Miejska Budżetowa Instytucja Oświatowa

dodatkowa edukacja dla dzieci

„Boksitogorskie Centrum Edukacji Dodatkowej dla Dzieci”

Rozwój metodyczny

Gladysheva N.V., nauczycielka edukacji dodatkowej

Pikalewo

Spis treści

Wstęp

Ten podręcznik przedstawia historię rosyjskiej sztuki ludowej.

Cel tego przewodnika:

Zapoznanie z historią rosyjskiej sztuki ludowej i rzemiosła.

Zapoznanie dzieci z tradycjami i światopoglądem ich przodków.

Uświadom sobie osobisty związek z korzeniami ich ziemi.

Dzieła sztuki i rzemiosła spełniają kilka wymagań: mają walor estetyczny; przeznaczony do efektu artystycznego; służą do dekoracji życia codziennego i wnętrz. Takimi dziełami są: ubrania, tkaniny sukienne i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne. W literaturze naukowej drugiej połowy XIX w. ustanowiono klasyfikację gałęzi sztuki zdobniczej i użytkowej według materiału (metal, ceramika, tkaniny, drewno) lub techniki wykonania (rzeźba, malarstwo, haft, druk , odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.) . Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją. Pojęcie „sztuki i rzemiosła” jest dość szerokie i wieloaspektowe. To wyjątkowa sztuka chłopska, zakorzeniona w grubości wieków; i jego współczesnych „naśladowców” – tradycyjne rzemiosło artystyczne, które łączy wspólna koncepcja – sztuka ludowa; i klasyka - zabytki światowej sztuki zdobniczej, cieszące się powszechnym uznaniem i zachowujące wartość o wysokim standardzie; i rzemiosło nowoczesne w szerokim zakresie przejawów: od małych, kameralnych form do znaczących, wielkoformatowych, od pojedynczych obiektów po wieloobiektowe zespoły, które wchodzą w syntezę z innymi obiektami, otoczeniem architektoniczno-przestrzennym i innymi rodzaje sztuk plastycznych.

Badanie dzieł sztuki i rzemiosła, ich cech artystycznych pomaga kształcić:

ostrożny stosunek do rzeczy;

szacunek dla dziedzictwa narodowego i kultury narodowej;

szacunek dla twórczej pracy ludzi;

podnosi poziom kulturowy.

Dla kształtowania światopoglądu młodzieży szczególnie ważne jest zapoznanie się ze sztuką ludową, chłopską, która najpełniej zachowuje i przekazuje nowym pokoleniom tradycje narodowe, formy estetycznego stosunku do świata wypracowane przez ludzi.

Poznając tradycje ludowe, dzieci uświadamiają sobie osobisty związek z korzeniami swojej ojczyzny. Sztuka ludowa zawsze była w przeważającej mierze domowa. A żeby studiować jego techniki, tradycje, jego osobliwą strukturę artystyczną, z pewnością trzeba pracować z rzeczami pożytecznymi i niezbędnymi w życiu codziennym.

Cykl zajęć na temat:

„Sztuka ludowa w sztuce dekoracyjnej i użytkowej”

Zaprojektowane lekcje

nauczyciel

dodatkowa edukacja

Gladysheva N.V.

Przeprowadzone

w stowarzyszeniu „Frywolitki”.

Temat: „Rękodzieło sztuki ludowej. Ich geneza i współczesny rozwój.

Cel: Podaj pojęcie rzemiosła, jako szczególnej formy istnienia sztuki i rzemiosła ludowego; o ceramice - jako jeden z najczęstszych materiałów w sztuce zdobniczej i użytkowej, o ceramice. Rozwój kreatywności, wyobraźni.

Sprzęt i materiały do ​​lekcji:

karty z nazwami ośrodków rybackich;

albumy: „Gzhel”, „Khokhloma”, „Gorodets”;

karty z następnego słowa;

ceramiczne zastawy stołowe;

glina.

Podczas zajęć.

Rozmowa

Dlaczego sztukę i rzemiosło nazywa się sztuką ludową?

Tak, sztuka dekoracyjna i użytkowa jest w swej genezie sztuką ludową: ludzie tworzą rzeczy, ludzie znajdują dla nich formę i wyraz, ludzie zachowują w sobie piękno i przekazują nam w spuściznę wszystkie swoje dokonania. W dziełach sztuki dekoracyjnej i użytkowej widzimy mądrość ludzi, ich charakter, sposób życia. Zawierają duszę ludzi, ich uczucia i pomysły na lepsze życie. Dlatego mają tak wielką wartość edukacyjną. Archeolodzy określają epokę historyczną, stosunki społeczne, warunki przyrodniczo-społeczne, możliwości materialne i techniczne, wierzenia i tradycje ludowe, sposób życia, zawody, zainteresowania i upodobania ludzi, ich stosunek do środowiska przez rzeczy.

Według V. Favorsky'ego: „Postrzeganie świata, wiedza o prawach estetyki i edukacji smaku zaczyna się w człowieku ... od szklanych paciorków na szyi matki. Od dzbanka na wodę. Od naczyń na stole. "

Jak myślisz, kiedy powstało rzemiosło i sztuka ludowa? Tak, w czasach starożytnych, ale początkowo nie było to uznawane za sztukę. Tyle, że ludzie robili rzeczy, których potrzebowali w życiu codziennym, tworząc, jak teraz mówimy, obiektywne środowisko: tradycyjną dekorację domu, kostiumy, sprzęty domowe, narzędzia i broń wojskową. Wszyscy ludzie pracy stworzyli ten obiektywny świat, odzwierciedlając w nim swój społeczny i codzienny sposób życia, osobliwe postrzeganie świata, ideę szczęścia i piękna, niepowtarzalny charakter narodowy.

Koneser krytyka sztuki V. S. Voronov dobrze pisał o sztuce ludowej:

„Całe bogactwo formalne powstało poprzez ciągłe powtarzanie: powolne nagromadzenie parafraz, uzupełnień, poprawek, zmian… i wariacji doprowadziło do powstania mocnych, dojrzałych form. przypadkowe, nieutalentowane i naciągane nie wytrzymywały dalszej zbiorowej weryfikacji, odpadały i znikały.

Za wszystkim - czy to rzeźbionym kołowrotkiem, czy haftowanym ręcznikiem, malowaną łyżką czy tkanym obrusem - kryje się talent, praca i jednomyślność wielu ludzi, najlepiej - całego ludu! Z tego też pochodzi piękno. I oczywiście z rodzimej natury, z której mistrz uczy się niestrudzenie. I przybiera kolory, rytmy i formy - by przypomnieć sobie przynajmniej typowe dla rosyjskich kadzi północnych w postaci unoszącego się ptaka. Mistrz odtworzył obraz świata tak, jak go sobie wyobraził. Lub chochla - miarka: zaglądając, możesz zobaczyć głowę łabędzia. Powyżej koło i romb ozdobione promienistymi nacięciami. A postać konia wieńczy całość. Nie chłopski koń, ale koń - ogień. Jakie koncepcje mistrz włożył w produkt? Jakich starożytnych motywów użyłeś? Czemu?

(Odtworzył obraz świata tak, jak sobie to wyobrażał. Wśród ludzi pojawił się poetycki pomysł, że w dzień konie ciągnęły lampę wozem, a nocą przesadzano je do łodzi, którą ciągnięto po podziemiach ocean przez łabędzie lub kaczki.)

Jaką znasz inną symbolikę używaną w sztuce ludowej?

(Słońce w formie krzyża, rombu lub rozety; konie i ptaki; syreny mocno związane z żywiołem wody; Drzewo Życia, symbolizujące wieczny, niekończący się wzrost owoców ziemi; Matka - Ser Ziemia w formie kobiety).

Zmieniło się życie, zmieniła się też sztuka ludowa, ustępując miejsca nowym tradycjom. Stopniowo zapomniano o mitologicznym znaczeniu starożytnych symboli, osłabiono związek z koncepcjami i rytuałami rolniczymi. Pod koniec XIX wieku. mistrz często nie wiedział już, co oznaczają niektóre obrazy, a jednak ich nie odmawiał: zwieńczył dach chaty kalenicą, wyrzeźbionymi rozetami słonecznymi na okiennicach. Stopniowo starożytne symbole nabierały coraz bardziej zauważalnego charakteru dekoracyjnego, ale coś ważnego dla ludzi z ich pierwotnego znaczenia zawsze zostało zachowane, chociaż nabrało nowego wyglądu. (Lwy na parapetach chat w Niżnym Nowogrodzie).

Na ich podstawie powstała nowa sztuka dekoracyjna i użytkowa, nasycona autentyczną narodowością. Dziś istnieje w 2 formach. Z jednej strony wciąż żywa jest tradycyjna sztuka wsi, związana z wyjątkowym stylem życia tego czy tamtego ludu, osobliwościami otaczającej przyrody.

Z drugiej strony rozwija się ludowe rzemiosło artystyczne, z których wiele ma bogatą historię. Sztuka i rzemiosło ludowe to szczególna forma istnienia sztuki i rzemiosła ludowego.

Jak powstają branże?

Mieszkający na tym samym terenie mistrzowie, zajmujący się jednym rodzajem rzemiosła artystycznego, zaczęli tworzyć wyroby nie na własne potrzeby, ale na rynek, zaczęli się jednoczyć, aby ułatwić pracę.

W ten sposób powstało rzemiosło ludowe.

W Rosji po reformie 1861 r. wiele rzemiosł nabiera charakteru prywatnych warsztatów pracujących na rynek ogólnorosyjski. Musieli konkurować z wielkimi kapitalistycznymi fabrykami, co utrudniało owocny rozwój sztuki ludowej. Technika rzemiosła stawała się coraz bardziej wirtuozowska, ponieważ trzeba było pracować szybko i ekonomicznie. Na przykład każdy szybki obrót pędzla artysty Zhostovo, doprowadzony niemal do automatyzmu, rodził płatek, a nawet cały kwiat w bukiecie, który zdobił tacę. Podział pracy na coraz mniejsze operacje, chęć jak największego uproszczenia i ujednolicenia procesu wytwarzania produktu (tak jest taniej) doprowadziły do ​​spadku jakości artystycznej produktów, stopniowego wypierania kreatywności przez rzemiosło . Zerwanie z tradycyjnym światopoglądem doprowadziło do utraty smaku – zaczęto naśladować najgorsze modele miejskie. W tych warunkach wiele rzemiosł popadło w ruinę, inne przyjęły komercyjny styl obcy ludzkiemu pojmowaniu piękna, tracąc twarz.

Twórczość rzemieślników ludowych zyskała poparcie w 1919 r., Kiedy Wszechrosyjski Centralny Komitet Wykonawczy przyjął uchwałę „O środkach promocji przemysłu rzemieślniczego”. W powojennych latach 40-50 zrobiono wiele, aby oryginalna sztuka żyła i rozwijała się. Odrodziło się podupadłe rzemiosło artystyczne: rzeźba Bogorodska (karty z nazwami ośrodków rzemiosła ludowego przyczepione są na tablicy magnetycznej) i malarstwo Khokhloma na drewnie, koronkarstwo Wołogdy i Jeleca, Dymkowo, Gorodec, Siergijew Posad. Jaką sztukę ludową przypominają ci te nazwy! .

Powstały zasadniczo nowe rzemiosła artystyczne, takie jak rzeźbiona kość Tobolska, emalia rostowska, Veliky Ustyug niello, miniatura lakowa wzorowana na malarzach ikon. Z pomocą naukowców opracowano nowe rodzaje produktów, zmechanizowano prace pomocnicze, przygotowawcze i inne (Pavlov Posad). Dziś rzemiosło ludowe istnieje w 2 formach. Pierwszy z nich można nazwać wolnym handlem. Ciekawym przykładem rzemiosła zrodzonego spontanicznie w czasach sowieckich jest sztuka p.o. Polkhov - Majdan w regionie Gorki (Niżny Nowogród), gdzie od kilkudziesięciu lat wytwarzają rzeźbione i malowane jasnymi kolorami „prezenty”, jak nazywają je sami rzemieślnicy. Są to lalki lęgowe, akcesoria, solniczki, świnki-skarbonki, zabawki dla dzieci itp. Zimą dosłownie cała wieś i sąsiednia wieś Krutets zamieniają się w ogromny warsztat. Tradycje przekazywane są tu „z ręki do ręki”, od ojca – tokarza na syna, od matki – farbiarza na córki.

