Великие композиторы мира. Композиторы Отечественные композиторы 20 века

6. (1872 - 1915)

Александр Николаевич Скрябин - русский композитор и пианист, одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры. Самобытное и глубоко поэтичное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве, связанных с изменениями в общественной жизни на рубеже 20-го века.
Родился в Москве, мать умерла рано, отец не мог уделять внимание сыну, так как служил послом в Персии. Скрябин воспитывался тетей и дедом, с детства проявил музыкальные способности. В начале учился в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов. После окончания консерватории Скрябин полностью посвятил себя музыке - как концертирующий пианист-композитр гастролировал в Европе и России, проводя большую часть времени за границей.
Пиком композиторского творчества Скрябина стали 1903-1908 годы, когда вышли Третья симфония ("Божественная поэма"), симфоническая "Поэма экстаза", "Трагическая" и "Сатаническая" фортепианные поэмы, 4 и 5 сонаты и другие произведения. "Поэма экстаза", состоящая из нескольких тем-образов, сконцентрировала творческие идеи Срябина и является ярким его шедевром. В ней гармонично соединились любовь композитора к мощи большого оркестра и лирическое, воздушное звучание сольных инструментов. Воплощенная в "Поэме экстаза" колоссальная жизненная энергия, огненная страстность, волевая мощь производит неотразимое впечатление на слушателя и до сегодняшнего дня сохраняет силу своего воздействия.
Ещё одним шедевром Скрябина является "Прометей" ("Поэма огня"), в которой автор полностью обновил свой гармонический язык, отступив от традиционной тональной системы, а также впервые в истории это произведение должна была сопровождать цветомузыка, но премьера, по техническим причинам, прошла без световых эфектов.
Последняя незаконченая "Мистерия" была замыслом Скрябина, мечтателя, романтика, философа, обратиться ко всему человечеству и вдохновить его на создание нового фантастического миропорядка, соединение Вселенского Духа с Материей.

Цитата А.Н.Скрябина: "Иду сказать им (людям) - чтобы они... ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать... Иду сказать им, что горевать - не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его."

Цитата о А.Н.Скрябине: "Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим". Г. В. Плеханов

А.Н.Скрябин "Прометей"

7. (1873 - 1943)

Сергей Васильевич Рахманинов - крупнейший мировой композитор начала 20-го века, талантливый пианист и дирижер. Творческий образ Рахманинова-композитора часто определяют эпитетом "самый русский композитор", подчеркивая в этой краткой формулировке его заслуги в объединении музыкальных традиций Московской и Петербургской композиторских школ и в создании собственного уникального стиля, особняком выделяющегося в мировой музыкальной культуре.
Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Быстро стал известен как дирижёр и пианист, сочинял музыку. Провальная премьера новаторской Первой симфонии (1897) в Петербурге вызвала творческий композиторский кризис, из которого Рахманинов вышел в начале 1900-х со сформировавшимся стилем, объединившим русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм, - и всё это насыщено сложной символикой. В этот творческий период рождаются лучшие его произведения, среди которых 2 и 3 фортепианные концерты, Вторая симфония и его самое любимое произведение - поэма "Колокола" для хора, солистов и оркестра.
В 1917 году был вынужден покинуть нашу страну и осесть в США. Почти десять лет после отъезда ничего не сочинял, но много гастролировал в Америке и Европе и был признан одним из величайших пианистов эпохи и крупнейшим дирижером. За всей бурной деятельностью, Рахманинов оставался ранимым и неуверенным человеком, стремящимся к уединению и даже одиночеству, избегающим назойливого внимания публики. Искренне любил и тосковал по родине, думая не совершил ли он ошибку, покинув её. Он постоянно интересовался всеми событиями происходящими в России, читал книги, газеты и журналы, помогал материально. Его последнии сочинения - Симфония № 3 (1937) и "Симфонические танцы" (1940) стали итогом творческого пути, вобрав в себя все лучшее его уникального стиля и скорбное чувство невосполнимой утраты и тоски по родине.

Цитата С.В.Рахманинова:
"Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире."
"Самое высокое качество всякого искусства - это его искренность."
"Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия - это музыка, главная основа всей музыки... Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, - главная жизненная цель композитора.... По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран."

Цитата о С.В.Рахманинове:
"Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото - в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека." И.Гофман
"Музыка Рахманинова - это Океан. Его волны - музыкальные - начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают... что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание." А.Кончаловский

Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.

С.В.Рахманинов. Концерт для фортепиано с оркестром № 2

8. (1882-1971)
Игорь Фёдорович Стравинский - один из самых влиятельных мировых композиторов 20-го века, лидер неоклассицизма. Стравинский стал "зеркалом" музыкальной эпохи, в его творчестве отражена множественность стилей, постоянно пересекающихся и трудно поддающихся классификации. Он свободно комбинирует жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.
Родился близ Санкт-Петербурга, учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, самостоятельно изучал музыкальные дисциплины, брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова, это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской техникой. Профессионально сочинять он начал относительно поздно, но взлёт был стремительным - серия трёх балетов: "Жар-птица" (1910), "Петрушка" (1911) и "Весна священная" (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины.
В 1914 покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были гастроли в СССР). , вынуждено сменив несколько стран - Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США. Его творчество разделяют на три периода - "русский", "неоклассический", американский "серийного производства", периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому "почерку".
Стравинский был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели.
Последнее высшее достижение Стравинского - "Реквием" (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера.
В творчестве Ставинского выделяется одна уникальная черта - "неповторяемость", недаром его называли "композитором тысячи одного стиля", постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета - каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни.

