Jean-Baptiste Simeon Chardin: Hangulatos hétköznapi jelenetek. Chardin, Jean Baptiste Simeon (1699-1779) Ahol Jean Baptiste Simeon Chardin élt

Chardin Jean-Baptiste Simeon francia festő (1699-1779). A csendélet és a hétköznapi jelenetek ismert mestere, a felvilágosodás korának európai festészetében új portrékoncepció egyik megalkotója. Tanulmányait P.Zh. Kaza, N.N. Coypel és J. B. Vanloo Párizsban dolgozott. Chardin korai alkotásait a dekoratív látványosság és a cselekmény mulatság jellemezte, de az 1730-as évekre Chardin saját stílusát alakította ki, amelyet nemes visszafogottság, letisztultság és stílusegyszerűség jellemez.

Önarckép napellenzővel,
1775, Louvre Múzeum, Párizs

Lány ütővel és tollaslabdával
1740, Uffizi Képtár, Firenze

Madame Chardin, 1775,
Louvre Múzeum, Párizs

Chardin művész zsánerműveit finom líra hatja át, a „harmadik birtok” népének méltóságának feltűnés nélkül való érvényesítése („The Delivery Girl”, 1739, Louvre, Párizs, „Prayer Before Dinner”, 1744, State Ermitázs Múzeum, Szentpétervár); a gyerekképeket ("Fiú fonós pólóval", 1738, Louvre, Párizs) és a felnőttek portréit (feleségportré, pasztell, 1775, Louvre, Párizs) a légkör spontaneitása és őszintesége jellemzi.

A csendélet briliáns mestere, Chardin szerény tárgykészlettel, az építkezés szigorúságával és átgondoltságával, a képi textúrák anyagiasságával és lágyságával alkotott kompozíciókat, megteremtve a dolgok világa és az emberi élet közötti szerves kapcsolat érzetét. Ilyenek például a festmények - "Pipe and Jug", 1760-1763 körül, Louvre, Párizs; "Csendélet a művészetek jellemzőivel", 1766, Ermitázs, Szentpétervár. Chardin festészetét az ezüstszürke és a barnás tónusok egysége, a rengeteg reflex és finom árnyalatok jellemzik, amelyek harmonizálják a fényből az árnyékba való átmenetet.

Ima vacsora előtt
1740-es évek, Louvre Múzeum

Fiatal rajzoló,
1737, Louvre Múzeum

Fiatal tanár
1730-as évek, Louvre Múzeum

A 18. század második felének francia művészetében erőteljesen fejlődött a demokratikus irány, amelynek Chardin volt a legjelentősebb művésze. Ezekkel az új művészeti hősökkel együtt az embert körülvevő egyszerű hétköznapi dolgok képei jelentek meg a festészetben: háztartási cikkek - konyha és étkészlet; élelmiszer kellékek - vad, zöldségek és gyümölcsök; valamint a szellemi és művészi munkások – építészek, művészek, zenészek, tudósok – által használt tárgyak.

Chardin kedvenc műfaja volt a csendélet. A művész munkásságával önálló festészetként honosította meg a francia művészetben. A Chardin-csendéletek tárgykészlete általában kicsi, de a művész mélyen átgondolja kombinációjukat, elrendezésüket, finoman feltárja kapcsolatukat a használóval. A „csendélet művészeti attribútumokkal” bizonyos mértékig „önéletrajzi”: egy hosszú asztalon a művész munkásságához kapcsolódó dolgok vannak ábrázolva. Ez Merkúr isten fejének gipszöntvénye, több könyv, metszett laptekercsek, rajztoll, szögmérő. A beállítottságuk nyugodt és szabad, de van benne szigorú minta és harmónia. Diderot, felfigyelve Chardin kolorisztikus ajándékára, ezt írta: „Ó, Chardin! Nem fehér, piros és fekete festéket dörzsölsz a palettádra: az anyagot, a levegőt és a fényt veszed az ecset hegyére, és ráteszed a vászonra." A csendélet világos, világos színekkel van megfestve, a legfinomabb színárnyalatok feltűnő érzésével. A világos háttér előtt kiálló Merkúr fehér feje ünnepélyes hangot hoz, a tárgyak világát a hétköznapok fölé emeli, büszke és magasztos hangzást adva.