Inną formą jest zorganizowana sztuka i rzemiosło ludowe, do której należy większość naszych znanych na całym świecie ośrodków sztuki ludowej. Na przykład fabryka malarstwa dekoracyjnego Zhostovo, stowarzyszenie koronek Snezhinka Wołogda, dwa przedsiębiorstwa Khokhloma, stowarzyszenie produkcyjne Gzhel, miniaturowe centra lakiernicze ... To są solidne przedsiębiorstwa, w których przeprowadzono mechanizację prac pomocniczych, są szkoły zawodowe, które szkolą młodzi utalentowani rzemieślnicy.

Wyroby tradycyjnego ludowego rzemiosła artystycznego są naszą chlubą narodową, są szeroko znane za granicą i są poszukiwane w naszym kraju.

Podstawowym warunkiem dalszego rozkwitu dawnych rzemiosł artystycznych i powstawania nowych jest masowa twórczość ludowa na wsi.

W bardzo odległej przeszłości, kiedy ogień wygasł w jaskini, a nasi przodkowie, którzy ponownie go zapalili, zaczęli podpalać suche trawy i gałęzie w innym miejscu, przypadkowo zauważyli, że ziemia na dawnym ogniu stała się twarda , jak kamień, a grudki ziemi pozostałe na zwęglonych kłączach też stwardniały i zamieniły się w kamyki. W ten sposób poznano właściwość gliny do twardnienia w ogniu, do przekształcenia się w materiał przypominający kamień. Następnie mężczyzna zaczął rzeźbić w glinie i palić najprostsze naczynia. Tak historycy i historycy sztuki wyjaśniają pojawienie się pierwszego sztucznego materiału - ceramiki (na tablicy jest napisane „Ceramika”), która w naszych czasach jest najpowszechniejszym materiałem do sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

"Ceramika", ceramika od greckiego słowa "keramos" - glina, nazwa przedmieścia Aten, gdzie żyli garncarze, zaczęto nazywać tym samym słowem dla wszystkich wypieków z gliny.

Są to produkty wykonane z dowolnych materiałów glinianych i glinopodobnych, wypalane do momentu całkowitego spiekania płatków (w temperaturze powyżej 1000 °).

Wyroby ceramiczne wykonane z kolorowej gliny, pokryte nieprzezroczystym kolorowym szkliwem, emalią, nazywane są majoliką. Słowo „majolica” (wyświetlacz kart) pochodzi od nazwy hiszpańskiej wyspy Majorka, na której rozpoczęto produkcję jednej ze starożytnych produkcji majoliki.

Majolika obejmuje całą ceramikę licową pokrytą emalią. Taka licowa płytka ceramiczna nazywana jest płytką (pokazuje kartę z następnym słowem). Kafle są używane od X do XII wieku. v. na Rusi Kijowskiej. W XVI wieku piece w komnatach królewskich i bojarskich wyłożono „czerwonymi” kaflami (z czerwonej gliny). Następnie skromne „czerwone” zastąpiono reliefowymi kaflami pokrytymi zielonym szkliwem – tzw. „anted”.

Rozkwit kafli rosyjskich - druga połowa XVII wieku, kiedy pojawiło się szkliwo w 5 kolorach - żółtym, białym, niebieskim, zielonym, brązowym. Spośród nich przedstawiono różne owoce, ptaki, lwy, jeźdźców itp.

Pod Moskwą, w klasztorze, pojawił się warsztat pod kierunkiem białoruskiego mistrza Piotra Iwanowicza Zaborskiego „wszelkiego rodzaju rzemieślnicze sztuczki uczciwego poszukiwacza”. Zaczęli robić kolumny i gzymsy, a także ramy okienne, portale drzwiowe. Następnie rozpoczęli pracę w Zbrojowni. (Wyróżnił się mistrz św. Iwanow, zwany Polubesem).

W XVIII wieku. kafle były używane tylko do dekoracji wnętrz domu - eleganckie piece z kolumnami. Płytki te są gładkie, bez wypukłości, z malowaniem. Do połowy XIX wieku w wielu fabrykach produkowano kafle malowane, ale potem, wraz z pojawieniem się w miastach ogrzewania parowego i wodnego, piec stał się zbędny, a produkcja kafli stopniowo ustała.

W nowoczesnym budownictwie nadal najszersze zastosowanie znajduje ceramika licowa.

Ceramika jest również nazywana ceramiką.

Pierwsze gliniane miski, naczynia, dzbanki były prymitywne i prymitywne. Stopniowo ich forma staje się bardziej złożona, staje się elegancka, a prosta ceramika staje się sztuką.

Wraz z pojawieniem się ręki, a potem koła garncarskiego, glinie można było nadać dowolny kształt.

Jak myślisz, jaki jest najważniejszy moment w procesie przygotowywania potraw?

Palenie. Wcześniej palono je w zwykłych pożarach. Potem pojawiły się piece garncarskie. Nowoczesny piec garncarski został wynaleziony w XIX wieku.

Ciekawe są czarne, tak zwane produkty bejcowane. Zostały spalone na dymiącym płomieniu, przez co stały się czarne. Zostały wypolerowane przed wypaleniem. Polerowane na czarno kumgany, wysokie dzbanki z długim, cienkim, zakrzywionym dziobkiem, wyróżniały się szczególnym wyrafinowaniem.

Robili też potrawy z mrówek, czyli jakie? - szkliwiony, ale nie tylko zielony, jak kafelki, ale też brązowy, żółty

Niemal wszędzie tam, gdzie znajdowały się złoża gliny, zajmowali się garncarstwem. Garncarze z miasta Skopin w regionie Riazań słyną z dużych naczyń w kształcie figur pokrytych zieloną, żółtą i brązową glazurą. Obrazy bajecznych i prawdziwych ptaków i zwierząt zdobią tę niezwykłą ceramikę.

(Pokazano ilustrację z książki „Sztuka ludowa”)

Rzeźba w glinie do wyboru(z plasteliny).

Pokazano etapy pracy nad naczyniami.

Niezależna praca.

Podsumowanie lekcji.

Jakie nowe słowa i pojęcia pamiętasz?

Czym jest ceramika? Majolika? Płytka?

Literatura:

B. Nosik „Sztuka ludowa”;

Kosterin „Rysunek edukacyjny”;

A. Rogov „Spiżarnia radości”.

Temat: „Sztuka koronki”

Cel: opowiedz o historii rosyjskiego tkactwa koronkowego, o nowoczesnym rzemiośle koronkowym.

Zadania:

Rozwijanie zdolności twórczych dzieci, wzbudzanie zainteresowania pracą artystyczną.

Sprzęt i materiały:

szkice z koronki połączonej, szydełkowej;

próbki „richelieu”, koronki Wołogdy;

karty z nazwami ośrodków koronki.

Podczas zajęć.

Dzieci wchodzą do biura, w którym odbywa się wystawa wyrobów koronkarskich.

Sesja zaczyna się od rozmowy.

Prawdziwa koronka pojawiła się w Wenecji na początku XV wieku, w okresie wielkiego renesansu. Te koronki, zwane później gipiurą, kosztują bajeczne pieniądze.

W XVI wieku zaczęło się coś, czym nie może się pochwalić żadna ze sztuk użytkowych. Z Włoch do Europy przetoczyła się niczym wielka koronkowa plaga. Noszono je w formie kołnierzyków i mankietów, szyto z nich sukienki i peleryny, zdobiono nimi kamizelki męskie i szaty księży, oprawiano czapki, buty za kolano, rękawiczki i wszelkiego rodzaju płótno, obijano je meble, karele, nawet ściany salonów i sypialni, a żołnierze zrobili stamtąd bujne bandaże na stalowej zbroi. Przez prawie 3 wieki mniej lub bardziej zamożny Europejczyk nie mógł sobie nawet wyobrazić, jak można żyć bez koronki. Z początku uważano je za te same, za tę samą naturalną konieczność, jak jedzenie, buty czy powietrze.

Szaleli na punkcie koronek, bankrutowali na koronkach, królowie, kardynałowie i ministrowie dyskutowali o koronkach. Koronki - jak mówią, nawet uratowały Flandrię przed biedą.

Pierwsze wzmianki o koronce rosyjskiej pojawiły się w Kronice Ipatiewa pod 1252 r. i nazywa się je tam złotymi. W dokumentach historycznych spotyka się opisy koronek z takimi epitetami: kuta, pleciona, szyta, przędziona, wleczona, nawleczona, wysadzana perłami… To tyle, że były sposoby na ich wykonanie.

W dawnych czasach koronkarstwo nazywano „kobiecym wzornictwem”, a same koronczarki nazywano „rzęsami”.

Kolejna cecha rosyjskiej koronki: do obecnego wieku była podzielona na pożyczone - dla szlachty i własne, ludowe, nie mniej powszechne.

W Wołogdzie na początku ubiegłego wieku nikomu nie przyszło do głowy, że ich miasto wkrótce zasłynie z koronek. Tutaj zaangażują się w wiele dziesiątek tysięcy ludzi.

Ten starożytny haft był powszechny w wielu miejscach, ale tutaj wzór był szczególnie gładki, melodyjny. Oznacza to, że już w starożytnym starożytności szli w ozdoby zarówno z tradycyjnego rosyjskiego wzoru, jak i ze swoich północnych pieśni.

Dawno, dawno temu burżuazyjna Anfiya Bryantseva z Wołogdy wzięła i utkała (pokaz) biały warkocz na szpulkach, sprawiła, że ​​gwiazdy tła - płatki śniegu - okazały się niezwykle piękne i niepodobne do żadnych innych.

Czyjąś lekką ręką ten sposób nazwano Wołogdą, a sama taśma -

WILIUSZKA.

A matka i córka postanowiły utkać damskie kołnierzyki z długimi końcami. Ta moda się zakorzeniła, poszły liczne zamówienia. A oto kilka ciekawych danych: do 1880 roku w regionie Wołogdy na sprzedaż pracowało 1100 koronczarek, a do 1912 było już 9000 rzemieślników, rzemiosło rozrosło się ponad 30 razy w ciągu 30 lat. A Bryantsevowie byli jednym z ważnych powodów. Moda na koronki w Rosji rosła jak śnieżka, a utkano je z najlepszych lnianych nici.

W pierwszej połowie XIX wieku pojawiły się fabryki koronek z wykwalifikowanymi rzemieślnikami z poddanych, własne ośrodki koronkarskie: Wołogda, Jelec, Michajłow, Bałachna, Wiatka, Arzamas, Kalyazin, Torżok.

W Michajłowie tkano wąską gęstą koronkę i tkano ją z jasnych nici, dominował w nich kolor czerwony.

Również w Yelets najczęstszy wzór geometryczny jest bardziej wytłoczony i gęstszy. Krawędź koronki Yelets kończy się miękkimi owalnymi ząbkami, pomiędzy krawędzią a tłem znajduje się jasna krata (ryc. 1)

Koronki wołogdzkie były 2 rodzaje: koronka sprzęgająca bez krat, później wzór utkano na tle pięknych ażurowych krat, wprowadzono kolorowe jedwabne nici o powściągliwych tonach. (rys.2)

W Bałachnie w regionie Niżny Nowogród tkano czarno-kremową koronkę w stylu zachodnim. Koronka miała tiulowe tło i gęsty wzór.

(Pokazuje ilustracje) Największym dzisiaj centrum koronkarskim jest stowarzyszenie koronkarskie Snezhinka na obrzeżach Wołogdy.

Jeśli w Michajłowie liczba rzemieślników wynosi około 200, to w Śnieżince, w tym chałupnicy, jest ich ponad 8 tysięcy. W Wołogdzie znajduje się również szkoła koronkarska.

(Pokazane są zdjęcia z książki „Wołogda”).

Dzieci czytają wiersze P. Sinyavsky'ego.

Wołogda jest zalana

Białe śniegi.

Blizzard kładzie koronki

Pod twoimi stopami.

Rozproszone iskry

północne kolory,

wzory śniegu

Koronkowe opowieści.

Dziewczyny są pięknościami

Zabrany, spojrzał

Wiek spleciony

Głosowe zamiecie śnieżne

A dziewczyny rysują

Białe zdjęcia.

Koronka jest tkana

Cieńsze pajęczyny.

Dowiedzmy się więcej -

Dziewczyny huczą, -

Koronka się okaże

Lepsze niż zamieć.