Цитата И.Ф.Стравинского: "Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе"

Цитата о И.Ф.Стравинском: "Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного... " Д.Шостакович

Интересный факт (байка):
Однажды в Нью-Йорке, Стравинский взял такси и с удивлением прочитал на табличке свою фамилию.
- Вы не родственник композитора? - спросил он у шофера.
- Разве есть композитор с такой фамилией? - удивился шофер. - Впервые слышу. Впрочем, Стравинский - фамилия владельца такси. Я же не имею ничего общего с музыкой - моя фамилия Россини...

И.Ф.Стравинский. Сюита "Жар-птица"

9. (1891—1953)

Сергей Сергеевич Прокофьев - один из крупнейших русских композиторов 20-го века, пианист, дирижер.
Родился в Донецкой области, с детства приобщился к музыке. Прокофьева можно считать одним из немногих (если не единственным) русских музыкальных "вундеркиндов", с 5 лет занимался композированием, в 9 лет написал две оперы (конечно, эти произведения ещё незрелые, но показывают стремление к созиданию), в 13 лет сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию, среди его учителей был . Начало профессиональной карьеры вызвало бурю критики и непонимание его индивидуального принципиально антиромантического и крайне модернистского стиля, парадокс в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна и впоследствии стала сдерживающей силой модернистского всеотрицающего скептицизма. С самого начала карьеры Прокофьев много выступал и гастролировал. В 1918 году он выехал в международное турне, в том числе приезжал в СССР, окончательно вернулся на родину в 1936 году.
Страна изменилась и "свободное" творчество Прокофьева вынуждено уступило реалиям новых требований. Талант Прокофьева расцвел с новой силой - он пишет оперы, балеты, музыку к кинофильмам - острая, волевая, предельно точная музыка с новыми образами и идеями, заложила фундамент советской классической музыки и оперы. В 1948 году произошли почти одновременно три трагических события: по подозрению в шпионаже была арестована и сослана в лагеря его первая жена-испанка; вышло Постановление Полибюро ЦК ВКП(б) в котором Прокофьев, Шостакович и другие подверглись нападкам и обвинениям в "формализме" и вреде их музыки; произошло резкое ухудшение здоровья композитора, он удалился на дачу и практически не покидал её, но продолжал сочинять.
Одними из ярких произведений советского периода стали оперы "Война и мир", "Повесть о настоящем человеке"; балеты "Ромео и Джульетта", "Золушка", ставшие новым эталоном мировой балетной музыки; "На страже мира"; музыка к фильмам "Александр Невский" и "Иван Грозный"; симфонии № 5,6,7; фортепианные работы.
Творчество Прокофьева поражает многогранностью и широтой тематики, самобытность его музыкального мышления, свежесть и своеобразие составили целую эпоху в мировой музыкальной культуре 20 века и оказали мощное воздействие на многих советских и зарубежных композиторов.

Цитата С.С.Прокофьева:
"Может ли художник стоять в стороне от жизни?.. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своём искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…"
"Я - проявление жизни, которая дает мне силы сопротивляться всему недуховному"

Цитата о С.С.Прокофьеве: "... все грани его музыки прекрасны. Но есть здесь одна совершенно необычная вещь. У нас у всех, видимо, бывают какие-то неудачи, сомнения, просто плохое настроение. И вот в такие минуты, даже если я не играю и не слушаю Прокофьева, а просто думаю о нем, я получаю невероятный заряд энергии, испытываю огромное желание жить, действовать» Е.Кисин

Интересный факт: Прокофьев очень любил шахматы, и обогатил игру своими идеями и достижениями, среди которых изобретённые им "девятерные" шахматы - доска 24х24 поля с расставленными на ней девятью комплектами фигур.

С.С.Прокофьев. Концерт № 3 для фортепиано с оркестром

10. Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 - 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович - один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире, его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения - это истинные выражения внутренней человеческой драмы и летописи тяжёлых событий 20-го века, где глубоко личное переплетается с трагедией человека и человечества, c судьбой родной страны.
Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом - так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром. Уже в начале 20-х, к окончанию консерватории, Шостакович имел багаж собственных произведений и встал в число лучших композиторов страны. Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в в 1927 году.
До определённого периода, а именно до постановки оперы "Леди Макбет Мценского уезда", Шостакович творил как свободный художник - "авангардист", экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях навязывания государством направлений в искусстве. В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.
Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах именно симфонии (15 работ) занимают центральное место, самыми драматически насышенными являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки. Совсем другой Шостакович открывается в камерной музыке.
Несмотря на то, что сам Шостакович был "домашним" композитором и практически не выезжал за рубеж, его гуманистическая по сути и истинно художественная по форме музыка быстро и широко распространялась в мире, исполнялась лучшими дирижерами. Величина таланта Шостаковича столь необъятна, что полное постижение этого уникального явления мирового искусства ещё впереди.