Chardin, aki szimbolikus precizitással született a leköszönő „nagy évszázad” utolsó évében, tanoncként kezdte útját, aki vadászjelenetekben kiegészítőket festett. Ám jóval halála előtt, amely nyolcvan éves korában érte, Chardin művész-filozófusként egyetemes tiszteletet vívott ki – ez elképzelhetetlen a 18. századi festők körében. Chardin posztumusz dicsősége meghaladta az életét. A 19. században a csendélet, amely neki köszönhetően kiemelkedő jelentőségű műfaj lett, továbbra is a kreativitás egyik formája, tele mély gondolatokkal, ellentétben megszokott céljával - hogy csak festészet maradjon, mint olyan. Egyből Chardin csendéletei jutnak eszünkbe, ha megnézzük Cézanne nagy csendéleteit, amelyeket ő festett - jelentős egybeesés - szintén a leköszönő század utolsó évében, 1899-ben. Ezek a csendéletek kulcsfontosságú helyet foglaltak el a 20. századi művészet fő színterében – legyőzve az illúziót, minden illúziót mint olyat. Csak ezután tekinthető kimerültnek a Chardin művészetében rejlő lehetőségek hatása.

Jean-Baptiste Simeon Chardin festménye "Az ifjú tanár".
A kép cselekménye egyszerű: egy fiatal lány olvasni tanít egy gyereket. A nagyon őszintén, közvetlenséggel és spontaneitással megfestett kép azt a megbonthatatlan érzelmi kapcsolatot fogja közvetíteni, amely mindkét figurát egyesíti. A hátteret általánosított módon, különösebb részletek nélkül kezeljük; a sűrűn és egyenletesen alkalmazott ütések a mélység és a stabilitás benyomását keltik. Ez egy néma kép, a végtelenül tartós idő értelmében, hasonlít Jan Vermeer munkásságára. Csak az asztal egyik fiókjában lévő kulcs képe töri meg a nyugalom és béke varázslatos hangulatát. Chardin a műfajfestészet és csendélet vezető mestere volt a 18. századi Franciaországban. Egyszerű, érzelgősségtől mentes kompozícióit az érzés mélysége jellemzi, a nyugodt, átgondolt színskála éles formafigyelésről, megértésről tanúskodik. Századunkban Chardin munkássága ismét népszerűvé vált, köszönhetően a formaértelmezés szinte elvont jellegének. Sokan kora zsánerfestészetének legnagyobb mesterének tartják. Chardin zsánerképsorozata, amelyet a női szorgalmasság témájának szenteltek, és ezzel párhuzamosan egy sorozat, amely a szórakozásban eltöltött életről mesél, legyen szó nemesi családból származó tinédzserekről vagy nagymamákról, egy és ugyanaz a valóság. , különböző formákban derül ki. Így például azon a képen, amit Chardin "The Delivery Girl"-nek nevezett, egy nő tér vissza a piacról, a kelleténél többet megpakolva, és megáll egy percre pihenni a nappali és a konyha közötti folyosón, egy kicsit. töprengő és szomorú; vele együtt úgy tűnik, megállunk és nyugodtan várunk, és ebben a percben van időnk átgondolni, mit nézünk. A kép iránti részvéttől áthatva közelebb lépünk és belepillantunk a képbe. Előttünk egy szemcsés festékréteg, és ez a bársonyos szín egyszerre valóságos életkérdés és egyfajta fénygyújtás, amely finoman beborítja az egész ábrázolt környezetet. A szín mindenre kiterjed, és ez mindent elmond. Az ajtón át nyílik egy másik szoba - a konyha, és ott, a térbeli átmenetek hűvös szürke mozaikjában látjuk a szobalányt különleges szokásaival és karcsú testtartásával, egy réz ivóvíztartályt és tovább - egy másik falat. Előttünk egyrészt maga a tér, másrészt a térzónák egy bizonyos sémája; A szín, amely a festészet anyagi médiumaként működik, ismét a művészet eszközei és maga az élet közötti közvetítő szerepében találja magát.

És hetvenhat évesen Chardin önmaga és mestersége iránti érzéke egyszerre volt vidám és szerény; készsége változatlan maradt, ugyanakkor mintha az árnyékba bújt volna. Cezanne kijelentése (1904. június 27-én) arra vonatkozóan, hogy Chardin milyen szabadsággal használta az orrát a síkok ábrázolására, talán nem érthető azonnal, de jól mutatja e két mester alkotói attitűdjének közelségét. Kifogásolható, hogy Chardint kortárs művészként közelítjük meg, de idézzük kortársát, a filozófus Denis Diderot-t, aki így jellemezte a „Briós” (Desszert) festményt: „Ez egy ember, aki valóban festő; ő egy igazi színművész .... Ez a fajta varázslat felfoghatatlan. A felszínen számos színréteg látható egymásra rakva, térhatásuk pedig a mélységből fakad..."
A művészeti folyamatok ilyen mély megértése, amelyet Diderot tanúsít, önmagában is egyedülálló. Elkapta a stílus kimerülésének pillanatát, amikor az utóbbi rossz irányt vett, és elvesztette a kifejezés tisztaságát. Diderot azt is nagyon jól értette, hogy Chardin „természet és művészet közötti helyzetét”, annak ellenére, hogy népszerű volt a művészek körében, még nem értékelték minden lehetőségében. Diderot előre látta, hogy Chardin munkásságának valóban filozófiai értelme még felfedezésre vár: legmélyebb értékei a festészet jövőjéhez tartoznak.