Na mrozie - mrozie

Szron srebrzy się

W mieście w Wołogdy

Cud - koronka.

Wszystkie koronczarki mają niezrozumiałą grację i harmonię. Ale wszystkie mają różne linie i szczegóły.

Posłuchaj tylko nazw niektórych wzorów koronek, pomyśl o tym!

Pawie; Liść dębu; statki; Biegnij, rzeka; Bębny; Filet pieniądze; Łykowe buty; Broszki - pączki - miasta. Wirująca krawędź - róże, tasaki, rogi baranie. Pająki. Naleśniki. Kurze oczka, kurze łapki, ogórki, pavoi po pavoi. Pyshechki, ryzhechki, ryabushka, las sosnowy, ostre koła, luźne. Trzonki. Wąskie sęki.

Cała magia wzorów w plastyczności i rytmach - jak opowiedzieć o ich pięknie. Koniecznie trzeba zobaczyć koronkę. Musisz na nie spojrzeć!

Pomimo cech artystycznych i odległości, nie ma różnicy między rękodziełem koronkowym. Wszędzie okrągłe ciasne poduszki zwisały z krztuścem. Wszędzie powalona jest podłoga pod tragusem. Wszystkim koronczarkom odłamywane są paznokcie kciuka i palca wskazującego, a szpilki trzeba codziennie wyciągać i wkładać setki. Wszędzie szpulki stukają stale i równomiernie. Generalnie jest to praca monotonna. Chociaż dzwonienie szpulek jest jak gwar wróbli, kiedy brzmi, godzina, dzień, miesiące i lata z rzędu, chociaż koronczarki słuchają muzyki i bardzo lubią śpiewać. Twierdzą, że bez piosenki nie da się utkać prawdziwej koronki, że mężczyźni nie wytrzymaliby tej pracy…

Każda koronkarka zamienia się w artystkę i żyje w tym nieopisanie szczęśliwym stanie, gdy ze zwykłych nici wydobywa niewyrażalne piękno. Uszczęśliwia ludzi. Wieczne święto. A jutro wystarczy. I całe moje życie!

Praktyczna praca.

Stwórz wzór z koronek lub wyrobów koronkowych. Można wykonać w kolorze czarnym (akwarela, tusz, tusz) na białym. Możesz użyć białego wzoru na kolorowym tle (gwasz, pędzel).

Podsumowując lekcję.

Temat: „Malowanie gorodetów”

Cel: Opowiedz pokrótce o historii powstania, o rozwoju rzemiosła, o cechach kompozycyjnych i kolorystycznych malarstwa gorodeckiego. Nauczenie wykonywania ozdób do malowania artykułów gospodarstwa domowego (deski do krojenia, naczynia) na podstawie motywów Gorodets.

Sprzęt, materiały i literatura:

Teczka - łóżko składane z elementami malarstwa Gorodets i jego etapami;

Prace studentów poprzednich lat;

Karty słownictwa;

Karta z nazwą ośrodka wędkarskiego Gorodets;

A. Baradulin „Podstawy rzemiosła artystycznego”;

X. Machmutow „Malarstwo na drewnie”.

Podczas zajęć.

Dzieci czytają przygotowane wcześniej wiersze „Malowany powóz Gorodets”, XIX wiek.

Trzy czarne i silne konie,

Malowane i drewniane!

Gorodecki pan nad nią

Zmądrzał, pracując niestrudzenie.

A kierowcy, - patrz, - stoją

Majestatyczne, smukłe dziewice:

Wyglądają zarówno proste, jak i surowe

W drodze, w lesie, w zbożu.

Niesamowity mały wózek.

Nie wozić, to sen,

Jest ozdobiony kwiatami, wysoki,

I jest na nim namalowany ptak.

Trzy boginie dziewiczej ziemi

I woda i wielkie niebo

W rydwanie są przedstawione

Obietnica dobrobytu i chleba.

Oto jadą powozem,

Na boskim rydwanie:

Konie - zwierzęta biegają lekko,

I wzlatuje ciemnoniebieski ptak.

Ten wiersz został napisany przez profesora Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego, doktora sztuki, największego specjalistę w dziedzinie sztuki dekoracyjnej i użytkowej Wiktora Michajłowicza Wasilenko. Był wzruszony, zafascynowany tą bezpretensjonalną zabawką Gorodets. (pokazano rysunek).

Czy ludowi rzemieślnicy z Gorodets słyną tylko z zabawnych zabawek? Co robili przedtem i teraz? Jaka cecha, jakie bogactwo barw wyróżnia malarstwo Gorodets? Dowiesz się o tym dzisiaj.

Historia nauczyciela:

Kurtsevo, Koskovo, Repino, Savino, Okhlebaikha - te wioski rozciągają się wzdłuż Uzoli, kręte i czyste jak łza, 15 - 20 km nad Gorodets. Miejsca są bardzo piękne. Prawy brzeg jest wysoki, wąwóz, a na nim leżą wszystkie wioski. W pobliżu wsi lasy brzozowe i sosnowe. Chaty na wsiach są ładne, wysokie, z dużymi oknami, bogato rzeźbione, wesoło pomalowane.

Ale teraz nie o to chodzi.

Gawrony, kerbasy, chans, tyłki, szczekanie, belyany, szczekanie, mokshany - tak nazywały się statki, które kiedyś pływały po Wołdze pod kolorowymi żaglami. A prawie połowa z nich została zbudowana tutaj, w pobliżu Gorodets od niepamiętnych czasów. Poza tym statki były wyjątkowe, najpiękniejsze w Rosji, bo tak mieli mistrzowie Gorodets: nawet płytka pauza i ta, od dziobu do rufy, była pokryta najgłębszymi, najbogatszymi rzeźbami. Czasem później go malowali, czasem zostawiali do czysta. Ci stoczniowcy położyli podwaliny pod rzemiosło Gorodets od stulecia.

Tutaj od połowy ubiegłego wieku wykonywali jedyne inkrustowane - rzeźbione bąki przędzalnicze. Dzielnica słynęła też z innego rzemiosła, a raczej była szczególnie słynna, ponieważ „handlowali” tu prawie w każdej wsi. Wszędzie też robiono doskonałe rzeczy: deski z piernika, drewniane zabawki, sanki, łuki, bałałajki, a także ceramikę i koronki. Nawet stare księgi były tu ilustrowane i ręcznie kopiowane dla staroobrzędowców.

Bracia Melnikov z Okhlebaikha w połowie ubiegłego wieku połączyli rzeźbienie z prawdziwym malarstwem.

Zaczęli umieszczać na dnach kołowrotków niewarunkowo - symboliczne obrazki, jak poprzednio, ale dość istotne sceny rodzajowe: myśliwych, oswajanie koni, odwiedzin panien młodych. Figurki oznaczone były wyrzeźbionym konturem, każda była też malowana, czasem w kilku kolorach, z drobnymi ornamentami. Tło było zwykle jasnożółte, a na nim trochę czerwonych, brązowych, a nawet dźwięcznych niebieskich plamek ptaków, kwiatów, damskich parasoli. Pracowali tylko z czterema kolorami i osiągnęli niesamowite efekty dekoracyjne i harmonię: dna kołowrotków wydawały się pełne, promieniejąc słońcem.

Młodszy brat Anton całkowicie porzucił rzeźbienie i pomalował tylko spód kołowrotka. A jak malował! Były sceny uroczystych przyjęć herbacianych, randek, spacerów, nowiutkich koni, kolorowych ptaków. Była tam rama obrazków z gałązkami ostrokrzewu i dużymi kwiatami, podobnymi do róż, wśród których były dość nietypowe - czarne.

Obraz jest dużo bardziej opłacalny, robi się go szybciej i stopniowo wypiera rzeźbę. Pomiędzy oknami ze zdjęciami na każdym dole pojawiły się tzw. kraty - pośredniki, pas deseniu róż i miseczek. Ale nie wyglądały jak róże. Były to kwiaty z jasnymi animowanymi sercami - kołami.

Kupavki - pochodna kupawy, (Kupala to według Dahla) wyglądają tak: okrągły pączek osadzony na szerokiej miseczce z owalnymi płatkami, a na nim kula w białe elastyczne paski - odrodzenie; kwiat okazał się być obciążony sprężyną, zaraz pęknie, otworzy się. A kwiaty są czasem szkarłatne, czasem żółte, czasem niebieskie, czasem nawet czarne. A wokół kwiatów zielone liście wachlarzowe - paproć (pokaż ilustracje). Nie ma żywych czarnych kwiatów, ale malarstwo Gorodets jest w dużej mierze warunkowe, podobnie jak cała sztuka ludowa, tutaj wszystko opiera się przede wszystkim na kolorze, na jego dekoracyjnych relacjach.

Mistrz nie wykonał żadnych wstępnych szkiców ołówkiem. Po prostu wziął pędzel, zhaczył go z czebelashki (to są takie kubki) farbą temperową i jednym pociągnięciem zaznaczył szyję, w drugim ciało konia. Podobnie ptak.

Czarne plamy rozrzucą wszystko na planszy, potem czerwone, zielone. Chociaż nie ma między nimi żadnych powiązań, każde miejsce leży osobno, ogólny obraz jest tylko w głowie mistrza. Wyobraź sobie, jaki musiałeś mieć talent, doświadczenie i rękę, aby nie zbłądzić.

Kiedy wyschły duże samoloty, wprowadzono najróżniejsze detale i elementy łączące. Następnie wszystkie elementy zostały wymodelowane i rozwinięte końcówką pędzla: płatki zostały podkreślone półksiężycami. Animacje zostały nałożone na główny ton na ostatnim zakręcie białą farbą (pociągnięcia, kropki itp.)

Trzej artyści określili w przededniu rewolucji główne kierunki malarstwa Gorodets. (rys.3)

Jaskrawo liryczny - Ignatius Andreevich Mazin.

Narracja - filozofia - Fedor Semenovich Krasnoyarov.

Formalnie chłodny - Ignatiy Klementievich Lebedev.

Wszyscy inni mistrzowie - Wasilij Lebiediew, Aleksander Sundukow, Jegor Kryukow, Gavrila Polyakov - poszli za nimi.

Wasilij Lebiediew uwielbiał bajkę o Iwanie Carewiczu i Elenie Pięknej, często ich przedstawiał; najlepsze róże namalował Alexander Sundukov, Gavrila Polyakov - wieloznaczne bitwy wojskowe. Ignacy Mazin w młodości potrafił przedstawić wszystko, każdy obraz - scena z życia - niósł jakiś nowy nastrój, nowe myśli, a każde życie miało swoje kolory. I tylko rzadkie egzemplarze potrafiły odtworzyć tajemnicę tych kwiatów, nawet wśród artystów. Ignacy Mazin był w najwyższym stopniu obdarzony tą umiejętnością.

Ignatiy Lebedev zajmował się tapicerką, malowaniem, lakierowaniem sań podróżnych, tranty i taksówek, dużo czytał, doskonale opowiadał „Rusłan i Ludmiła”, epos o Ilji Muromec, pamiętał wiele wierszy, zaktualizowane ikony.

Fiodor Krasnoyarov budował kompozycje na kształt izo-narracji, bez proporcji i perspektywy, wszystko układa w kolorowe, wielokolorowe. W 1937 r. wszyscy trzej Mistrzowie wraz z mistrzami innych rosyjskich rzemiosł zaprojektowali wystawę sztuki ludowej w Galerii Trietiakowskiej w sześciu salach.

Dziś rzemieślnicy Gorodets, zachowując tradycyjne formy malarstwa Gorodets, tworzą nowe rodzaje kompozycji i motywów, które zdobią dziecięce stoły, krzesełka, hokery, skrzynie, konie na biegunach, ozdobne panele w postaci prostokątnych i okrągłych talerzy.

Obrazy wykonane są farbami klejowymi. Najpierw przygotowuje się kolorowe tło (często żółte), nakłada się na niego główne postacie, bukiety, girlandy, wieńce w postaci dużych kolorowych plam, pięknie skoordynowanych tonem i kolorem, odważnie używając jaskrawych czerwieni, różów, błękitów, błękity i zielenie, nawet bzy i fiolety oraz ich niespodziewanie dźwięczne kombinacje. Praca jest wykonywana w tej kolejności. Brzmiące kolory, harmonijne połączenia, bujne bukiety, bajeczne ptaki – wszystko to żywo wyraża piękno natury i radość życia. (demonstracja gotowych produktów). Zwróć uwagę na te złożone kompozycje wykonane zgodnie z tradycjami mistrzów Gorodets.