Цитата Д.Д.Шостаковича: "Настоящая музыка способна выражать только гуманные чувства, только передовые гуманные идеи."

Д.Шостакович. Симфония №7 "Ленинградская"

Д.Шостакович. Вальс № 2

Emtext-align: justifynbsp; title=

Слайд 8

Дмитрий Дмитриевич Шостакович

Д. Шостакович страдал своеобразной болезнью - отмиранием мышц. На свадьбе сына 20 октября 1960 года он вышел на лестничную площадку и неожиданно упал: отказали ноги. При падении он сломал ногу, пришлось вызывать «скорую» и прямо с праздника везти его в больницу. Но и там Шостакович не прекращал работать: он писал по памяти, без рояля. Восьмой квартет, посвященный памяти жертв фашизма, Шостакович написал очень быстро, за три дня, отразив в нем все важнейшие события своей жизни. В произведении он использовал музыку Первой симфонии, оперы «Леди Макбет Мценского уезда», Второго трио памяти И. Соллертинского, а также музыку Десятой симфонии, написанной сразу после смерти Сталина в 1953 году, и Первого виолончельного концерта 1959 года, посвященного М. Ростроповичу. Д. Шостакович прибег в квартете к мелодии своей музыкальной монограммы D - S - С - Н, что обозначает ноты «ре - ми-бемоль - до - си», в качестве связки между фрагментами квартета, которые представляли собой цитаты из ранних его произведений

20-09-2006

Коль скоро я оказался ^примкнувшим^ к восхитительному альманаху ЛЕБЕДЬ не с самого начала его появления в интернете, a пять лет спустя, то ненароком заинтересовался статьями на музыкальные темы, помещенными до моего пришествия. Меня заинтересовала статья Дмитрия Горбатова о Шостаковиче в 194 номере альманаха.

Написанное в статье о Шостаковиче мною было воспринято нормально, а неотнесение его к величайшим композиторам ХХ века, как и объяснения автора по этому поводу, отторжения не вызвали.

Но в приложении 1 к статье помещен список величайших композиторов ХХ века, который вызвал мое удивление и заставил смеяться до коликов. При этом не только меня одного, но также и моего друга, профессионального музыканта и композитора.

Из статьи Д. Горбатова

Список величайших композиторов ХХ-го века основным критерием причисления того или иного композитора к числу величайших в столетии является его общепризнанное и глубокое новаторство в какой-либо из сфер музыкального языка . (Приведенный в приложении 2 Список композиторов - национальных гениев ХХ-го века – в данной статье не рассматривается - Я.Р.). Чарльз Айвз (1874–1954) США Эдгар Варез (1883–1965) США Джон Кейдж (1912–1992) США Янис Ксенакис (р.1922) Франция Дьёрдь Лигети (1923–2006) Австрия Модест Мусоргский (1839–1881) * Россия Луиджи Ноно (1924–1990) Италия Стив Райх (р.1936) США

Одного взгляда на список оказалось достаточно, чтобы заметить не соответствующий списку заголовок. Дело в том, что нам известны имена композиторов, которые являются величайшими. А определение величайший , т.е. самый великий, не может быть привязано к какому-то веку. Бах, Моцарт, Бетховен были и остались величайшими композиторами, но жили в разные века. Поэтому любой композитор позднего времени, чтобы быть названным ^величайшим^, должен обладать достоинствами, которые позволили бы ему стать в один ряд с названными композиторами. И разного рода композиторам-пигмеям ХХ века, нашедшим или открывшим что-то ^новое^ в Музыке, но не совершившими в ней переворота, а лишь где-то оставившими следы (порой грязные) величайшими называть абсолютно неправомочно и несправедливо.

В приведенном списке ни один из названных композиторов на звание величайшего не тянет, поэтому с каждым из них нужно разобраться и присвоить соответствующий статус, начиная от великого и ниже.

Но прежде, чем заняться этим интересным делом, попробуем разобраться с русским композитором Модестом Мусоргским, за какие-то особые достоинства перенесенным автором из Х1Х в ХХ век с присвоением статуса величайшего композитора ХХ века.

Начиная с 1908 года на Западе на протяжении почти четверти века в ведущих оперных театрах многих стран давались спектакли “Бориса Годунова” Модеста Мусоргского с участием великого Шаляпина в роли царя Бориса. Слабая оркестровка самого композитора была неудачной и опера исполнялась в блестящей оркестровке композитора Николая Римского-Корсакова. Успех оперы везде и всегда был огромным. А когда опера в некоторых оперных театрах шла также в роскошных декорациях, то был фурор.