Önarckép

Jean-Baptiste Simeon Chardin, francia festő, az egyik leghíresebb festő 18századi és a festészet történetének egyik legjobb koloristája, a csendélet és a műfajfestészet terén végzett munkáiról híres. Párizsban született 1699. november 2-án. Pierre-Jacques Kaz és Noel Coypel tanítványa. Fiatalkorában n Segítve Kuapelnek, hogy festményein kellékeket mutasson be, elsajátította a mindenféle élettelen tárgy ábrázolásának rendkívüli művészetét, és úgy döntött, hogy kizárólag azok sokszorosításával foglalkozik. Önálló pályája kezdetén gyümölcsöket, zöldségeket, virágokat, háztartási cikkeket, vadászati ​​attribútumokat festett olyan szakértelemmel, hogy a műkedvelők híres flamand és holland művészek alkotásaira vitték festményeit, és csak 1739-től.témáinak körét szegények háztartási életének jeleneteivel és portrékkal bővítette. aki arra utasította, hogy portréiba kellékeket festsen.

Chardin már ebben az időben figyelemre méltó képességet mutatott a tárgyak pontos ábrázolására és a fény-levegő környezet jellemzőinek közvetítésére. 1728-ban a királyi akadémiára a csendélet mesterévé választották, 1743-ban az Akadémia tanácsadójává nevezték ki, 1755-ben pedig pénztárnoka lett; nem sokkal halála előtt hagyta el ezt a pozíciót. Chardin egész életében csendéleteket festett. 1733 után a műfaji kompozíciók felé is fordult. Nekik köszönhető, hogy Európa-szerte ismertté vált. A legtöbb ilyen festmény házimunkával elfoglalt vagy pihenő, gyerekeket játszó nőket ábrázol. Chardin szinte soha nem festett portrékat, bár néhány műfaji jelenete alapvetően rejtett portré.

Idős korára látásromlása miatt olajfestményről pasztellre váltott, több önarcképet is készített ezzel a technikával, valamint felesége és barátai portréit. Chardin 1779. december 6-án hunyt el Párizsban. A kis mérete és a témák szerénysége ellenére Chardin festményeit a tervezés mélysége és a kép értelmezésének finomsága jellemzi. A kritikusok mindig is felfigyeltek az ecset kifinomult színére és elsajátítására, különös tekintettel a festékek jellegzetes felhordási módjára, amikor a színfoltok egymás mellé vagy több rétegben helyezkednek el, mozaikszerűséget alkotva. A Chardin által írt tárgyak felülete úgy tűnik, hogy egyszerre nyeli el és tükrözi vissza a villódzó fényt; pépes vonások hangsúlyozzák az ábrázolt tárgyak szerkezetét.

Festményein a szín kissé visszafogott, a fény lágy és szórt, a tárgyak textúrája nagyon finoman és mesterien van átadva. A Chardin csendéleteiben ábrázolt tárgyak soha nem túl fényűzőek és szépek, elrendezésük véletlenszerűnek tűnik. Műfaji jeleneteinek szereplői szabadon és természetesen helyezkednek el a térben. A kép törhetetlen integritásának hatását az árnyéktárgyak, jellegzetes pózok vagy a karakterek nézetei által vetett reflexek pontos átvitele éri el. Chardin kortársai a 17. századi csendélet és műfaj holland és flamand mestereinek hagyományának folytatójaként beszéltek róla, és bizonyára jól ismerte e művészek munkásságát. Chardin gazdagította ezt a hagyományt; egy csipetnyi kecsességet és természetességet vitt be műfaji jeleneteibe. (c)

Lány ütővel és tollaslabdával 1740, Uffizi Képtár, Firenze


A Chardin az ezüstszürke és a barnás tónusok egységét tükrözi, rengeteg reflexet és finom árnyalatot, amelyek harmonizálják a fényből az árnyékba való átmenetet. A 18. század második felének francia művészetében erőteljesen fejlődött a demokratikus irány, és legjelentősebb művésze Chardin volt.

