ординариума)
  - Антифон — наиболее древний жанр хоровой церковной музыки, основанный на чередовании партий двумя хоровыми группами

Образцы церковной музыки:

1) Распев kyrie eleyson

2) Cеквенция victimae Pashali

Светская музыка Средневековья была, в основном, музыкой бродячих музыкантов и отличалась свободой, индивидуализированностью и эмоциональностью. Также светская музыка была частью куртуазной, рыцарской культуры феодалов. Поскольку кодекс предписывал рыцарю изысканные манеры, щедрость, великодушие, обязанности служить Прекрасной Даме, эти стороны не могли не найти своего отражения в песнях трубадуров и миннезингеров.

Исполняли светскую музыку мимы, жонглеры, трубадуры или труверы, менестрели (во Франции), миннезингеры, шпильманы (в германских странах), хоглары (в Испании), скоморохи (на Руси). Эти артисты должны были не только уметь петь, играть и танцевать, но и уметь показывать цирковые представления, фокусы, театральные сцены, и должны были другими способами всячески развлекать публику.
Благодаря тому, что музыка была одной из наук и преподавалась в Университетах, феодалы и знатные люди, получившие образование, могли применять свои знания и в искусстве.
Таким образом, музыка развивалась и в придворной среде. В противовес христианскому аскетизму, рыцарская музыка воспевала чувственную любовь и идеал Прекрасной Дамы. Среди знати как музыканты были известны — Гийом — VII, граф Пуатье, герцог Аквитании, Жан Бриенский – король Иерусалима, Пьер Моклэр – герцог Бретани, Тибо Шампанский – король Наварры.

Основные черты и особенности светской музыки Средневековья:

- - опирается на фольклор, исполняется не на латыни, а на родных языках диалектах,
  - среди бродячих артистов нотация не используется, музыка является устной традицией (позднее в придворной среде развивается музыкальная письменность)
  - основная тема — образ человека во всем многообразии его земной жизни, идеализированная чувственная любовь
  - одноголосие — как способ выражения индивидуальных чувств в стихотворно-песенной форме
  - вокально-инструментальное исполнение, роль инструментов еще не очень высока, инструментальными были, в основном, вступления, интермедии и коды
  - мелодика была разнообразна, но ритмика при этом — канонизирована, — в этом сказывалось влияние церковной музыки, разновидностей ритма (ритмических модусов) было всего 6, и каждый из них имел строго образное содержание

Труверы, трубадуры и миннезингеры, играющие куртуазную рыцарскую музыку, создали свои оригинальные жанры:

- - «Ткацкие» и «майские» песни
  - Рондо — форма на основе повторяющегося рефрена
  - Баллада — текстомузыкальная песенная форма
  - Виреле — старофранцузская стихотворная форма с трёхстрочной строфой (третья строка укорочена), одинаковой рифмовкой и с припевом
  - Героический эпос («Песнь о Роланде», «Песнь о Нибелунгах»)
  - Песни крестоносцев (песни Палестины)
  - Канцона (у миннезингеров назывались — альба) — любовная, лирическая песня

Благодаря развитию городской культуры в X — XI вв. светское искусство стало развиваться активней. Странствующие музыканты все чаще выбирают оседлый стиль жизнь, заселяют целые городские кварталы.

Интересно, что бродячие музыканты к XII — XIII вв. возвращаются к духовной тематике. Переход от латыни к местным языкам и огромная популярность этих исполнителей позволила им принимать участие в духовных представлениях в соборах Страсбурга, Руана, Реймса. Камбре. Со временем некоторые странствующие музыканты получили право на организацию спектаклей в замках знати и при дворах Франции, Англии, Сицилии и других стран.

К XII — XIII векам среди бродячих музыкантов появляются беглые монахи, странствующие школяры, выходцы из низших слоев духовенства – ваганты и голиарды.

Оседлые музыканты образуют в средневековых городах целые музыкальные цеха — «Братство святого Жюльена» (Париж, 1321 г.), «Братство святого Николая» (Вена, 1288 г.). Целями этих объединений были защита прав музыкантов, сохранение и передача профессиональных традиций.

В XIII — XVI вв. формируются новые жанры, которые далее развиваются уже в эпоху Ars Nova:

- - Мотет (от франц. – «слово») — многоголосный жанр, отличается мелодическим несходством голосов, интонировавших одновременно разные тексты, иногда даже на разных языках, мог быть как светского содержания, так и духовного
  - Мадригал (от итал. – «песня на родном языке», т.е. итальянском) — любовно-лирические, пасторальные песни,
  - Качча (от итал. – «охота») — вокальная пьеса на тему охоты.