Dziś też musimy skompletować kompozycję opartą na motywach Gorodets do malowania deski do krojenia lub naczynia. Najpierw poćwicz z pędzlem na osobnej stronie albumu (połowa). Następnie przejdź do głównej pracy.

Praktyczna praca.

Podsumowując. Mini wystawa.

Temat: „Ludowa odzież świąteczna”

Cel: Zapoznanie się z ludowymi strojami świątecznymi jako sposobem wyrażania poglądów naszych przodków na budowę świata; jako źródło do tworzenia nowoczesnych modeli odzieży; improwizacja na podstawie dawnych strojów odświętnych, realizacja projektów strojów odświętnych z ornamentami (stworzenie współczesnego wzorca nawiązującego do starożytności).

Sprzęt i materiały: kolorowy papier, tkanina, nożyczki, klej, gwasz, flamastry.

Rozmowa

Odzież przeszła długą drogę w swoim rozwoju.

Co wpłynęło na ukształtowanie się rosyjskiego stroju ludowego?

(Na kształtowanie się kompozycji, kroju, wystroju miało wpływ środowisko geograficzne, warunki klimatyczne, cechy tradycji kulturowych, charakter obyczajów, procesy historyczne i społeczne).

Rosyjski strój ludowy to przede wszystkim zabytek sztuki ludowej, element kultury materialnej, sztuka zdobnicza ludu.

Czemu?

(To, co najlepsze w tradycji kroju, zdobienia, było przekazywane z pokolenia na pokolenie. Ubrania rosyjskie w przeszłości miały wysoką wartość artystyczną, były robione rękami rzemieślników, bogato zdobione o szczególnym znaczeniu, niosły starożytne tradycje artystyczne) .

Dziś poznasz główne elementy stroju ludowego, ich znaczenie semantyczne, wystrój elementów stroju, wykonasz praktyczną pracę nad modelowaniem rosyjskiego stroju ludowego.

Jak wyglądał rosyjski strój ludowy?

Ubrania codzienne były proste i skromne, a odświętne i odświętne bogate i wystrojone.

Przez wiele stuleci strażnikami strojów narodowych byli przede wszystkim wieśniacy, rolnicy, ponieważ szlachta, kupcy, mieszczanie zostali zmuszeni do ubierania się w strój europejski na mocy dekretu Piotra I.

Ubrania damskie zachwycają oryginalnym pięknem i bogactwem opcji, w każdej prowincji ubierały się po swojemu. Naukowcy wyróżniają 2 kompleksy: północno-rosyjski i południowo-rosyjski. Ale we wszystkich stanach i stanach, we wszystkich prowincjach, zarówno dla mężczyzn, jak i kobiet, koszula była podstawą stroju. Jak zwykle wieśniacy i dziewczęta w XIX wieku. w niektórych miejscach, aż do samego ślubu, szli w tych samych koszulach, przechwyceni pasem. Nasi przodkowie nosili koszulę od niepamiętnych czasów i wiąże się z nią wiele wierzeń. Na przykład, nie mógłbyś sprzedać swojej koszuli, w przeciwnym razie jednocześnie sprzedałbyś swoje szczęście. Dlatego doceniono osoby, które są gotowe oddać ostatnią koszulę potrzebującym.

W dawnych czasach koszulę szyto z jednego kawałka materiału od kołnierza do dołu, stąd nazwa łobuza, ale wtedy taka koszula pozostaje tylko jako ślubna lub pogrzebowa. Później zaczęli nosić dwuczęściową koszulę, górną - rękawy i dolną - obozową.

Przygotowując elegancką koszulę, szwaczki pokazały wszystko, do czego są zdolne. Rękawy, ramiona, kołnierzyki haftowano czerwonymi nitkami, a rąbek często zdobiono. W specjalnych koszulach, które noszono z paskiem do koszenia lub zbioru, cały rąbek był prawie całkowicie pokryty haftowanym lub tkanym wzorem. Jakie jest znaczenie haftu? Co mogliby reprezentować? Czemu?

(Idea budowy świata; romb, meander, kwadraty z kropkami i pas ziemi oraz ognisty krzyż i haczykowaty krzyż to myśli o Życiu i Dobru).

(Pokazane są ilustracje z książki „Strój ludowy”)

Była elegancka żałobniczka - koszula, czyli makhavka, z bardzo długimi i długimi rękawami, w której panna młoda w dniu ślubu żegnała się z rodzicami, machając rękawami, lamentowała…

Północnorosyjski damski zestaw zawiera koszulę i sukienkę.

(Słowo „sarafan” zostało po raz pierwszy znalezione w Rosji w XIV wieku w odniesieniu do odzieży męskiej).

Suknie były szyte z różnych tkanin, różnych krojów i inaczej nazywano: klinnik, sukman, adamaszek, dolnik, lamosznik, dmuchanie, moskowicz itp.)

Na sukienkę zakładano fartuch, niezbędny element stroju. Mają różne nazwy: binges, fartuszek, fartuch.

Na sukienkę i fartuch zakładają ocieplacz pod prysznic, zebrany w fałdy na plecach. Ma też różne nazwy: z rękawami - epanechka, na paskach - krótki, krótki, piórkowy.

Jesienią i zimą na wierzch zakładano wiosło shugai (jak kurtkę) obszyte futrem.

Strój południowo-rosyjski jest zauważalnie inny - jest jaśniejszy i bardziej kolorowy. Na koszulę zakładane są trzy naszyte panele z przeciągniętym przez górę sznurkiem - amortyzator (gasnik). Są owinięte wokół bioder i zapinane w pasie, podłogi się nie zbiegają, w szczelinie, która została podciągnięta do kolan, widoczna jest koszulka, a na pasku uformowana jest duża zakładka.

Nie można sobie wyobrazić rosyjskiego stroju ludowego bez paska. Pas, podobnie jak krzyż, nadawany był podczas chrztu, chodzenie bez niego uważano za nieprzyzwoite, szczególnie modląc się do Boga. Bez niego nie można było spać. Odpasać człowieka oznaczało zhańbienie go. Pasy były plecione, tkane, ze specjalnym ornamentem, czasem z napisem. Pas był wiązany pod klatką piersiową lub pod brzuchem. Jeśli sukienka była uszyta z drogich materiałów, pasek był wiązany pod nią na koszuli.

Niósł wielki ładunek semantyczny (rola talizmanu).

Znane są różne paski: tkane, dziane, wiklinowe. Szerokie - na odzież wierzchnią, węższe - dla pokojówki, odświętne i codzienne.

Wreszcie nakrycie głowy, bez którego rosyjski strój ludowy jest nie do pomyślenia.

ogranicz. Zgodnie ze starożytnym zwyczajem zamężna kobieta nie pojawiała się publicznie z prostymi włosami - uważano to za wielki grzech. Dziewczyny nie mogły zakryć włosów. Stąd różnica w sukienkach: dla zamężnej to głucha czapka, (ryc. 4) dla dziewczynki - opatrunek, (ryc. 5) z odkrytą czubkiem głowy. Opaski dziewczynki miały kształt prostokąta i były mocowane na głowie wstążkami i wstążkami. Były dziewczęce sukienki w formie korony lub obręczy. Podczas ceremonii zaślubin panna młoda została założona na koronę - ciasny brzeg z warkoczem i ażurowy wieniec. Podstawą wszystkich odmian południowo-rosyjskich nakryć głowy była kichka - twarda część czołowa noszona bezpośrednio na głowie, zwykle posiadała tzw. rogi (rogata kichka). Nad kichką zakładali pokrowiec haftowany złotem i koralikami - sroka, tył głowy pokryty prostym paskiem materiału - tył głowy. Wokół tych trzech elementów powstało złożone wielowarstwowe nakrycie głowy. Czasami zawierał do 12 części i ważył do 7 kg. Ozdobiona puchem, piórkami, wstążkami, cekinami, guzikami. Nakrycia głowy kobiet z prowincji północnych, które nosiły wspólną nazwę kokoshnik, różniły się od tych z południa. Często zdobiono je perłami z masy perłowej i słodkowodnych, białymi koralikami, folią, szklanymi koralikami. Formy były zróżnicowane. Nakrycie głowy – „rzęsa” zakrywało tylko kępkę włosów, a jego perłowy lub paciorkowaty dół i kark – resztę głowy. Kokoshnik (od starożytnego "kokosh" - kurczak) ma kształt czapki, z płatkami zakrywającymi uszy.

Niezwykłe ozdoby w postaci stożków posiada kikę (wystawę ilustracyjną).

Szamszura (samszura) miała kształt czapki z zaokrąglonym twardym dnem i była noszona w większości północnych prowincji z bogato haftowanymi chustami.

Pod koniec XIX i na początku XX wieku kokoshniki i szamszuri zostali zastąpieni prostszymi wojownikami i kolekcjami.

Dużą rolę w strojach dziewczęcych i kobiecych odgrywały różne ozdoby: kolczyki, gaitany, zawieszki na plecach i talii, „języki” piersiowe i „piersi”.

Na północy Rosji typowe są naszyjniki typu kołnierzyk lub kołnierzyk wykonane z pereł i białych koralików.

Dziewczyny pleciły różne "kośniki"

Tak więc ubrana w odświętny, wielowarstwowy strój Rosjanka była obrazem całego wszechświata, tak jak to sobie wtedy wyobrażali ludzie. Wyglądała majestatycznie, reprezentacyjnie, uroczyście.

Odzież męska była bardziej tego samego typu w całej Rosji i nie różniła się taką kolorowością jak damska.

W skład męskiego garnituru wszędzie wchodziła koszula, portki (spodnie), pasek, buty i nakrycie głowy. Koszula częściej miała skośny krój kołnierza i klin. Spodnie męskie - porty - chambary szyto z pasiastego materiału lub obcasa, z białego samodziału lub sukna własnej roboty. Bardzo rzadko były zdobione (ilustracja).

Nakrycia głowy rosyjskich chłopów są niezwykle różnorodne, ale główne

Filcowane z białej, szarej lub brązowej wełny stosowano czapki dwóch rodzajów - z koroną i małym rondem oraz czapki filcowych butów bez rondu.

Czapki ślubne były bogato zdobione (ilustracja).

Wkrótce czapki zastąpiono skórzanym i płóciennym czepkiem.

Odzież wierzchnia była jednolita zarówno dla mężczyzn, jak i kobiet. W okresie wiosenno – jesiennym najczęstsze były kaftany, zamki błyskawiczne, armyaki, azyamsy, orszaki, różniące się krojem, ale wszystkie z głębokim zapachem lub zapięciem z lewej strony. Zimą jako odzież wierzchnią stosowano kożuchy, kożuchy, krótkie futra.

Każdy strój chłopski był koniecznie uzupełniany butami, wikliną lub skórą. Podobnie jak odzież wierzchnia, buty były prawie takie same dla mężczyzn i kobiet i różniły się jedynie rozmiarem i dekoracją.

Spośród łykowych butów uznano za świąteczne buty łykowe, które po parowaniu nabrały czerwonego koloru. Łykowe buty były noszone na onuchu (paski materiału owinięte wokół nogi), zwykle białe. Onuchi mocowano na nodze za pomocą białych lub czarnych lin - o długości do 4 m. Powszechnie stosowano skórzane buty: buty, półbuty, buty i

kotki z czerwoną lamówką na szpilkach - coś w rodzaju butów, ale bardziej obszerne, bo noszone były na grubych pończochach dzianych, gładkich, pasiastych lub wzorzystych (z literówką - wzór na górze). Mężczyźni również nosili te same pończochy. Zimą nosili zwijane lub filcowane buty. Piękno i użyteczność nigdy nie odbiegały od znaczenia w sztuce ludowej. A na koszulach, na sukienkach, na ponevach i na fartuchach przedstawiano kobiety z podniesionymi rękami, nieblakłe Drzewo Życia, romb słoneczny z krzyżami, paskami, meandrami, krzyżami. Wyrażali ideę płodności matki - ziemi, tak bliskiej duszy rolnika; idea dobroci, dobrobytu. Dół wysadzany koralikami, wstążki przypominają strużki deszczu. Nazwy nakryć głowy - sroka, kogut, kokoshnik (kokosh) przypominają ptaki. Cały kombinezon warstwowy to idea uniwersum.