Ima ebéd előtt


Hölgy teát iszik


Reggeli WC


A művészet új hőseivel együtt a festészetben megjelentek az embert körülvevő egyszerű hétköznapi dolgok képei: háztartási cikkek - konyha és étkészlet; élelmiszer kellékek - vad, zöldségek és gyümölcsök; valamint a szellemi és művészi munkások – építészek, művészek, zenészek, tudósok – által használt tárgyak.
Fiatal rajzoló, 1737-es Louvre Múzeum, Párizs

Fiatal tanár


Buborék


Fiú pörgettyűs


Fogalmazó

kártyavár


Chardin művész zsánerműveit finom líraiság, az ember méltóságának feltűnésmentes megragadása hatja át, a gyermekképeket és a felnőttek portréit pedig a létfontosságú spontaneitás és a légkör őszintesége fémjelzi.
Mosónő


Mosogatni főzni

Cook tisztítás rutabaga

Szállító lány

A csendélet briliáns mestere, Chardin szerény tárgykészlettel, az építkezés szigorúságával és átgondoltságával, a festői textúra anyagiasságával és lágyságával alkotott kompozíciókat, megteremtve a dolgok világa és az emberi élet közötti szerves kapcsolat érzetét.
Csendélet


Eperkosár


Csendélet virágokkal a vázában

Csendélet porcelán kancsóval


Csendélet


Diderot, felfigyelve Chardin kolorisztikus ajándékára, ezt írta: „Ó, Chardin! Nem fehér, piros és fekete festéket dörzsölsz a palettádra: az anyagot, a levegőt és a fényt veszed az ecset hegyére, és ráteszed a vászonra."
Önarckép szemüveggel

Chardin, aki szimbolikus precizitással született a leköszönő „nagy évszázad” utolsó évében, tanoncként kezdte útját, aki vadászjelenetekben kiegészítőket festett.
Madame Chardin portréja


Ám jóval halála előtt, amely nyolcvan éves korában érte, Chardin művész-filozófusként egyetemes tiszteletet vívott ki – ez elképzelhetetlen a 18. századi festők körében. Chardin posztumusz dicsősége meghaladta az életét
Csendélet a művészetek attribútumaival

Jean-Baptiste-Simeon Chardin (Párizs, Franciaország, 1699. november 2., Párizs, 1779. december 6.) francia csendéletek és zsánerjelenetek otthoni festője. a festéküket. Csendéleteihez szerény tárgyakat választott ("Büfé", 1728), a zsánerképeknél pedig a szerény események is gyakori témát képeztek ("Asszony ír levelet", 1733). Gyönyörű portrékat is készített, főleg pasztellben.

Nevét hagyományosan Jean-Baptiste-Simeonnak tartották, de úgy tűnik, hogy a „Baptiste” egy írnok hibája volt, és most Jean-Simeon az elfogadott forma.

A Párizsban született Chardin soha nem hagyta el szülővárosát, Saint-Germain-des-Prés-t. Képzéséről keveset tudunk, bár egy ideig Pierre-Jacques Cazes és Noel-Nicolas Coypel művészekkel dolgozott együtt. 1724-ben felvételt nyert a Szent Lukács Akadémiára. Igazi pályafutása azonban 1728-ban kezdődött, amikor Nicolas Largillera (1656-1746) portréjának köszönhetően a Királyi Festő- és Szobrászati ​​Akadémia tagja lett, ahová bekerülve bemutatta "Scat" (kb. 1725) és "Büfé" (1728).

A Scat Chardin mércéjével szokatlanul markáns alkotás: a kibelezett hal furcsa „emberarca” van, amely hátborzongató grimaszba csavarodik, nyers húsát pedig mesteri kézművesség segítségével ábrázolják. Chardin élete hátralévő részében az Akadémia elkötelezett tagja volt - minden ülésen szorgalmasan részt vett és közel húsz évig (1755-74) pénztárosként szolgált, ezeket a feladatokat a legszigorúbban és legőszintébben közelítette meg, amihez példamutató volt. hírnév.

1731-ben Chardin feleségül vette Marguerite Sendardot, és két évvel később megjelentette első festményét, "A nő levelet ír". Azóta Chardin a „la vie silencieuse” („csendes élet”) vagy a családi élet jeleneteit választotta, mint például a „Kegyelem” és a munkájukra vagy játékukra koncentráló fiatal férfiak és nők rajzait. A művész gyakran ismételte témáit, és gyakran több eredeti változata is van ugyanannak a festménynek. Chardin felesége 1735-ben halt meg, és a halála után készített vagyonleltár bizonyos gazdagságot mutat. Feltételezhető, hogy Chardin ekkorra már sikeres művész lett.

1740-ben Jean-Simeont bemutatták XV. Lajosnak, és az 1750-es években érte el a legnagyobb tiszteletet, amikor XV. Lajos éves juttatást (1752-ben) és egy helyet a Louvre-ban, ahol élhet és dolgozhat. A királyi szívesség ellenére páratlan odaadással élt művészete iránt: rövid versailles-i és fontainebleau-i látogatásain kívül soha nem hagyta el Párizst.