Светская музыка трубадуров и профессиональных композиторов.

Дополнительная информация:

В наш информационный век, век высоких технологий мы часто забываем о непреходящих духовных ценностях. Одной из таких ценностей является классическая музыка – духовное наследие наших предков. Что же такое классическая музыка, зачем она нужна современному человеку? Почему многие считают, что это очень скучно? Попробуем разобраться в этих непростых вопросах.Часто можно услышать мнение, что классическая музыка – это якобы та, которая была давным-давно написана. Это не так, так как под этим понятием подразумевается всё то лучшее, что было создано в мире музыки за всё время существования человеческой цивилизации. Соната Бетховена, созданная в XVIII веке, и романс Свиридова, написанный 40 лет назад, – всё это классика! Главное, что эта музыка прошла испытание временем. И во времена Бетховена, и сейчас есть дельцы от искусства, производящие низкопробный музыкальный продукт. Этот продукт очень быстро портится, а подлинное искусство с каждым днём становится всё прекраснее и прекраснее.

Появление нот

Письменность, великое изобретение человечества, позволило накапливать и передавать грядущим поколениям мысли, идеи и впечатления. Другое изобретение, не менее великое, нотная запись, позволило передавать потомкам звуки, музыку. До нот в европейской музыке использовались особые знаки - невмы.

Изобретатель современной системы нотной записи – бенедиктинский монах Гвидо Аретинский (Гвидо д’Ареццо) (990-1050). Ареццо – небольшой городок в Тоскане, неподалеку от Флоренции. В здешнем монастыре брат Гвидо обучал певчих исполнению церковных песнопений. Дело это было нелегким и долгим. Все знания и умения передавались устно в непосредственном общении. Певчие под руководством преподавателя и с его голоса последовательно разучивали каждый гимн и каждое песнопение католической мессы. Поэтому полный «курс обучения» занимал около 10 лет.

Гвидо Ареттинский начал отмечать звуки нотами (от латинского слова nota – знак). Ноты, заштрихованные квадратики, размещались на нотном стане, состоящем из четырех параллельных линий. Сейчас этих линий пять, и ноты изображают кружочками, но принцип, введенный Гвидо, остался без изменений. Более высокие ноты изображаются на более высокой линейке. Нот семь, они образуют октаву.

Каждой из семи нот октавы Гвидо дал название: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Это – первые слоги гимна св. Иоанну. Каждая строка этого гимна поется на тон выше предыдущей.

Ноты следующей октавы называются так же, но поются более высоким или более низким голосом. При переходе от одной октавы к другой частота звука, обозначаемого одной и той же нотой, увеличивается или уменьшается вдвое. Например, музыкальные инструменты настраивают по ноте ля первой октавы. Этой ноте соответствует частота 440 Гц. Ноте ля следующей, второй, октавы будет соответствовать частота 880 Гц.

Названия всех нот, кроме первой, заканчиваются на гласный звук, их удобно петь. Слог ut – закрытый и пропеть его подобно прочим невозможно. Поэтому название первой ноты октавы, ut, в шестнадцатом веке заменили на do (скорее всего, от латинского слова Dominus – Господь). Последняя нота октавы, si – сокращение двух слов последней строки гимна, Sancte Ioannes. В англоязычных странах название ноты «си» заменили на «ти», чтобы не путать с буквой С, также используемой в нотной записи.

Изобретя ноты, Гвидо обучил певчих этой своеобразной азбуке, а также научил их петь по нотам. То есть тому, что в современных музыкальных школах называется сольфеджио. Теперь достаточно было записать нотами всю мессу, и певчие могли уже сами пропеть нужную мелодию. Отпала необходимость учить каждого каждой песне лично. Гвидо должен был только контролировать процесс. Время обучения певчих сократилось в пять раз. Вместо десяти лет – два года.!

Мемориальная доска в Ареццо на улице Рикасолли на доме, в котором родился Гвидо. На ней изображены квадратные ноты.

Надо сказать, что монах Гвидо из Ареццо был не первым, кто придумал записывать музыку при помощи знаков. До него в Западной Европе уже существовала система невмов (от греческого слова «пневмо» – дыхание), значков, проставляемых над текстом псалмов, чтобы обозначить подъем или понижение тона песни. На Руси для той же цели употребляли собственную систему «крюков» или «знамен».

Квадратные ноты Гвидо Аретинского, размещаемые на четырех линиях нотного стана, оказались самой простой и удобной системой записи музыки. Благодаря ей нотная грамота распространилась по всему миру. Музыка покинула пределы церкви и ушла сперва во дворцы владык и вельмож, а потом в театры, концертные залы и на городские площади, став всеобщим достоянием.