В советское послешаляпинское время также были великолепные спектакли “Бориса Годунова” в Большом театре с Александром Пироговым в главной роли и Иваном Козловским в роли Юродивого.

Но вдруг в каких-то музыкальных сферах стараниями интриганов и спекулянтов начались охаивания прекрасной оркестровки Римского-Корсакова, и какие-то пигмеи-композиторы стали предлагать свои варианты. При этом стали обвинять Римского-Корсакова, что своей оркестровкой он выхолостил прекрасную музыку Мусогского: музыку, лучше которой якобы ничего нет в русской музыке.

В первых рядах, конечно, оказался Шостакович, который сделал даже две оркестровки “Бориса Годунова”.

Oн сунулся к “Борису” с оркестровкой –
Кощунственной совковой перестройкой
И покалечил оперу изрядно,
На музыку надев оковы рядно.

Время прошло, и во многом разобрались. И только оперные деятели–ослы могут позволить себе обратиться при очередной постановке Бориса” к редакции Шостаковича. Даже Ростроповичу, при всей его знаменитости, вряд ли бы удалось протолкнуть подобное.

Теперь же об истинном величии Мусоргского как русского композитора.

Предлагаю свою собственную версию.

Вне всякого сомнения, великий, русский композитор Модест Мусоргский не превосходит ни Глинку, ни Даргомыжского, ни Римского-Корсакова, ни Чайковского, ни Рахманинова. А Чайковскому, на мой взгляд, он значительно уступает.

За музыку в операх “Борис Годунов” и “Хованщина” eго не следует считать новатором . В этих операх, как станет понятным из дальнейших рассуждений, Мусоргский показал себя выдающимся и добротным компилятором.

Мусоргский хорошо знал новаторскую оперу Александра Даргомыжского “Каменный гость”, и когда композитор ее сочинял, он активно участвовал как певец. Он также знал оперу Верди “Трубадур”, чему есть свидетельство Н. Римского-Корсакова в его книге “Летопись моей музыкальной жизни”. Следует полагать, что и опера “Риголетто” была Мусоргскому известна.

Весьма длительное знакомство (50 лет) и частое слушание оперы “Борис Годунов” натолкнуло меня на мысль, что отменные годуновские речитативы – это творческий художественный русско-итальянский сплав речитативных стилей “Каменного гостя” и

“Риголетто”. Taк следы монолога Риголетто Pari siamo при внимательном многократном прослушивании речитативов Бориса можно обнаружить на всем протяжении оперы, начиная с монолога Бориса “Достиг я высшей власти”.

Обратившись с подобным анализом к следующей опере Мусоргского Хованщине”, можно заметить значительный отход композитора от музыкального строения “Бориса Годунова” в сторону большей ариозности вокальной плоти. При этом некоторые арии, монологи и даже отдельные фрагменты еще более, нежели в “Борисе Годунове”, имеют сходство с некоторыми ариями из вердиевского Трубадура”. Так например, ария (^гаданье^) Марфы в первой части напоминает арию Азучены Stride la vampa, а в кантилене (^тебе угрожает опала^) по строению близка к соло Азучены в последнем акте Si; la stanchezza mopprime; а мелодия арии Шакловитого ^…ты в судьбине злосчастная, родная Русь^ близка к мелодии арии Манрико Ah! Si, ben mio.

Но оказывается не я один такой умный: в советском либретто с полным текстом “Хованщины”, изданным в 1929 году (с вводной статьей и примечаниями Сергея Бугославского), есть две любопытные пометки. Одна - перед текстом кантилены из ^гадания^ Марфы: ^широкая скорбная мелодия в русско-итальянском стиле^, а другая – сноска, относящаяся к тексту арии Шакловитого: ^Ария итальяно-русского склада в манере Глинки периода “Ивана Сусанина”^.

Ко всему написанному можно также добавить, что Мусоргский так навострился сочинять фразы с мелодиями в итальянском стиле, что соло Марфы в скиту (обращение к Андрею Хованскому): ^Слышал ли ты вдали, за этим бором^ - блестящий образчик итальянского речитатива, который вполне мог бы органично вписаться в партию Азучены в “Трубадуре”.

В связи с вышеизложенной моей версией феномена Мусоргского, я напрочь отвергаю утверждение автора статьи о том, что Музыкальная наука и эстетика во многом обоснованно относят творчество М.П. Мусоргского к ХХ-му веку. а также все авторские доводы по этому поводу, изложенные в статье.

На мой взгляд, в советском музыковедении в какой-то момент сложилось патологически нездоровое отношение к великому русскому композитору Мусоргскому с приписыванием ему каких-то особых музыкальных заслуг и новаторского таланта, каковых у него не было. Согласно утверждениям Д. Горбатова, некоторые музыковеды даже ^находили^ следы творчества Мусоргского в операх Верди и в музыке Хиндемита, которые уж никак не могли нуждаться ни в каких заимствованиях.

Анализ музыки “Хованщины” показывает, что в ней композитор резко отклонился от речитативного стиля построения монологов “Бориса Годунова”, который удачно подошел к пушкинскому тексту. Наверное, Мусоргский почувствовал нецелесообразность повторений.