Chłop rosyjski często był analfabetą. Nie odcinał się od natury, od historii, doświadczeń duchowych i najstarszej kultury rolniczej - wszystko to znalazło odzwierciedlenie w kostiumie.

Niestety dziś strój ludowy możemy oglądać w muzeach, na wystawach, na festiwalach ludowych, reprodukcjach. Opuścił życie, tak jak wiele pięknych tradycji pozostało. Ale pamiętaj, przynajmniej musimy mieć pojęcie o starożytności. Muszą znać historię swoich przodków, szanować ich tradycje kulturowe, bo jak powiedział A. S. Puszkin.

„Szacunek dla przeszłości to linia, która oddziela cywilizację od dzikości”.

Cieszy fakt, że w niektórych regionach kraju znajdują się zespoły strojów ludowych, które są starannie przechowywane i zakładane na wesele, na odświętne uroczystości.

Projektanci mody często sięgają po strój ludowy, tworząc próbki nowoczesnej odzieży.

2. Praktyczna praca.

Udawajmy, że jesteśmy projektantami mody. Będziemy pracować w grupach. Każda grupa dostaje swoją własną kartonową lalkę, ty masz kolorowy papier. Jedna grupa „ubiera się” w stylu północno-rosyjskim, druga grupa – w południowo-rosyjskim, trzecia – w garnitur męski, pozostałe grupy opracowują szkic współczesnego modelu związanego z antykiem.

3. Podsumowując.

Literatura:

Album „Rosyjski strój ludowy”;

A. Lebiediew „Rosyjski strój ludowy”;

W. Konowa. „Strój rosyjskiej chłopki”

ZAŁĄCZNIK

Ryż. 1 (koronka Elets)

Ryc.2 (Koronka Wołogdy)

Ryc. 3 (malowanie gorodetów)

Fot. 4 (mężatka wieśniaczka)

Ryc. 5 (wieśniaczka)

W przeciwieństwie do bezimiennych przedmiotów masowo produkowanych, ręcznie robione przedmioty są zawsze wyjątkowe. Po mistrzowsku wykonane sprzęty domowe, ubrania, elementy wyposażenia wnętrz są drogie. A jeśli w dawnych czasach takie rzeczy były przedmiotami użytkowymi, to dziś przeszły do ​​kategorii sztuki. Piękna rzecz wykonana przez dobrego rzemieślnika zawsze będzie cenna.

W ostatnich latach rozwój sztuki użytkowej nabrał nowego rozmachu. Ten trend jest zachęcający. Piękne naczynia wykonane z drewna, metalu, szkła i gliny, koronki, tekstyliów, biżuterii, haftu, zabawek - po kilkudziesięciu latach zapomnienia wszystko to znów stało się aktualne, modne i poszukiwane.

Historia Moskiewskiego Muzeum Sztuki Ludowej

W 1981 roku w Moskwie przy ulicy Delegatskiej otwarto Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Użytkowej i Ludowej. W jej kolekcji znajdują się unikatowe próbki rękodzieła krajowych mistrzów przeszłości, a także najlepsze dzieła współczesnych artystów.

W 1999 roku miało miejsce następujące ważne wydarzenie - Wszechrosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej przyjęło do swoich zbiorów eksponaty Muzeum Sztuki Ludowej im. Sawwy Timofiejewicza Morozowa. Trzon tej kolekcji powstał przed rewolucją 1917 roku. Podstawą były eksponaty pierwszego rosyjskiego muzeum etnograficznego. Było to tzw. Muzeum Rzemiosła Rzemiosła Artystycznego i Użytkowego, otwarte w 1885 roku.

Muzeum posiada specjalistyczną bibliotekę, w której można zapoznać się z rzadkimi książkami z zakresu teorii i historii sztuki.

Kolekcja muzealna

Tradycyjne rodzaje rzemiosła artystycznego są usystematyzowane i podzielone na działy. Główne obszary tematyczne to ceramika i porcelana, szkło, biżuteria i metal, rzeźbienie w kości i drewnie, tekstylia, miniatury lakierów i drobne materiały.

Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej w otwartym funduszu i magazynach posiada ponad 120 tysięcy eksponatów. Rosyjska secesja jest reprezentowana przez dzieła Wrubla, Konenkowa, Golovina, Andreeva i Maliutina. Obszerny jest zbiór sowieckiej porcelany i tkanin propagandowych z drugiej ćwierci ubiegłego wieku.

Obecnie to muzeum sztuki i rzemiosła ludowego uważane jest za jedno z najbardziej znaczących na świecie. Najstarsze eksponaty o wysokiej wartości artystycznej pochodzą z XVI wieku. Zbiory muzeum zawsze były aktywnie uzupełniane darowiznami osób prywatnych, a także wysiłkami odpowiedzialnych urzędników aparatu państwowego w latach władzy sowieckiej.

W ten sposób unikalna ekspozycja tkanin powstała w dużej mierze dzięki hojności obywatela Francji P. M. Tołstoja-Miłosławskiego, który przekazał muzeum dużą kolekcję tkanin rosyjskich, orientalnych i europejskich, zgromadzoną przez N. L. Shabelską.

Dwie duże kolekcje porcelany zostały przekazane muzeum przez wybitne postacie sztuki radzieckiej - Leonida Osipowicza Utiosowa oraz małżonków Marię Mironową i Aleksandra Menakera.

W Moskiewskim Muzeum Sztuki Stosowanej znajdują się sale poświęcone życiu narodu rosyjskiego w różnych okresach. Tutaj możesz zapoznać się z mieszkaniami przedstawicieli różnych klas. Meble, naczynia, ubrania chłopów i mieszkańców miast, zabawki dla dzieci zostały zachowane, odrestaurowane i wystawione do oglądania. Rzeźbione dekoracje architrawów i daszków, pieców kaflowych, skrzyń, które służyły nie tylko jako wygodny schowek na rzeczy, ale także jako łóżka, gdyż zostały wykonane w odpowiedniej wielkości, przywołują obrazy spokojnego, wyważonego i dobrze odżywionego życia rosyjski busz.

Lakier miniaturowy

Miniatura lakiernicza jako sztuka użytkowa osiągnęła swój szczyt w XVIII i XIX wieku. Miasta słynące z warsztatów malowania ikon stały się ośrodkami artystycznymi, które dawały pozwolenie na pobyt głównym nurtom. Są to Palekh, Mstyora, Kholuy i Fedoskino. Szkatułki, broszki, panele, skrzynie z masy papierowej malowano farbami olejnymi lub temperą i lakierowano. Rysunki były stylizowanymi wizerunkami zwierząt, roślin, postaci z bajek i eposów. Artyści, mistrzowie miniatur lakowych, malowali ikony, wykonywali portrety na zamówienie, malowali sceny rodzajowe. Każda miejscowość wypracowała własny styl pisania, ale prawie wszystkie rodzaje sztuki użytkowej w naszym kraju łączą takie cechy, jak nasycenie i jasność kolorów. Szczegółowe opracowanie rysunków, gładkie i zaokrąglone linie - to wyróżnia rosyjskie miniatury. Interesujące jest to, że obrazy dekoracyjnej sztuki użytkowej z przeszłości inspirują również współczesnych artystów. Wzory vintage są często wykorzystywane do tworzenia tkanin do kolekcji modowych.

Malowanie artystyczne na drewnie

Malarstwo Khokhloma, Mezen i Gorodets jest rozpoznawalne nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Meble, tuesa, pudełka, łyżki, miski i inne przybory gospodarstwa domowego wykonane z drewna, pomalowane jedną z tych technik, są uważane za personifikację Rosji. Jasne drewniane naczynia, pomalowane czarnymi, czerwonymi i zielonymi farbami na złotym tle, wyglądają masywnie i ciężko – to charakterystyczny styl Khokhloma.

Produkty Gorodets wyróżnia wielobarwna paleta barw oraz nieco mniejsza w porównaniu do Khokhloma okrągłość form. Jako fabuły wykorzystywane są sceny rodzajowe, a także wszelkiego rodzaju fikcyjni i realni przedstawiciele świata zwierząt i roślin.

Sztuka i rzemiosło regionu Archangielska, w szczególności malarstwo Mezen na drewnie, to przedmioty użytkowe ozdobione specjalnymi wzorami. Mistrzowie Mezen do swojej pracy używają tylko dwóch kolorów - czerni i czerwieni, czyli sadzy i ochry, ułamkowego schematycznego rysunku tut, szkatułek i skrzyń, fryzów w formie bordiur z powtarzających się ściętych postaci koni i jeleni. Statyczny, mały, często powtarzający się wzór wywołuje uczucie ruchu. Malarstwo Mezen jest jednym z najstarszych. Rysunki używane przez współczesnych artystów to hieroglify, które były używane przez plemiona słowiańskie na długo przed powstaniem państwa rosyjskiego.

Rzemieślnicy drzewni przed obróceniem jakiegokolwiek przedmiotu z litego pręta traktują drewno przed pękaniem i wysychaniem, dzięki czemu ich produkty mają bardzo długą żywotność.

Tace Zhostovo

Metalowe tace pomalowane kwiatami są sztuką użytkową podmoskiewskiego Zhostova. Kiedyś tace Zhostovo miały wyłącznie cel użytkowy, od dawna służyły jako dekoracja wnętrz. Jasne bukiety dużych ogrodów i małych polnych kwiatów na czarnym, zielonym, czerwonym, niebieskim lub srebrnym tle są łatwo rozpoznawalne. Charakterystyczne bukiety Zhostovo ozdabiają teraz metalowe pudełka herbatą, ciasteczkami lub słodyczami.

Szkliwo

Taka sztuka i rzemiosło, jak emalia, nawiązuje również do malowania na metalu. Najbardziej znane są produkty mistrzów Rostowa. Przezroczyste farby ogniotrwałe nakładane są na blachę miedzianą, srebrną lub złotą, a następnie wypalane w piecu. W technice gorącej emalii, jak nazywana jest również emalia, wykonuje się biżuterię, naczynia, rękojeści broni i sztućce. Pod wpływem wysokiej temperatury farby zmieniają kolor, dlatego rzemieślnicy muszą zrozumieć zawiłości ich obchodzenia się. Najczęściej jako fabuły stosuje się motywy kwiatowe. Najbardziej doświadczeni artyści wykonują miniatury z portretami ludzi i pejzaży.

Majolika

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej daje możliwość obejrzenia dzieł uznanych mistrzów światowego malarstwa, wykonanych w sposób dla nich nie do końca charakterystyczny. Na przykład w jednej z sal znajduje się majolika Vrubela - kominek „Mikula Selyaninovich i Volga”.

Majolika to produkt wykonany z czerwonej gliny, malowany na surowej emalii i wypalany w specjalnym piecu w bardzo wysokiej temperaturze. W regionie Jarosławia sztuka i rzemiosło stało się powszechne i rozwinęło się dzięki dużej liczbie złóż czystej gliny. Obecnie w szkołach w Jarosławiu dzieci uczy się pracy z tym tworzywem sztucznym. Dziecięca sztuka użytkowa to drugi powiew dawnego rzemiosła, nowe spojrzenie na ludowe tradycje. To jednak nie tylko hołd dla tradycji narodowych. Praca z gliną rozwija zdolności motoryczne, poszerza kąt widzenia i normalizuje stan psychosomatyczny.

gzhel

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, w przeciwieństwie do sztuk pięknych, polega na utylitarnym, ekonomicznym wykorzystaniu przedmiotów stworzonych przez artystów. Czajniki porcelanowe, wazony na kwiaty i owoce, świeczniki, zegary, uchwyty na sztućce, talerze i kubki są niezwykle eleganckie i ozdobne. Na podstawie pamiątek Gzhel powstają nadruki na materiałach dzianych i tekstylnych. Kiedyś myśleliśmy, że Gzhel to niebieski wzór na białym tle, ale początkowo porcelana Gzhel była wielokolorowa.

Haft

Haft na tkaninie to jeden z najstarszych rodzajów robótek ręcznych. Początkowo przeznaczony był do ozdabiania strojów szlacheckich, a także tkanin przeznaczonych do obrzędów religijnych. Ta ludowa sztuka i rzemiosło przybyło do nas z krajów Wschodu. Szaty bogatych ludzi były haftowane kolorowym jedwabiem, złotymi i srebrnymi nićmi, perłami, kamieniami szlachetnymi i monetami. Najcenniejszy jest haft drobnymi ściegami, w którym występuje wrażenie gładkiego, jakby narysowanego farbami wzoru. W Rosji haft szybko wszedł do użytku. Pojawiły się nowe technologie. Oprócz tradycyjnego ściegu satynowego i haftu krzyżykowego zaczęto haftować lamówkami, czyli układaniem ażurowych ścieżek wzdłuż pustych przestrzeni utworzonych przez wyciągnięte nitki.