Что такое лад.

Лады - один из центральных терминов в теории музыки. Понимание, как они строятся, и умелое их использование открывают перед музыкантом неограниченные возможности. И часто объяснить, как именно создаётся интересный переход в той или иной композиции, невозможно - если человек не понимает, что такое лад. Но есть загвоздка: термин «лад» сами музыканты употребляют, зачастую имея в виду совсем не одно и то же. Почему так? И что вообще такое - лад? Путаница получилась оттого, что в это слово в разные эпохи вкладывали очень разный смысл.

Мы не осознаем насколько наше восприятие воспитано и завязано на классической музыке. (Тогда как понятие «современная музыка» - это отход от классических принципов). Эпоха классицизма - большой исторический слом в человеческом восприятии мира. После Средних веков люди открывают для себя античное искусство и очаровываются им. Любое произведение классицизма строится на строгих канонах, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Классицизм создал структурную упорядоченность - чёткую иерархию высшего и низшего, главного и второстепенного, центрального и подчинённого. Поэтому, например, начиная с венской классики и романтической музыки мы мыслим в системе - «мажор-минор». Что это такое и как влияет на наше восприятие?

Мажор и минор - это тональные лады. Тональный лад - это определенная система взаимоотношений между тонами. Что это значит? Что такое тон? Попробуем разобраться. Предположим, перед вами пианино: посмотрите на клавиатуру: привычное нам до-ре-ми-фа-соль-ля-си, 7 белых клавиш и между ними ещё 5 чёрных, всего 12. Расстояние между каждыми двумя из них составляет полутон. Между соседней черной и белой - всегда полутон. Между соседними белыми - тон (есть исключения ми-фа, и си-до - это полутона).

Любой набор из тонов и полутонов - это звукоряд. В эпоху классицизма его стали строить со строгим подчинением всех тонов тонике - основному тону. Таков мажорный или минорный лад. Вся тональная музыка (вся классика) строится именно на взаимоотношениях между главными и подчиненными созвучиями. На слух мы интуитивно различаем мажор и минор по тому, как они окрашены - «радостно» или «печально». Переменный лад - это когда в одном произведении одновременно есть и мажорные, и минорные черты. Но принцип у них общий - тональный.

Однако этот принцип - не единственно возможный. До эпохи классицизма, когда все окончательно упорядочили в стройную систему тональностей, музыкальное мышление было другим. Ионийский, дорийский, фригийский, лидийский, миксолидийский, эолийский, локрийский… Это - октавные лады греков. А еще были церковные лады григорианской музыки. Всё это - модальные лады. В них сочиняли музыку в античности, Средневековье, модальна восточная музыкальная традиция (индийские раги или арабский макам, например). В музыке Европы эпохи Возрождения тоже преобладала модальность.

В чём главное отличие от привычного нам тонального взгляда? В тональных ладах существует строгое разграничение функций основных созвучий и аккордов, а в модальной музыке они гораздо более размыты. Для модального лада важен сам звукоряд в целом - и те значения и краски, которые он может привнести в музыку. Именно поэтому мы легко на слух отличаем индийскую музыку от средневековых хоралов - по определенным созвучиям и музыкальным ходам.

К XX веке композиторы, кажется, перепробовали все варианты звучания в рамках тональной музыки. «Мне скучно, бес!», - сказали они и в поисках новых красок обратились к старому - модальным оборотам и ходам. Так возникла новая модальность. В современной музыке появились новые лады - например, блюзовый. Более того, возник особый жанр - модальный джаз. Майлз Дэвис, например, называл модальную музыку «отклонением от нормальной гаммы из семи нот, где каждая нота как бы не в фокусе». И говорил, что «идя в этом направлении, ты идешь в бесконечность». Суть в том, что тональный и модальный принципы вовсе не исключают друг друга. В одной пьесе их признаки могут смешиваться. Модальность - это как бы еще один слой, который накладывается на привычный нам «мажор/минор». И использование различных модальных ладов меняет окрас музыки: например, обороты фригийского лада мрачноваты, потому что его звукоряд в основном составляют пониженные ступени. Зная такие ладовые особенности, можно добиться интересного звучания, если вы пишете музыку.

Окрас, настрой, характер - вот те признаки лада, которые мы слышим, но зачастую не осознаем этого. Часто в песнях нас цепляют именно модальные обороты - потому что они необычны. Слух, воспитанный на классической музыке, торкает этот отход от повседневности. Всё это и многое другое открывается, когда понимаешь язык музыки.