А это подтверждает отсутствие новаторского принципа композиции, при овладени которым нет надобности в кардинальных переменах при переходе к следующему сочинению такого же профиля и масштаба.

Интересное определение, подчеркивающее отличие “Хованщины от “Бориса Годунова” имеется в упомянутой вводной статье С. Бугославского к либретто оперы: ^ “Хованщина” по своей музыкальной конструкции является не ^музыкальной драмой^, а оперой в старом смысле: здесь господствует мелодическое, точнее, песенное начало…^. Такой композиторский ^шаг назад^ также опровергает попытки представить Мусоргского как композитора-новатора, перешагнувшего из девятнадцатого в двадцатый век.

Я буду приветствовать тех музыкальных деятелей, которые в состоянии будут готовы согласиться с моей версией, в которой содержится также призыв отказаться от выдумок, касающихся прошлого русской музыки, и несуразных попыток извращения реальных культутных ценностей, по аналогии с попытками представления России как родины слонов.

И в соответствии с этим, признания огромного и гениального труда великого русского композитора Николая Римского-Корсакова, как ЕДИНСТВЕННО необходимого для опер Модеста Мусоргского, и не подлежащего более ничьему ^творческо^-жульническому вмешательству.

На основании изложенного я позволю себе исключить Мусоргского из списка композиторов ХХ века. Но при этом позволю себе заметить, что в девятнадцатом веке все-таки творил композитор, и притом величайший, который при необходимости(?) был бы достоин больше, чем любой другой, со всеми своими сочинениями находиться среди композиторов ХХ века. Это Рихард Вагнер.

Теперь я позволю себе рассмотреть список оставшихся 18-ти ^величайших^ композиторов ХХ века в целях установления уровня их разумного величия: от великого и ниже. Попробую оценить уровень соответствия каждого из этих композиторов одному из трех значений: великий, особо выдающийся и выдающийся.

На мой взгляд, при установлении уровня величия любого композитора нельзя игнорировать его популярность среди любителей классической музыки. При этом следует быть уверенным, что популярность композитора не является искусственной, дутой, сродни шостаковической, которая несомненно в течение ХХ1века постепенно будет затухать. Для истинно великих композиторов популярность в веках должна только возрастать.

Великие композиторы ХХ века

• Бела Барток (1881–1945) Венгрия
• Бенджамин Бриттен (1913-1976) Англия
• Клод Дебюсси (1862–1918) Франция
• Морис Равель (1875-1937) Франция
• Александр Скрябин (1871–1915) Россия
• Игорь Стравинский (1882–1971) Россия
• Арнольд Шёнберг (1874–1951) Австрия
• Рихард Штраус (1864-1949) Германия

(Я позволил себе добавить имена трех великих композиторов, пропущенных Д. Гобатовым, вероятно, по причине нецелесообрязности их отнесения к ^величайшим^).

Особо выдающиеся композиторы ХХ века

• Чарльз Айвз (1874–1954) США
• Альбан Берг (1885–1935) Австрия
• Антон Веберн (1883–1945) Австрия
• Пауль Хиндемит (1895–1963) Германия

(Здесь я решил не расширять список, хотя мне бы хотелось добавить к ним имя Ханса Пфицнера).

Эти композиторы, которых я назвал особо выдающимися , на мой взгляд, не могут называться великими только из-за недостаточной популярности. Можно ли считать и называть композиторов великими, когда основная масса любителей классической музыки не знает ни их имен ни их сочинений.

Выдающиеся композиторы ХХ века

• Витольд Лютославский (1913–1994) Польша
• Оливье Мессиан (1908–1992) Франция
• Сергей Прокофьев (1891–1953) Россия

(Здесь я решил ограничиться именами из списка Д. Горбатова, хотя вполне можно было бы добавить еще 2-3 десятка имен).

Музыка Витольда Лютославского является добротной, хотя особой оригинальностью не блещет (чувствуется влияние иногда Дебюсси, иногда Бартока или Стравинского).

Специально для Фишера-Дискау им был написан концерт для баритона с оркестром.

Оливье Мессиан – воспитатель ^творцов^ антимузыки (Ксенакис, Штокхаузен, Булез), - был высокоодаренным музыкантом и изобретателем новых технологических систем звуковой материи. Его музыкальные сочинения, в основном, религиозного характера, являются специфическими и весьма популярны во Франции. Для неискушенных любителей классики слушание музыки Мессиана тяжкое занятие. В его опере-орaтории “Св. Франциск Азисский” записался Фишер-Дискау.

Плодовитый русско-советский композитор Сергей Прокофьев, наряду с человеческими симфониями, фортепианными концертами и пьесами, сочинил много, на мой взгляд, бесцветной, раздражающей и антивокальной музыки (оперы “Огненный ангел”, “Семен Котко”, “Игрок” и Классическая симфония), а также теперь уже никому не нужной советской политизированной музыкальной дребедени.