Zabawki Dymkovo dla dzieci

W przedrewolucyjnej Rosji ośrodki rzemiosła ludowego oprócz przedmiotów użytkowych produkowały setki tysięcy zabawek dla dzieci. Były to lalki, zwierzątka, naczynia i meble do zabawy dla dzieci, gwizdki. Sztuka dekoracyjna i użytkowa tego kierunku jest nadal bardzo popularna.

Symbol ziemi Vyatka - zabawka Dymkovo - nie ma na świecie odpowiedników. Jasne kolorowe panienki, panowie, pawie, karuzele, kozy są natychmiast rozpoznawalne. Ani jedna zabawka się nie powtarza. Na śnieżnobiałym tle wzory w postaci kółek, linii prostych i falistych rysowane są farbami w kolorze czerwonym, niebieskim, żółtym, zielonym, złotym. Wszystkie rzemiosła są bardzo harmonijne. Emanują tak potężną pozytywną energią, że każdy, kto weźmie do ręki zabawkę, może ją poczuć. Może nie musisz umieszczać chińskich symboli dobrego samopoczucia w postaci trójnożnych ropuch, plastikowych czerwonych rybek lub drzewek pieniędzy w rogach mieszkania, ale lepiej udekorować swój dom produktami rosyjskich mistrzów - gliną pamiątki z Kargopola, Tuły czy Wiatki, miniaturowe drewniane rzeźby rzemieślników z Niżnego Nowogrodu. Nie może być tak, że nie przyciągają do rodziny miłości, dobrobytu, zdrowia i dobrego samopoczucia.

Zabawka Filimonowa

W centrach twórczości dziecięcej w wielu regionach naszego kraju dzieci uczą się rzeźbić z gliny i malować rzemiosło w sposób ludowy w centralnej Rosji. Dzieci bardzo lubią pracować z tak wygodnym i plastycznym materiałem jak glina. Wymyślają nowe rysunki zgodnie ze starożytnymi tradycjami. W ten sposób rozwija się krajowa sztuka użytkowa i jest nadal poszukiwana nie tylko w ośrodkach turystycznych, ale w całym kraju.

Objazdowe wystawy zabawek Filimonovo cieszą się we Francji dużą popularnością. Podróżują po kraju przez cały rok i towarzyszą im kursy mistrzowskie. Zabawki z gwizdkami są kupowane przez muzea w Japonii, Niemczech i innych krajach. Ten statek, który ma stałą siedzibę w regionie Tula, ma około 1000 lat. Prymitywnie wykonane, ale pomalowane na różowo-zielone kolory wyglądają bardzo wesoło. Uproszczoną formę tłumaczy fakt, że zabawki mają w środku wgłębienia z wystającymi otworami. Jeśli dmuchasz w nie, na przemian zamykając różne dziury, otrzymujesz prostą melodię.

Szale Pavlovo

Przytulne, kobiece i bardzo jasne szale tkaczy Pavlovo-Posad stały się znane na całym świecie dzięki niesamowitej kolekcji mody rosyjskiego projektanta mody Wiaczesława Zajcewa. Wykorzystał tradycyjne tkaniny i wzory do kobiecych sukienek, męskich koszul, innej odzieży, a nawet butów. Szal Pavlovsky Posad to akcesorium, które można odziedziczyć jak biżuterię. Trwałość i odporność na ścieranie chusteczek do nosa są dobrze znane. Wykonane są z wysokiej jakości delikatnej wełny. Rysunki nie blakną na słońcu, nie blakną od prania i nie kurczą się. Frędzle na chustach wykonane są przez specjalnie przeszkolonych rzemieślników - wszystkie ogniwa ażurowej siateczki wiązane są na supełki w jednakowej odległości od siebie. Rysunek przedstawia kwiaty na czerwonym, niebieskim, białym, czarnym, zielonym tle.

Koronka Wołogdy

Znana na całym świecie koronka Wołogdy jest tkana przy użyciu szpulek brzozowych lub jałowcowych z nici bawełnianych lub lnianych. W ten sposób powstają miarki, narzuty, szale, a nawet sukienki. Koronka Wołogdy to wąski pasek, który stanowi główną linię wzoru. Pustki wypełnione są sieciami i robakami. Tradycyjny kolor to biały.

Sztuka użytkowa nie stoi w miejscu. Rozwój i zmiany dzieją się cały czas. Muszę powiedzieć, że na początku ubiegłego wieku pod wpływem rozwijającego się przemysłu pojawiły się manufaktury przemysłowe wyposażone w szybkie maszyny elektryczne, powstała koncepcja masowej produkcji. Sztuka ludowa i rzemiosło ludowe zaczęły podupadać. Dopiero w połowie ubiegłego wieku przywrócono tradycyjne rosyjskie rzemiosło. W ośrodkach artystycznych, takich jak Tuła, Włodzimierz, Gus-Khrustalny, Archangielsk, Rostów, Zagorsk i innych budowano i otwierano szkoły zawodowe, szkolono wykwalifikowanych nauczycieli i szkolono nowych młodych mistrzów.

Nowoczesne rodzaje robótek ręcznych i kreatywność

Ludzie podróżują, poznają kultury innych narodów, uczą się rzemiosła. Od czasu do czasu pojawiają się nowe rodzaje sztuki i rzemiosła. Takimi nowościami dla naszego kraju stały się scrapbooking, origami, quilling i inne.

Kiedyś betonowe mury i ogrodzenia kwitły rozmaitymi rysunkami i napisami wykonanymi w wysoce artystyczny sposób. Graffiti lub sztuka natryskowa to nowoczesna interpretacja starożytnego rodzaju sztuki naskalnej. Możesz śmiać się z nastoletnich hobby do woli, w tym z pewnością graffiti, ale obejrzyj zdjęcia w Internecie lub przespaceruj się po własnym mieście, a znajdziesz naprawdę wysoce artystyczne prace.

scrapbooking

Projektowanie zeszytów, książek i albumów, które istnieją w jednym egzemplarzu, nazywa się scrapbookingiem. Ogólnie rzecz biorąc, ta działalność nie jest całkowicie nowa. Albumy mające na celu zachowanie historii rodziny, miasta lub osoby dla potomności powstawały już wcześniej. Współczesną wizją tej sztuki jest tworzenie książek artystycznych z ilustracjami autorów, a także korzystanie z komputerów z różnymi edytorami graficznymi, muzycznymi, fotograficznymi i innymi.

Quilling i origami

Quilling, tłumaczony na rosyjski jako „zwijanie papieru”, służy do tworzenia paneli, ozdabiania pocztówek, ramek do zdjęć itp. Technika polega na skręcaniu cienkich pasków papieru i przyklejaniu ich do podłoża. Im mniejszy fragment, tym bardziej eleganckie i ozdobne jest rzemiosło.

Origami, podobnie jak quilling, to papierkowa robota. Tylko origami to praca z kwadratowymi kartkami papieru, z których formowane są wszelkiego rodzaju kształty.

Z reguły wszystkie rzemiosło związane z papiernictwem ma chińskie korzenie. Azjatycka sztuka i rzemiosło były pierwotnie rozrywką szlachty. Biedni nie zajmowali się tworzeniem pięknych rzeczy. Ich przeznaczeniem jest rolnictwo, hodowla bydła i wszelkiego rodzaju prace służebne. Europejczycy, przyjmując podstawy techniki, która historycznie jest bardzo małą i delikatną pracą z papierem ryżowym, przenieśli sztukę w dogodne dla siebie warunki.

Chińskie produkty wyróżnia mnóstwo bardzo drobnych detali, które wyglądają monolitycznie i bardzo elegancko. Taka praca jest możliwa tylko dla bardzo doświadczonych rzemieślników. Ponadto cienkie wstążki papierowe można skręcić w ciasny i równy zwój tylko za pomocą specjalnych narzędzi. Europejscy miłośnicy rękodzieła nieco zmodyfikowali i uprościli starożytne chińskie rzemiosło. Papier zwinięty w spirale o różnych rozmiarach i gęstości stał się popularną ozdobą pudeł kartonowych, wazonów na suszone kwiaty, ramek i paneli.

Mówiąc o sztuce i rzemiośle, niesprawiedliwe byłoby pominięcie takich rzemiosł, jak malowanie na jedwabiu, czy batik, druk czy tłoczenie, czyli malowanie na metalu, tkanie dywanów, koraliki, makramy, dziewiarstwo. Coś odchodzi w przeszłość, a coś innego staje się tak modne i popularne, że nawet przedsiębiorstwa przemysłowe rozpoczynają produkcję sprzętu dla tego rodzaju twórczości.

Zachowanie dawnych rzemiosł i pokazy najlepszych przykładów w muzeach to dobry uczynek, który zawsze będzie źródłem inspiracji dla ludzi kreatywnych zawodów i pomoże wszystkim innym połączyć się z pięknem.

Sztuka i rzemiosło(od łac. deco – dekorowanie) – szeroki dział sztuki obejmujący różne gałęzie twórczej działalności mającej na celu tworzenie wyrobów artystycznych o funkcjach użytkowych i artystycznych. Termin zbiorowy warunkowo łączy dwa szerokie rodzaje sztuki: dekoracyjną i użytkową. W przeciwieństwie do dzieł sztuki, przeznaczonych do przyjemności estetycznej i należących do sztuki czystej, liczne przejawy sztuki i rzemiosła mogą mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.

Dzieła sztuki i rzemiosła mają kilka cech charakterystycznych: mają walor estetyczny; przeznaczony do efektu artystycznego; służą do dekoracji życia codziennego i wnętrz. Takimi dziełami są: ubrania, tkaniny sukienne i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne. W literaturze naukowej drugiej połowy XIX w. została założona klasyfikacja gałęzi sztuki i rzemiosła według materiału(metal, ceramika, tekstylia, drewno), zgodnie z techniką wykonania(rzeźba, malowanie, haftowanie, drukowanie, odlewanie, tłoczenie, intarsja (obrazy z różnych gatunków drewna) itp.) oraz przez funkcjonalne ślady użytkowania przedmiotu(meble, naczynia, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.

Rodzaje sztuki i rzemiosła

Gobelin -(fr. gobelin), lub krata, - jeden z rodzajów rzemiosła artystycznego, jednostronny niestrzępiący się dywan ścienny z fabułą lub kompozycją ornamentalną, tkany ręcznie krzyżowym splotem nitek. Tkacz przepuszcza nić wątku przez osnowę, tworząc zarówno obraz, jak i samą tkaninę. W Encyklopedycznym Słowniku Brockhausa i Efrona gobelin zdefiniowany jest jako „ręcznie tkany dywan, na którym obraz i specjalnie przygotowana tektura mniej lub bardziej znanego artysty są odwzorowywane z wielobarwnej wełny i częściowo jedwabiu”.

BATIK - ręcznie malowane na tkaninie przy użyciu rezerwowych kompozycji.

Na tkaninę - jedwab, bawełna, wełna, syntetyki - nakładana jest farba odpowiadająca tkaninie. Aby uzyskać wyraźne granice na styku farb, stosuje się specjalny utrwalacz, zwany rezerwą (kompozycja rezerwowa na bazie parafiny, benzyny, na bazie wody - w zależności od wybranej techniki, tkaniny i farb).

Malarstwo batikowe od dawna znane jest wśród ludów Indonezji, Indii itp. W Europie - od XX wieku.

DRUKUJ -(faszerowanie) – rodzaj rzemiosła artystycznego; uzyskanie wzoru, monochromatycznych i kolorowych rysunków na tkaninie ręcznie za pomocą form z wzorem reliefowym, a także tkaniny ze wzorem (tkanina drukowana) uzyskanej tą metodą.

Formy do pięt są wykonane z rzeźbionego drewna (maniery) lub składu (miedziane płytki składowe z ćwiekami), w których wzór jest pisany z płytek miedzianych lub drutu. Podczas wypychania na tkaninę nakłada się formę pokrytą farbą i uderza w nią specjalnym młotkiem (młotkiem) (stąd nazwa „pięta”, „wypychanie”). W przypadku projektów wielokolorowych liczba płyt drukarskich musi odpowiadać liczbie kolorów.