Négy évvel később feleségül vette Margarita Pouzh-t, akit 30 évvel később pasztellszínű portréjával örökített meg. Ezek voltak azok az évek, amikor Chardin hírneve csúcsán volt. Például XV. Lajos 1500 livret fizetett neki az orgonás hölgy és a madarakért. Chardin folyamatosan kúszott felfelé a hagyományos tudományos karrier lépcsőin. Az akadémián dolgozó kollégái először nem hivatalosan (1755), majd hivatalosan (1761) őt választották a Szalonban (a Királyi Akadémia hivatalos kiállítása) a festmények felakasztásának kurátorává, amelyet 1737-től kétévente tartottak rendszeresen. amelyben Chardin nagyon hűségesen részt vett. Hivatalos feladatai ellátása során találkozott Denis Diderot enciklopédásszal és filozófussal, aki művészeti kritikájának legszebb lapjait Chardinnak, a „nagy varázslónak” szentelte, akit annyira csodált.

Jean-Simeon Chardin közelebb állt a meditatív csend érzéséhez, amely a 17. századi francia mester, Louis Le Nain falusi jeleneteit eleveníti fel, mint a fény és a felületes ragyogás szelleméhez, amely sok kortársa munkáiban látható. Gondosan felépített csendéletei nem tűnnek ki étvágygerjesztő termékekkel, hanem maguk a tárgyak és a fényfeldolgozás emlékeznek rájuk. Műfaji jeleneteiben nem a parasztság körében keresi modelljeit, mint elődei. A párizsi kispolgárságot írja. De a modor laza, modelljei pedig úgy tűnik, távol állnak a Le Nain kemény parasztjaitól. Chardin szeretői egyszerűen, de szépen fel vannak öltözve, és ugyanaz a tisztaság látható a házakban, ahol élnek. Mindenütt valamiféle közelség és kedves kommunikáció adja a varázsát ezeknek a szerény hétköznapi képeknek, amelyek Jan Vermeer műveinek érzéki hangulatával és formátumával rokoníthatók.

A korai és felnőtt életében elért diadalok ellenére Chardin utolsó évei mind magánéletében, mind karrierjében megzavarták. Egyetlen fia, Pierre-Jean, aki 1754-ben elnyerte az Akadémia Grand Prix-jét (a római művészeti tanulmányok díját), 1767-ben öngyilkos lett Velencében. Aztán a párizsi társadalomban elkezdtek megváltozni az ízlési preferenciák. Az Akadémia új igazgatója, a befolyásos Jean-Baptiste-Marie Pierre a történelmi festészet megalapozására törekvő törekvésében megalázta a régi művészt, csökkentette nyugdíját, és fokozatosan megfosztotta az akadémián betöltött feladataitól. Ráadásul Chardin látása is megromlott. Megpróbált pasztellel festeni. Ez egy új gyógymód volt számára, és kevésbé terhelte meg a szemét. Chardin pasztelljeit, amelyek többsége a Louvre-ban található, ma nagyra értékelik, de akkoriban nem nagyon értékelték. Valójában élete utolsó időszakát szinte teljes homályban élte, későbbi műveit közönnyel fogadták.

Csak a 19. század közepén fedezte fel újra néhány francia kritikus, köztük Edmond és Jules de Goncourt testvérek, és a gyűjtők is nagyra értékelték (például a Lavayard fivérek, akik Chardin-gyűjteményüket adományozták az amiens-i Picardie Múzeum). A Louvre az 1860-as években szerezte meg először művét. Manapság Chardint a 18. század legnagyobb csendéletfestőjének tartják, és vásznai a világ legjelentősebb múzeumaiban és gyűjteményeiben díszes helyeket foglalnak el.

Megtekintve: 4439

Jean-Baptiste-Simeon Chardin(1679-1779), a 18. század egyik legnagyobb festője, Párizsban született kézműves családban. Munkásságának korai időszakáról szinte semmilyen információ nem maradt fenn. Ismeretes, hogy 1724-ben belépett a Szentpétervári Akadémiára. Luke. 1728-ban egészen szokatlan módon felvételt nyert a Királyi Festészeti és Szobrászati ​​Akadémiára.

a fiatal művészek kiállításán bemutatott két alkotását az Akadémia tagjai jegyezték, és egy eddig ismeretlen mestert is meghívtak. Chardin az Akadémia tagja lett az „állatok, gyümölcsök és virágok” osztályában – ez a legalacsonyabb a korszak műfaji hierarchiájában.