Теперь об оставшихся в горбатовском списке композиторах, являющихся авангардистами:

Эдгарe Варезe, который ^обновлял^ музыкальный язык с помощью современной производственной техники и музыкальных шумов;

Джонe Кейджe, создававшем звуковую анархию;

Янисе Ксенакисе, использовавшего. приемы алеаторики, абстрактного характера звуковых комбинаций (его музыка предназначалась для необычного инструментального состава и магнитофонов);

Дьёрде Лигети, экспериментировавшего в сфере музыкально-инструментального ^театра абсурда^;

Луиджи Ноно, использовавшего серийную технику и алеаторику;

Стиве Райхе, композиторе-минималисте, ^создававшего^ музыку с помощью двух магнитофонов, включавшихся неодновременно - следует ли их вообще относить к каким-либо группам настоящих композиторов ХХ века? (Алеаторика - это принцип случайности в процессе ^творчества^ и исполнительства).

В 1951 Кейдж организовал в Нью-Йорке концерты, в которых использовались 12 радиоприемников, настроеенных на 12 различных радиостанций.

Стравинский назвал композиторов-алеаториков ^ходячими врагами искусства^.

Это- очень правильное замечание, согласно которому их, надо полагать, не следует ни считать, ни квалифицировать композиторами ХХ века.

Заканчивая статью, мне бы хотелось обратить внимание читателей на одно существенное обстоятельство: составляя список ^величайших^ композиторов ХХ века, Д. Горбатов почему-то пропустил имя единственного настоящего величайшего композитора этого века: Джакомо Пуччини (1858-1924).

Джакомо Пуччини – это, безусловно, самый великий из всех композиторов ХХ века.

Пуччини – новатор. Его высокохудожественный принцип органического слияния звучания оркестра и голосов до него не был достигнут ни одним композитором.

Пуччини – величайший мелодист ХХ века. Он - компзитор самых красивых мелодий столетия.

Пуччини – создатель самых популярных опер ХХ века, и его оперы будут доствлять радость людям всегда. Его “Тоска” - самая популярная опера среди всех опер, ставящихся крупнейшими оперными театрами мира.

Пуччини – настоящий композитор XX века, а квартет из Богемы” и терцеты из “Турандота”- это гармонические шедевры музыки ХХ века.

Пуччини – композитор самых красивых ансамблей в своих операх.

Пуччини лучше любого из всех иностранных композиторов сумел ухватить национальный колорит и создать яркую музыку в опере “Мадам Баттерфляй” (в благодарность за ее создание в Японии в честь композитора воздвигнут памятник) и свою, типично пуччиниевскую, но абсолютно американскую country music в опере “Девушка с Запада”.

Мелодии и песни русского народа вдохновляли творчество известных композиторов второй половины XIX века. Среди них были П.И. Чайковский, М.П. Мусоргский, М.И. Глинка и А.П. Бородин. Их традиции были продолжены целой плеядой выдающихся музыкальных деятелей. Русскиекомпозиторы 20 века по-прежнему популярны .

Александр Николаевич Скрябин

Творчество А.Н. Скрябина (1872 – 1915 гг.), русского композитора и талантливого пианиста, педагога, новатора никого не может оставить равнодушным. В его самобытной и импульсивной музыке порой слышны мистические моменты. Композитора притягивает и влечет образ огня. Даже в названиях своих произведений Скрябин часто повторяет такие слова, как огонь и свет. Он пытался найти возможность объединения в своих произведениях звука и света.

Отец композитора - Николай Александрович Скрябин, был известным русским дипломатом, действительным статским советником. Мать - Любовь Петровна Скрябина (в девичестве Щетинина), слыла очень талантливой пианисткой. Она с отличием окончила Санкт-Петербургскую консерваторию. Ее профессиональная деятельность началась успешно, но вскоре после рождения сына она умерла от чахотки. В 1878 г. Николай Александрович закончил учебу и получил назначение в русское посольство в Константинополе. Воспитание будущего композитора продолжили его близкие родственники - бабушка Елизавета Ивановна, ее сестра Мария Ивановна и сестра отца Любовь Александровна.

Несмотря на то, что в пять лет Скрябин освоил игру на пианино, а немного позже начал заниматься музыкальными композициями, согласно семейной традиции, получил военное образование. Он закончил 2-й Московский кадетский корпус. Параллельно брал частные уроки по классу фортепиано и теории музыки. Позже он поступил в Московскую консерваторию и закончил ее с малой золотой медалью.

В начале своей творческой деятельности Скрябин сознательно следовал Шопену, выбирал те же жанры. Однако даже в то время уже проявился его собственный талант. В начале XX века он написал три симфонии, затем «Поэму экстаза» (1907 г.) и «Прометей» (1910 г.). Интересно, что партитуру «Прометея» композитор дополнил партией световой клавиатуры. Он первый начал использовать светомузыку, назначение которой характеризуется раскрытием музыки методом зрительного восприятия.

Случайная смерть композитора прервала его работу. Он так и не осуществил свой замысел по созданию «Мистерии» - симфонии звуков, красок, движений, запахов. В этом произведении Скрябин хотел поведать всему человечеству свои сокровенные мысли и вдохновить его на создание нового мира, ознаменовавшегося соединением Вселенского Духа и Материи. Его самые значительные произведения являлись лишь предисловием к этому грандиозному проекту.