Robienie pięty to jeden ze starożytnych rodzajów ludowej sztuki i rzemiosła, spotykany u wielu narodów: Azji Zachodniej i Środkowej, Indii, Iranu, Europy i innych.

Druk jest nieefektywny i prawie całkowicie zastąpiony drukowaniem wzoru na tkaninie na maszynach drukarskich. Wykorzystywany jest tylko w niektórych rękodziełach, a także do reprodukcji dużych wzorów, których powtarzająca się część nie mieści się na wałach maszyn drukarskich, oraz do barwienia wyrobów na sztuki (zasłony, obrusy). Charakterystyczne wzory farszów ludowych wykorzystywane są do tworzenia nowoczesnych tkanin dekoracyjnych.

FREZOWANIE - rodzaj sztuki i rzemiosła, robótki ręczne; tworzenie biżuterii, wyrobów artystycznych z koralików, w których w przeciwieństwie do innych technik, w których jest stosowany (tkanie koralikami, dzianie koralikami, tkanie z drutu koralikami – tzw. tkanie koralikowe, mozaika koralikowa i haft koralikowy), koraliki są nie tylko elementem dekoracyjnym, ale także konstrukcyjnym i technologicznym. Wszystkie inne rodzaje robótek i DPI (mozaika, dzianina, tkanie, haftowanie, tkanie druciane) są możliwe bez koralików, ale stracą część swoich możliwości dekoracyjnych, a koraliki przestaną istnieć. Wynika to z faktu, że technologia koralików jest oryginalna.

HAFT - znana i rozpowszechniona sztuka rękodzieła do ozdabiania wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów najróżniejszymi wzorami, od najszorstszych i najgęstszych, takich jak płótno, płótno, skóra, po najdelikatniejsze tkaniny - kambr, muślin, gaz, tiul itp. Narzędzia i materiały do ​​haftu: igły, nici, tamborki, nożyczki.

ROBIENIE NA DRUTACH - proces wytwarzania tkaniny lub wyrobów (najczęściej odzieży) z ciągłych nitek poprzez zginanie ich w pętelki i łączenie ze sobą pętelek za pomocą prostych narzędzi ręcznie (szydełko, druty, igła, widelec) lub na specjalnej maszynie (mechanicznej robienie na drutach). Dzianie jako technika odnosi się do rodzajów tkania.

Szydełkować

robienie na drutach

MAKROM -(fr. Frędzla, z arabskiego - warkocz, frędzle, koronka lub z tureckiego. - szalik lub serwetka z frędzlami) - technika tkania sferoidalnego.

SZNURÓWKA - produkcja tkanin siatkowych z tkanych wzorów nici (len, papier, wełna i jedwab). Są koronki szyte igłą, tkane na szpulce, szydełkowane, bębenkowe i maszynowe.

TKANIE DYWANÓW – produkcja tekstyliów artystycznych, najczęściej o wielobarwnych wzorach, które służą przede wszystkim do dekoracji i ocieplenia pomieszczeń oraz do zapewnienia ciszy. O cechach artystycznych dywanu decyduje faktura tkaniny (włókno, niestrzępiąca się, filcowana), rodzaj materiału (wełna, jedwab, len, bawełna, filc), jakość barwników (naturalne w starożytności i średniowiecze, chemia z drugiej połowy XIX w.), format, proporcje i pole środkowe dywanu, układ zdobniczy i kompozycja deseni, kolorystyka.

QUILLING - Zwijanie papieru(również quilling angielski quilling - od słowa quill (ptasie pióro)) - sztuka wykonywania płaskich lub obszernych kompozycji z długich i wąskich pasków papieru skręconych w spirale.

Gotowym spiralom nadaje się inny kształt, dzięki czemu uzyskuje się elementy quillingowe, zwane również modułami. Już teraz są materiałem „budowlanym” przy tworzeniu dzieł – obrazów, pocztówek, albumów, ramek do zdjęć, różnych figurek, zegarków, biżuterii, spinek do włosów itp. Sztuka quillingu przybyła do Rosji z Korei, ale jest również rozwijana w wielu krajach europejskich.

Ta technika nie wymaga znacznych kosztów materiałowych, aby rozpocząć jej rozwój. Jednak walcowania papieru nie można nazwać prostym, ponieważ aby osiągnąć przyzwoity wynik, należy wykazać się cierpliwością, wytrwałością, zręcznością, dokładnością i oczywiście rozwijać umiejętności skręcania wysokiej jakości modułów.

SCRAPBOOKING -(ang. scrapbooking, od ang. scrapbook: scrap – wycinek, książka – książka, dosł. „książka wycinków”) – rodzaj rękodzieła artystycznego, polegający na wytwarzaniu i projektowaniu rodzinnych lub osobistych albumów fotograficznych.

Ten rodzaj twórczości to sposób przechowywania historii osobistej i rodzinnej w postaci fotografii, wycinków z gazet, rysunków, notatek i innych pamiątek, wykorzystujący szczególny sposób utrwalania i przekazywania indywidualnych historii za pomocą specjalnych technik wizualnych i dotykowych zamiast zwykłej historii . Główną ideą scrapbookingu jest zachowanie zdjęć i innych pamiątek z dowolnych wydarzeń na długi czas dla przyszłych pokoleń.

CERAMIKA -(starożytna grecka κέραμος - glina) - produkty wykonane z materiałów nieorganicznych (na przykład gliny) i ich mieszanin z dodatkami mineralnymi, wytwarzane pod wpływem wysokiej temperatury, a następnie ochładzania.

W wąskim znaczeniu słowo ceramika odnosi się do wypalonej gliny.

Najstarsza ceramika była używana jako ceramika wykonana z gliny lub jej mieszanek z innymi materiałami. Obecnie ceramika wykorzystywana jest jako materiał w przemyśle (inżynieria, aparatura, lotnictwo itp.), budownictwie, sztuce oraz ma szerokie zastosowanie w medycynie i nauce. W XX wieku powstały nowe materiały ceramiczne do zastosowania w przemyśle półprzewodnikowym i innych dziedzinach.

MOZAIKA -(fr. mozaika, Włoski mozaika od łac. (opus) musivum - (praca) dedykowanamuzy) - sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków, której prace polegają na formowaniu obrazu poprzez układanie, pisanie i utrwalanie na powierzchni (najczęściej na płaszczyźnie) wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.

SZTUKA BIŻUTERII - to termin, który odnosi się do wyniku i procesu twórczości artystów jubilerów, a także do ogółu przedmiotów i dzieł biżuteryjnych przez nich tworzonych, przeznaczonych głównie do osobistego zdobienia ludzi, a wykonanych z materiałów szlachetnych, takich jak metale szlachetne i kamienie szlachetne. Aby biżuterię lub przedmiot można było jednoznacznie sklasyfikować jako jubiler, musi ona spełniać trzy warunki: w tej biżuterii musi być użyty co najmniej jeden szlachetny materiał, ta biżuteria musi mieć wartość artystyczną, i musi być niepowtarzalny - to znaczy nie może być powielany przez artystę-jubilera, który go wykonuje.

W fachowym żargonie jubilerów, a także przez studentów i studentów placówek oświatowych w specjalności „biżuteria” często używa się slangowej wersji słowa „jubiler”.

Wprawdzie uważa się, że pojęcie „biżuteria” obejmuje wszelką biżuterię wykonaną z materiałów szlachetnych, a pojęcie „biżuteria” obejmuje biżuterię wykonaną z materiałów nieszlachetnych, ale jak widać obecnie różnica między biżuterią a kostiumem biżuteria staje się nieco zamazana, a ocena, czy dany produkt należy zakwalifikować jako jubiler, czy też jako biżuterię kostiumową, jest każdorazowo podejmowana przez ekspertów indywidualnie w każdym konkretnym przypadku.

LAKIER MINIATUROWY - Miniaturowe malowanie na drobnych przedmiotach: pudłach, szkatułkach, puderniczkach itp. to rodzaj rzemiosła artystycznego i sztuki ludowej. Malowanie takie nazywa się lakierem, ponieważ werniksy kolorowe i transparentne służą nie tylko jako pełnowartościowy materiał malarski, ale także jako najważniejszy środek artystycznego wyrazu dzieła. Dodają głębi i siły farbom, a jednocześnie zmiękczają, jednoczą je, jakby wtapiały obraz w samo miąższ produktu.

Ojczyzną lakierów artystycznych są kraje Dalekiego Wschodu i Azji Południowo-Wschodniej: Chiny, Japonia, Korea, Wietnam, Laos, gdzie znane są od czasów starożytnych. Na przykład w Chinach w drugim tysiącleciu p.n.e. mi. Sok z drzewa lakowego służył do pokrywania filiżanek, szkatułek, wazonów. Wtedy narodziło się malarstwo lakierowe, które osiągnęło najwyższy poziom na Wschodzie.

Ten rodzaj sztuki przybył do Europy z Indii, Iranu, krajów Azji Środkowej, gdzie w XV-XVII wieku. Popularna była miniatura lakieru, wykonywana farbami temperowymi na przedmiotach z masy papierowej. Europejscy rzemieślnicy znacznie uprościli technologię, zaczęli używać farb olejnych i lakierów.

Lakiery artystyczne znane są w Rosji od 1798 roku, kiedy kupiec PI Korobov zbudował małą fabrykę wyrobów z masy papierowej w podmoskiewskiej wsi Daniłkowo (później połączyła się z sąsiednią wioską Fedoskin). Pod jego następcami, Lukutinami, mistrzowie rosyjscy opracowali unikalne metody malarstwa Fedoskino. Nie zginęły do ​​dziś.

 miniatura Palech - rzemiosło ludowe, które rozwinęło się we wsi Palech w obwodzie Iwanowskim. Miniatura lakieru wykonana jest temperą na papier-mache. Trumny, szkatułki, kapsułki, broszki, panele, popielniczki, spinki do krawatów, igiełki itp. są zazwyczaj malowane.

 Miniatura Fedoskino - rodzaj tradycyjnego rosyjskiego malarstwa miniaturowego z laki farbami olejnymi na papier-mache, opracowany pod koniec XVIII wieku we wsi Fedoskino pod Moskwą.

 Miniatura Kholuy - rzemiosło ludowe, które rozwinęło się we wsi Kholui w obwodzie Iwanowskim. Miniatura lakieru wykonana jest temperą na papier-mache. Szkatułki, kapsułki, igiełki itp. są zazwyczaj malowane.

SZTUKA I SZTUKI UŻYWANE

Sztuka i rzemiosło- rodzaj działalności twórczej w tworzeniu przedmiotów gospodarstwa domowego zaprojektowanych z myślą o zaspokojeniu potrzeb użytkowych, artystycznych i estetycznych ludzi.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa to produkty wykonane z różnych materiałów i przy użyciu różnych technologii. Materiałem na przedmiot DPI może być metal, drewno, glina, kamień, kość. Techniczne i artystyczne metody wytwarzania produktów są bardzo różnorodne: rzeźbienie, haftowanie, malowanie, gonienie itp. Główną cechą charakterystyczną obiektu DPI jest dekoracyjność, która polega na obrazowaniu i chęci ozdabiania, uczynienia go lepszym, piękniejszym.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa ma charakter narodowy. Ponieważ wywodzi się z obyczajów, przyzwyczajeń, wierzeń pewnej grupy etnicznej, jest bliski stylowi życia.

Sztuka ludowa i rzemiosło ludowe to jedna ze sprawdzonych w czasie form wyrazu estetycznego postrzegania świata przez człowieka.

Ważnym składnikiem sztuki zdobniczej i użytkowej jest ludowe rzemiosło artystyczne – forma organizowania pracy artystycznej oparta na twórczości zbiorowej, rozwijająca lokalną tradycję kulturową i nastawiona na sprzedaż rękodzieła.

Kluczową twórczą ideą tradycyjnego rzemiosła jest zapewnienie jedności świata naturalnego i ludzkiego.