Egy párizsi kézműves asztalos fiaként akadémikus festők képezték ki, de nagyon hamar szakított munkamódszerükkel - más mesterek mintája és képzelete szerint. Ezzel a módszerrel szembeállította a munkát a természettel és annak alapos tanulmányozásával – ehhez az elvhez egész életében hűséges maradt. 1728-ban Chardin két csendélettel hívta fel magára a figyelmet. Skat "és" büfé " , Párizs, Louvre), a szabadtéri Place Dauphinban volt kiállítva, ahol évente egyszer fiatal művészek mutathatták be festményeiket. A siker, amely az ő sorsára esett, lehetővé téve számára, hogy benyújtsa munkáját az Akadémiára. Itt csendéletei egyhangú elismerésben részesültek, és Chardint beválasztották az akadémikusok közé.

1731-ben Van Loo vezetésével Chardin részt vett a Château de Fontainebleau-ban található I. Ferenc képtár freskóinak restaurálásában, amely megalapozta a híres fontainebleau-i iskolát. Csendéletekkel kezdve, 1733 után a műfaji jelenetek felé is fordult. Kortársai fantáziátlan művészt láttak benne, aki egyszer felépített egy bizonyos kompozíciós struktúrát, majd sokszor visszatér hozzá. 1740-ben Chardint Versailles-ban ajándékozták XV. Lajos királynak, és két festményét is átadták neki.

Az 50-es és 60-as években Chardin népszerű művész lett, akinek csendéletei és zsánerjelenetei keresettek és jól fogynak, de ennek az időszaknak a végére fordulópont következik az életében. A közvélemény a korszak ízlés- és divatváltozásait követve elveszti érdeklődését művei iránt. Magánéletében dráma játszódik. Egyetlen fia, Pierre-Jean, egy nagyon tehetséges és ígéretes fiatal művész, aki megnyerte a Királyi Akadémia Grand Prix-jét, 1767-ben öngyilkos lesz Velencében.

A feledés időszaka egészen a 19. század közepéig tart, amikor is a kritikusok és a gyűjtők újra felfedezik Chardin festményeit. Aztán nyilvánvalóvá válik

hogy a csendélet legjobb mestere volt és nem csak korának, műfaji jelenetei pedig tele vannak költészettel, lírával és életigazsággal. Ugyanakkor feltárul festészeti technikájának tökéletes minősége, amelyet lassú, fájdalmas, gondos munka, átalakítások során ért el. A művész maga fedezte fel nagyszerű ügyességének titkát, amikor egyszer azt mondta: "Festeket használunk, de érzésekkel írunk."

Chardin kedvenc műfaja volt a csendélet. Ez a műfaj a 18. században jött divatba a hollandok hatására, akiknek elbűvölésében az irodalomban körvonalazódó egyszerűség és természetesség utáni vágy visszhangzott. De a francia mesterek csendéleteikben általában nem a holland művészet reális alapjaiból indultak ki. hanem díszítőelemeiből. Chardin ezt a dekoratív csendéletet állította szembe egyszerű, szerény, minden hatástól mentes festményével. Op festett cserépkancsók, palackok, poharak, egyszerű konyhai eszközök, amelyeket gyümölcsök és zöldségek vesznek körül, néha halak vagy elejtett vadak. De ezekben az egyszerű tárgyakban rengeteg színes árnyalatot fedezett fel, amelyek rendkívüli erővel fejezték ki a dolgok anyagi tulajdonságait.

A művész elképesztő finomsággal közvetíti a csiszolt réz ragyogását ( "Réz tank" , 1730-as évek), őszibarack matt felülete ( "Kosár őszibarackkal" ... 1768), a briós gazdag pompája ( "Desszert" , 1763, minden - Párizs, Louvre). Ezeknek a kis festményeknek a kompozíciói szigorú logikának vannak kitéve. Chardin kifogástalan ritmusérzékkel rendezi vásznai klasszikusan kiegyensúlyozott és harmonikus szerkezetét ( "Csendélet a művészetek attribútumaival" (előzetes) , 1760-as évek, Moszkva, A. S. Puskinról elnevezett Állami Szépművészeti Múzeum). A tárgyak sajátos teljességgel átgondolt aránya feltárja jellegzetes vonásaikat, formai kifejezőkészségüket, színszépségüket, melynek legösszetettebb árnyalatait a művész apró, remegő vonásokkal rögzíti. Fényjáték érzetét keltik a tárgyak felületén, kombinálják velük

a környezet. Chardin festészetének ezeket az érdemeit Diderot azonnal nagyra értékelte, aki „a Szalon első koloristájának és talán a festészet egyik első koloristájának” tartotta. „... Hogy mozog a levegő ezek körül a tárgyak körül – kiált fel Diderot –, az érti a színek és a reflexek harmóniáját.