Известный русский композитор, пианист, дирижер С.В. Рахманинов (1873 – 1943 гг.) родился в обеспеченной дворянской семье. Дед Рахманинова был профессиональным музыкантом. Первые уроки игры на фортепиано ему давала мать, а впоследствии пригласили учительницу музыки А.Д. Орнатскую. В 1885 г. родители определили его в частный пансион к профессору Московской консерватории Н.С. Звереву. Порядок и дисциплина в учебном заведении оказали значительное влияние на формирование будущего характера композитора. Позже он окончил Московскую консерваторию с золотой медалью. Еще будучи студентом, Рахманинов пользовался большой популярностью у московской публики. Он уже создал свой «Первый фортепианный концерт», а также некоторые другие романсы и пьесы. А его «Прелюдия до-диез минор» стала очень популярной композицией. Великий П.И. Чайковский обратил внимание на дипломное произведение Сергея Рахманинова - оперу «Олеко», которая была им написана под впечатлением от поэмы А.С. Пушкина «Цыганы». Петр Ильич добился ее постановки в Большом театре, пытался помочь с включением этого произведения в репертуар театра, но неожиданно умер.

С двадцати лет Рахманинов преподавал в нескольких институтах, давал частные уроки. По приглашению известного мецената, театрального и музыкального деятеля Саввы Мамонтова, в 24 года композитор становится вторым дирижером Московской русской частной оперы. Там же он подружился с Ф.И. Шаляпиным.

Карьера Рахманинова прервалась 15 марта 1897 г. в связи с непринятием петербургской публикой его новаторской Первой симфонии. Рецензии на это произведение были поистине разгромными. Но самое большое огорчение доставил композитору отрицательный отзыв, оставленный Н.А. Римским-Корсаковым, мнение которого Рахманинов очень ценил. После этого он впал в затяжную депрессию, выйти из которой ему удалось при помощи врача -гипнотизера Н.В. Даля.

В 1901 г. Рахманинов заканчивает работу над Вторым фортепианным концертом. И с этого момента начинается его активная творческая деятельность как композитора и пианиста. Уникальный стиль Рахманинова объединил русские церковные песнопения, романтизм и импрессионизм. Главным ведущим началом в музыке он считал мелодию. Наибольшее выражение это нашло в любимом произведении автора - поэме «Колокола», которую он написал для оркестра, хора и солистов.

В конце 1917 г. Рахманинов с семьею покидает Россию, работает в Европе, а затем уезжает в Америку. Композитор тяжело переживал разрыв с Родиной. Во время Великой Отечественной войны он давал благотворительные концерты, выручку от которых направлял в Фонд Красной Армии.

Музыка Стравинского отличается стилистическим разнообразием. В самом начале его творческой деятельности она имеет в своей основе русские музыкальные традиции. А затем в произведениях слышится влияние неоклассицизма, характерного для музыки Франции того периода и додекафонии.

Игорь Стравинский родился в Ораниенбауме (ныне г. Ломоносов), в 1882 г. Отец будущего композитора Федор Игнатьевич - известный оперный певец, один из солистов Мариинского театра. Его матерью была пианистка и певица Анна Кирилловна Холодовская. С девяти лет учителя преподавали ему уроки игры на фортепиано. После завершения гимназии он, по просьбе родителей, поступает на юридический факультет университета. Два года, с 1904 по 1906, брал уроки у Н.А. Римского-Корсакова, под руководством которого им были написаны первые произведения - скерцо, соната для фортепиано, сюита «Фавн и пастушка». Сергей Дягилев высоко оценил талант композитора и предложил ему сотрудничество. Результатом совместной работы стали три балета (в постановке С. Дягилева) - «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная».

Незадолго до Первой мировой войны композитор уезжает в Швейцарию, затем во Францию. В его творчестве наступает новый период. Он изучает музыкальные стили XVIII века, пишет оперу «Царь Эдип», музыку к балету «Аполлон Мусагет». Его авторский почерк со временем несколько раз менялся. Много лет композитор прожил в США. Последнее его знаменитое произведение «Реквием». Особенностью композитора Стравинского считается способность постоянно менять стили, жанры и музыкальные направления.

Композитор Прокофьев родился в 1891 г. в небольшом селе Екатеринославской губернии. Мир музыки для него открыла мать, хорошая пианистка, часто исполнявшая произведения Шопена и Бетховена. Она же стала для сына настоящим музыкальным наставником и, кроме этого, обучала его немецкому и французскому языкам.