Główne rzemiosło ludowe Rosji to:

Rzeźba w drewnie - Bogorodskaya, Abramtsevo-Kudrinskaya; (ilustracje 2-8)

Malarstwo na drewnie - Khokhloma, Gorodetskaya, Polkhov-Maidanskaya, Mezenskaya,

Dekoracja wyrobów z kory brzozowej - tłoczenie na korze brzozowej, malowanie;

Artystyczna obróbka kamienia – obróbka kamienia twardego i miękkiego,

Rzeźba w kościach - Chołmogory, Tobolsk. Chotkowskaja,

Miniaturowy obraz na papier-mache - miniatura Fedoskino, miniatura Palech, miniatura Msterskaya, miniatura Kholuy,

Artystyczna obróbka metalu - Veliky Ustyug czarne srebro, emalia Rostov (malowanie emalią na metalu), malowanie Zhostovo na metalu,

Ceramika ludowa - Ceramika Gzhel, Ceramika Skopińskiego, Zabawka Dymkowo, Zabawka Kargopol,

Koronkowanie - Koronka Wołogdy, Koronka Michajłowska,

Malowanie na tkaninie - chusty i chusty Pawłowa,

Haft - Vladimirskaya, kolorowy przeplot, haft złoty.

W Rosji istnieje ponad 80 rodzajów ludowej sztuki użytkowej, wskrzeszonych i tradycyjnie udokumentowanych. Są to: haft artystyczny, rosyjskie lakiery artystyczne, ceramika, malarstwo artystyczne na tkaninie, glinie, drewnie itp. Obecnie w Rosji istnieje 12 instytucji edukacyjnych, które szkolą studentów w najbardziej złożonych tradycyjnych obszarach ludowej kultury stosowanej, są to: Siemionow Szkoła , Ural School of Arts, Lomonosov School of Bone Carving, Torzhok School of Gold Sewing, Mstera School of Industrial Art itp.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa. Sztuka ludowa.

1. Od czasów starożytnych ludzką naturą było dążenie do piękna w

otaczający go obiektywny (materialny) świat. W tym celu na prostych tkaninach naniesiono haftowane wzory, a ceramikę ozdobiono ornamentami. Wyroby metalowe odlewano w formach figurowych, pokrytych tłoczeniem i karbem. Wzór, dekorację niejako „nałożono” na przedmiot, który stał się piękniejszy, bogatszy, bardziej elegancki. Zachował swoją utylitarną (praktyczną) podstawową zasadę, swoją użyteczność, ale teraz można go było po prostu podziwiać, pokazać jako punkt orientacyjny. A taki przedmiot był już ceniony nie tylko dlatego, że był po prostu użyteczny, ale także ze względu na swój wzór, za kunszt zdobniczy, szlachetność materiału i subtelność.Później, w XIX wieku, ta dziedzina sztuki rozwój świata obiektywnego określono jako „sztukę użytkową”.

sztuka użytkowa służy celowi praktycznemu, a jednocześnie

ozdabia nasze życie, tworzy pewien nastrój emocjonalny.

Sztuka dekoracyjna. Rozprzestrzeniać się w epoce

niewolnictwo. Pragnieniem ludzi jest ozdabianie się naszyjnikami, bransoletkami,

pierścionki, wisiorki, kolczyki itp. Później pojawiły się też obiekty

ozdoby odzieżowe, a następnie dekoracje domowe, np. dywany, dalej

których już nie siedzieli ani nie leżeli, ale powiesili na ścianie dla piękna lub wazonów podłogowych - również nie na kwiaty, a nie na wodę lub wino, ale na

dekoracje przedpokoju. Tutaj piękno jest na pierwszym miejscu. Ich

Jedyną „korzyścią” było to, że były piękne. To sztuka XVIII i XIX wieku.

nazywa dekoracyjny(od francuskich słów „dekoracja” – „dekoracja”). Produkty

sztuka dekoracyjna istnieje tylko po to, by ozdobić pomieszczenie,

odzież lub osoba. Jeśli obiekty projektowe są produkowane w milionach

obiegi, sztuka użytkowa – w tysiącach, potem wyroby dekoracyjne –

dziesiątki, a nawet jednostki. W nich artysta pokazuje przede wszystkim swoje

indywidualny gust. Najważniejsza rzecz w pracach dekoracyjnych

sztuka - ogólna ekspresja artystyczna, piękno rzeczy jako całości. Sztuki użytkowe i dekoracyjne ukazują gust i wyobraźnię artysty, odzwierciedlają materialne i duchowe zainteresowania ludzi, cechy narodowe.

Sztuki użytkowe i dekoracyjne w wielu przypadkach uzupełniają się wzajemnie.

przyjaciel. W tym przypadku mówi się o sztuce i rzemiośle.

Sztuka dekoracyjna to jeden z rodzajów sztuk plastycznych.

Sztuka dekoracyjna to dzieło, które wraz z architekturą

artystycznie kształtuje materialne środowisko otaczające osobę i

wprowadza do niego estetyczny, ideologiczny i figuratywny początek.

Rodzaje sztuki dekoracyjnej: sztuka i rzemiosło,

projektowe, teatralno-dekoracyjne, monumentalne i dekoracyjne,

dekoracja.

Sztuka ludowa.

Za tymi słowami kryje się wielkie i ważne zjawisko: poezja ludowa i

teatr, muzyka i taniec, architektura i sztuki wizualne. Sztuka ludowa jest fundamentem, na którym wyrosło budowanie światowej kultury artystycznej.

Charakterystyczne cechy sztuki ludowej:

1. Sztuka ludowa jest inna piękno i korzyści.

2. Umiejętności mistrzostwa technicznego i znalezione obrazy są przenoszone z

z pokolenia na pokolenie. Z tego powodu utrwalony na wieki

tradycja wybiera tylko najlepsze osiągnięcia twórcze.

3. Zbiorowa kreatywność . Wszystko w pracy jest podyktowane

wielowiekowa tradycja: dobór materiału i metody jego obróbki,

charakter i treść dekoracji.

Niesamowita wesołość sztuki ludowej bierze się ze świadomości

własna siła, bo za wszystkim kryje się talent, praca i jednomyślność wielu ludzi, najlepiej całych ludzi. Piękno również pochodzi z tego źródła. I oczywiście z rodzimej natury, od której mistrz się uczy.

Sztuka ludowa może być również źródłem pomysłów i inspiracji

profesjonalnych artystów.

3. Ornament

Duże znaczenie w sztuce ludowej przywiązuje się do ornamentu, który

ozdabia przedmiot lub jest jego elementem konstrukcyjnym.

Ornament (z łac. „ornamentum” - „dekoracja”) - wzór,

zbudowany na rytmicznej przemianie i kombinacji geometrycznych lub

elementy obrazowe. Głównym celem ozdoby jest dekoracja

powierzchni przedmiotu, podkreśl jego kształt.

Rodzaje ozdób: geometryczne, naturalne, zwierzęce.

Pokaz dzieł sztuki i rzemiosła

interesy materialne i duchowe ludzi, cechy narodowe.

27 grudnia 2019 r. w Miejskiej Sali Wystawowej (Gagarin Boulevard, 19) zostanie otwarta wystawa rękodzieła artystycznego „Mistrzowie ludowi życzą szczęśliwego Nowego Roku!”.

Już sama nazwa mówi sama za siebie: zwiedzających ucieszą prace wykonane rękami ludowych rzemieślników, a także rzemieślników – zwycięzców regionalnego konkursu zintegrowanego „Choinka w Godzinę Świąt – 2020”.

Centrum „Sztuka Ludowa” ogłasza wystawę „Koło Garncarskie Briańska”

25 grudnia 2019 r. w Miejskiej Sali Wystawowej (Gagarin Boulevard, 19) zostanie otwarta wystawa rękodzieła artystycznego „Garncarskie koło Briańska”, przedstawiająca twórczość tych mistrzów naszego regionu, którzy poświęcili się najstarszemu ludowemu rzemiosłu – garncarstwu.

W uroczystych wydarzeniach poświęconych Dniu Jedności Narodowej wzięli udział mistrzowie ludowi z obwodu briańska.

4 listopada 2019 r. mistrzowie ludowi regionu Briańska wzięli udział w uroczystych wydarzeniach poświęconych Dniu Jedności Narodowej.

W sali koncertowej Drużby zorganizowano wystawę rzemiosła artystycznego poświęconą kulturze i tradycjom różnych narodowości zamieszkujących nasz region.

Mistrzowie regionu Briańska wzięli udział w „Nocy Sztuki - 2019”

3 listopada w ramach ogólnorosyjskiej akcji „Noc sztuki” w Miejskiej Sali Wystawowej wraz z Regionalnym Centrum Metodycznym w Briańsku „Sztuka ludowa” odbyły się kursy mistrzowskie w zakresie sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Wzięło w nich udział prawie 100 osób.

Rzemieślnik Dubrovskaya znalazła się wśród laureatów Międzynarodowego Festiwalu-Targi Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej „Z rąk kobiety”

3-4 listopada 2019 r. W Centrum Kongresowym WTC (Moskwa) odbył się II Międzynarodowy Festiwal-Targi Rzemiosła Artystycznego „Z rąk kobiety”.

Obwód briański reprezentowała Larisa Vasilievna Ageeva, dubrowska rzemieślniczka, która otrzymała bon upominkowy od Związku „Briańska Izba Handlowo-Przemysłowa” na wycieczkę do Moskwy jako Grand Prix II regionalnego konkursu sztuki i rzemiosła „Kobiecy Złote Ręce”, która odbyła się w Briańsku.

Mistrzowie ludowi wezmą udział w „Nocy Sztuk – 2019”

3 listopada 2019 r. Noc Sztuki odbędzie się w Rosji już po raz siódmy. Hasłem akcji jest „Sztuka jednoczy”.

Briańskie instytucje kulturalne ponownie nie stały z boku. Tak więc Miejskie Centrum Wystawowe i Regionalne Centrum Metodologiczne „Sztuka Ludowa” w Briańsku postanowiły zorganizować w tym dniu wspólną akcję i zjednoczyć wszystkich w swojej miłości i pasji do tradycji sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

Prace mistrzów Briańska otrzymały dyplomy laureatów na ogólnorosyjskiej wystawie-przeglądzie „Salute of Victory” w Twerze.

16 października 2019 r. w Muzeum i Centrum Wystawienniczym. L. Czajkina z Twerskiego Regionalnego Domu Sztuki Ludowej, otwarcie międzyregionalnej sceny ogólnorosyjskiej wystawy-przeglądu artystów amatorów i mistrzów sztuki i rzemiosła centralnych i północno-zachodnich okręgów federalnych „Salute of Victory”, poświęcony 75. rocznicy zwycięstwa w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej 1941-1945.

Wystawa prezentuje 24 ekspozycje z Republiki Czuwaszji, Biełgorod, Briańska, Włodzimierza, Wołogdy, Woroneża, Iwanowa, Kaliningradu, Kaługi, Kurska, Leningradu, Lipiecka, Murmańska, Nowogrodu, Oryola, Pskowa, Riazania, Smoleńska, Tambowa, Tweru, Tuły , regiony Jarosławia, Petersburg i Nieniecki Okręg Autonomiczny.

Rzemieślnik Dubrowskaja weźmie udział w Międzynarodowym Festiwalu-Targowie Sztuki i Rzemiosła Artystycznego „Rękami kobiety”

3-4 listopada 2019 r. W Centrum Kongresowym WTC (Moskwa) odbędzie się II Międzynarodowy Festiwal-Targi Sztuki i Rzemiosła Artystycznego „Z rąk kobiety”.

Larisa Ageeva, rzemieślniczka z powiatu dubrowskiego, zdobywczyni Grand Prix regionalnego konkursu sztuki i rzemiosła „Złote ręce kobiety-2019”, zostanie reprezentantką regionu Briańska na terenie tego Międzynarodowego Festiwalu-Targu .

Prace mistrzów Briańska zostaną zaprezentowane na ogólnorosyjskiej wystawie-przeglądzie „SALUT ZWYCIĘSTWA” w Twerze

Od 14 października do 16 października 2019 w Muzeum i Centrum Wystawienniczym. L. Chaikina z Twerskiego Regionalnego Domu Sztuki Ludowej będzie gospodarzem strefowej sceny ogólnorosyjskiej wystawy-przeglądu „SALUT OF VICTORY”, poświęconej 75. rocznicy zwycięstwa w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej.

Wystawa odbywa się w ramach ogólnorosyjskiego festiwalu sztuki ludowej „Salute of Victory”.

Mistrzowie Briańska wzięli udział w festiwalu Tenishevsky

21 września W parku dworskim Tenishevów odbył się II Festiwal Tenishevów.