Chardin zsánerképei ugyanolyan eredetiek és tökéletesek. A francia harmadik uradalom – a kispolgárság és a munkásnép – életének egyszerű jeleneteinek ábrázolására törekednek. Chardin maga is kiemelkedett ebből a környezetből, és élete végéig nem szakította meg vele a kapcsolatot. A 18. század művészetében először kerültek a művész figyelmének középpontjába a mindennapi élet ilyen motívumai. Chardin műfajú festményeinek cselekményei nélkülözik a drámát vagy a narratívát. A legtöbb esetben ez egy békés, sietetlen otthoni élet képe: egy gyermekes anya egy szerény étkezés előtt imát olvas ( "Ima vacsora előtt" , 1744, Állami Ermitázs); egy mosónő ruhát mos, és egy gyerek ült a kád közelében, és szappanbuborékokat fúj ( "Mosónő" , Állami Ermitázs), egy fiú, aki szorgalmasan hajtogatja a kártyavárat ( "Kártyavár" , Párizs, Louvre) – ezek a mester festményeinek tipikus cselekményei. Természetességük és egyszerűségük éles ellentétben áll Boucher műfaji jeleneteinek modorosságával és ravaszságával. Chardin művei teljesen mentesek az irodalmi és didaktikai irányzatoktól, valamint az érzelgősségtől,

legtöbb kortársának hasonló festményeinek velejárója. De ahogy Chardin felfedezte csendéleteiben az egyszerű konyhai eszközök szépségét, úgy a szerény hétköznapi otthoni jelenetekben a magasztos és tiszta emberi érzések egész világát fedezhette fel, amelyek festményein valódi költészetet és erkölcsi jelentőséget kapnak. A lírai behatolás ("Színeket használnak, de érzéssel írnak" - mondta Chardin) ötvöződik bennük az előadás művésziségével és a stílus eleganciájával, amely minden akkori művészetre jellemző. A csendéletekhez hasonlóan Chardin zsánerképei is lágyan, általánosan íródnak, fényességtől mentes színük pedig a kifinomult tónusok legfinomabb harmóniáira épül.

A 18. századi francia művészetben Chardin a realista portré egyik megalkotója is volt. Ebben a műfajban alkotott alkotásaitól teljesen idegenek a dekoratív hatások, a hivalkodó pózok, amelyek megkülönböztetik az udvari művészek portréit. Összetételükben egyszerűek, színük visszafogott. Chardin minden idealizálást kizárva, karaktereiben igaz és pontos, ugyanakkor mindig hangsúlyozza modelljei erkölcsi értékét. Az emberi személy értékének a felvilágosodás korára oly jellemző érvényesülése húzza meg a művész e látszólag szerény alkotásait. Chardin legjobb portréi közé tartoznak az önarcképei és a feleségéről készült, pasztell színekkel készült portré (1770-es évek, Párizs, Louvre).

Chardin realista művészete azonnal támogatást kapott a vezető művészeti kritikáktól. Azonban a század második felében, amikor a művészetnek – ahogy Diderot fogalmazott – „az erkölcs iskolájává, néma szónokká kellett válnia, aki erényekre és magasztos tettekre tanít bennünket”, Chardin művei már nem elégítették ki az új kritikát. tiszteletben tartja. Most azok a művészek kezdtek különös sikert elérni, akiknek munkáiban didaktikai vonások jelentek meg.

kártyavár

Kártyavár. 1736-1737 körül. National Gallery, London

Chardin egy fiút ábrázol, barátja, Lenoir bútorasztalos fiát, amint kártyaházat épít az asztalra. Az asztal, amelyre a gyermek támaszkodik, központi helyet foglal el a kompozícióban, és lehetővé teszi a művész számára, hogy egy pompásan festett csendéletet vigyen be a kép terébe. Váratlanul és eredeti módon kezdődik egy félig nyitott dobozzal az előtérben.

A festmény két műfajt ötvöz - a mindennapi élet jelenetét és a csendéletet. A kompozíció rendkívül lakonikusan és egyszerűen van felépítve. A művész olyan odafigyeléssel és szeretettel ábrázolja a hétköznapi tárgyakat, hogy úgy tűnik, fő feladata, hogy megmutassa a nézőnek, milyen szépek a maguk egyszerűségében. Valójában azonban a gyerekjáték e szerény epizódja mögött mélyebb húzódik meg

jelentése. Valójában egy erkölcsi allegória áll előttünk, az emberi erőfeszítések hiábavalóságát szimbolizálva, amelyet a halál olyan könnyen tönkretesz, mint a gyermek egy kézmozdulattal vagy egy levegővétellel a kártyavárát.