В начале 1900 г. юному Прокофьеву удалось побывать на балете «Спящая красавица» и послушать оперы «Фауст» и «Князь Игорь». Впечатление, полученное от представлений Московских театров, выразилось в собственном творчестве. Он пишет оперу «Великан», а затем увертюру к «Пустынным берегам». Родители вскоре понимают, что не могут дальше обучать сына музыке. Вскоре начинающий композитор в возрасте одиннадцати лет был представлен известному русскому композитору и педагогу С.И. Танееву, который лично просил Р.М. Глиэра заняться с Сергеем музыкальной композицией. С. Прокофьев в 13 лет сдал вступительные экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию. В начале своей карьеры композитор много гастролировал и выступал. Однако его творчество вызывало непонимание у публики. Это было связано с особенностями произведений, которые выражались в следующем:

• модернистский стиль;
• разрушение установившихся музыкальных канонов;
• экстравагантность и изобретательность композиторских приемов

В 1918 г. С. Прокофьев уезжает из и возвращается лишь в 1936 г. Уже в СССР он пишет музыку к кинофильмам, оперы, балеты. Но после того как был обвинен вместе с рядом других композиторов в «формализме», практически переехал жить на дачу, но продолжал писать музыкальные произведения. Его опера «Война и мир», балеты «Ромео и Джульетта», «Золушка» стали достоянием мировой культуры.

Русскиекомпозиторы 20 века,которые жили на рубеже веков, не только сохранили традиции предыдущего поколения творческой интеллигенции, но и создали свое, уникальное искусство, для которого образцами оставались произведения П.И. Чайковского, М.И. Глинки, Н.А. Римского-Корсакова.

20 век для музыки был довольно-таки плодотворным. Музыка претерпевала различные изменения и подвергалась влиянию множества событий, которые происходили в то время. Войны, революции достаточно ощутимо влияли на музыкальные произведения. Помимо этого еще одним немаловажным фактором, стало появление кинематографа. В связи с этим многие советские композиторы 20 века взялись за написание музыки к различным кинолентам и добились в данной области отличных результатов. Многие советские композиторы 20 века стали настоящими профессионалами в области написания музыки к кинофильмам. Правда, они еще не прошли в большинстве своем достаточного испытания временем, чтобы относиться к категории "классическая музыка". В это время творил советский композитор М. Таривердиев. Композитор писал музыкальное сопровождение для таких кинолент, как, например, "Король-Олень", "Любить", "Ирония судьбы". Тогда же работал Дога. Е.Д. Дога - молдавский советский композитор, написавший музыку для многих известнейших кинолент. Среди которых: "Табор уходит в небо", "Бульварный роман" и др. Однако композиторы 20 века - это отнюдь не только композиторы, прославленные киномузыкой. Имена таких композиторов как Кальман, Хачатурян, Пуччини, Прокофьев, Дебюсси, Рахманинов, известны многим ценителям хорошей музыки.

Такой богатый репертуар есть только в театр моссовета, хотя другие театры тоже ничего.

Дарование Рахманинова проявилось рано и ярко. Ко времени окончания консерватории он был уже автором нескольких сочинений, среди которых - знаменитая Прелюдия до-диез минор, Первый фортепианный концерт, опера "Алеко". Последовавшие за ними Пьесы-фантазии, Сюита для двух фортепиано, "Музыкальные моменты", романсы - подтвердили мнение о Рахманинове как о таланте сильном, глубоком, самобытном. Решительный и властный в исполнительстве и творчестве, Рахманинов по натуре был человеком ранимым, часто испытывал неуверенность в себе. Сильное потрясение, вызванное провалом его Первой симфонии в 1897 году привело к творческому кризису. Несколько лет Рахманинов ничего не сочинял, зато активизировалась его исполнительская деятельность как пианиста, состоялся дирижёрский дебют. Только в начале 1900-х годов у Рахманинова произошло возвращение к творчеству. Новый век начался с блистательного Второго фортепианного концерта. Современники услышали в нём голос Времени с его напряженностью, взрывчатостью, ощущением грядущих перемен. В жизни Рахманинова наступает новый этап. Всеобщее признание в России и за рубежом получает пианистическая и дирижёрская деятельность Рахманинова, в 1909 году он сочиняет свой гениальный Третий фортепианный концерт. В конце 1917 года Рахманинов с семьёй покинул Россию, как оказалось, навсегда. Более четверти века прожил он в США, и этот период был в основном насыщен изнурительной концертной деятельностью, подчинявшейся жестоким законам музыкального бизнеса. Первые годы пребывания за границей Рахманинова не покидали мысли об утрате творческого вдохновения: "Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя". Только спустя 8 лет после отъезда за рубеж Рахманинов возвращается к творчеству, создает Четвертый фортепианный концерт, Третью симфонию, "Симфонические танцы". Эти произведения - последний, самый высокий рахманиновский взлёт. Скорбное чувство невосполнимой утраты, жгучая тоска по России рождает искусство огромной трагической силы, достигающей своего апогея в "Симфонических танцах". Так через все творчество Рахманинов проносит незыблемость своих этических принципов, высокую духовность, верность и неизбывную любовь к Родине, олицетворением которой стало его искусство.

Отличие от многих своих предшественников и современников, Шопен сочинял почти исключительно для фортепиано. Он не оставил ни одной оперы, ни одной симфонии или увертюры. Тем более поразительно дарование композитора, сумевшего создать так много яркого, нового в области фортепианной музыки.