A téma értelmezése azonban vanitas itt más, mint a 17. századi festészet jellegzetessége, amely különös szeretettel bírt. Ha a múlt század művészei olyan motívumok felé fordultak, mint a koponya vagy a temető, és különösen a drámai kezdetet hangsúlyozták, most az emberi élet értelmének, múlandóságának és gyarlóságának örök kérdése a tragikus pátosztól mentes, egyszerű eseménnyel változott. . De ettől nem hangzott kevésbé megrendítően.

A kompozíció szigorúsága, amelyben nincs semmi felesleges, megfelel a szinte monokróm színnek, amely mentes a külső hatásoktól. De szinte kizárólag a barna-okker színspektrumon belül maradva a művész a vásznat különféle tónusárnyalatok váratlan képi gazdagságával és a színek által kibocsátott meleg, enyhén vöröses fénnyel telíti.

A "Kártyavárral" együtt Chardin egy másik ilyen cselekményt használ, hogy erkölcsi allegóriát alkosson a témában. vanitas – "Buborék" ... És itt a gyermekjáték motívuma az emberi élet mulandóságának és gyarlóságának szimbólumává válik. A művész egy fiút ábrázol, aki egy ablakpárkányra hajol, és buborékokat fúj az utcára. A jobb oldalon egy vicces sapkás kölyök nyújtja a kezét, hogy megnézze őket. A gyerekek mellett gyönyörű csendéletet ábrázolnak.

Önarckép 1771-ben a Szalonban volt kiállítva a pasztell technikával kivitelezett mű, két másik alkotással együtt. Ekkor már tudni lehetett, hogy a mester egészségi állapota megromlott, nem tud tovább dolgozni. A Chardin által ezen a kiállításon bemutatott dolgok - minőségileg igazi remekművek - azonban szenzációt keltettek. Az önarckép kékes-szürke papírra készült, ami további, igen gazdag kolorisztikus hatásokat ad.

Önarckép, 1775

Önarckép zöld szemellenzővel, 1775, Louvre

A 18. század a francia kultúra ragyogó virágzásának ideje. Egész Európa számára a forradalom előtti Franciaország a divatok és ízlések, az irodalmi és filozófiai hobbik, valamint az életmód vitathatatlan irányadója volt. Mindezt elsöpörte az 1789-es forradalom. Akkoriban volt egy mondás: aki nem élt Franciaországban a forradalom előtt, az nem tudja, mi az igazi élet. Mindenféle – esztétikai és egyéb – örömöt jelentettek, amelyek a forradalom előtti időszakban különös kifinomultságot értek el.

A művészet magas szakmai színvonalát évente a Szalonok elnevezésű kiállításokon mutatták be, amelyekre szigorú tudományos zsűri választotta ki a műveket. A szeszélyes belsőépítészet rokokó stílussá fejlődött, amely a képző- és iparművészet különböző típusait és műfajait ölelte fel, amelyek a belsőépítészeti együttest alkotják. Ebben a változatosságban és ragyogásban nem nehéz elveszni az akadémiai kompozíciók kiemelkedő mesterének. De Chardin, aki soha nem festett történelmi képeket, ünnepi portrékat, vagy rocaille gáláns jeleneteket, a "legalacsonyabb" műfajokra korlátozva magát - csendélet és hétköznapi élet, nemcsak hogy nem tévedt el, hanem magasabbnak és jelentőségteljesebbnek bizonyult. mint a rokokó és a szalonakadémizmus e ragyogó talmi, a 18. századi francia festészet központi alakjává és az egyik legkiemelkedőbb nyugat-európai művészré vált.

Chardin párizsi kézműves környezetből származott, édesapja biliárdasztalok gyártására szakosodott iparos volt. Ezt a környezetet az erkölcsi szigor és a kemény munka jellemezte, a férj korán kelt, reggeltől estig megrendelésre vagy eladásra készített termékeket, a legmagasabb minőséget elérve, a feleség pedig a háztartást irányította. Jámboran, szigorúan, gazdaságosan és józanul, ésszerűen és szorgalmasan éltek, és egész életüket a kandalló iránti szeretet, a szeretteik, a családi hagyományok, az emberi méltóság magas pátosza színesítette, amely alázatban és jámbor munkában nyilvánul meg nem kevesebb, mint arisztokrata párbajokban és katonai hőstettekben.

A kézműves környezetnek ez a módja egyszerre lesz Chardin imázsának témája és az a szellem, amely táplálja kreativitását és formálja lenyűgöző stílusát. A művész édesapja küszködött, szorgalmasan csiszolta a biliárdasztal felületét, a legkisebb egyenetlenségtől is olcsó konyhaasztal lett, ami nem éri meg a ráfordított anyagokat. Chardin ugyanazzal a kitartással és értelmes buzgalommal foglalkozott kis képeivel kora ifjúságától egészen öregkori haláláig. Sokáig írtam őket, szeretettel, szorgalmasan és alaposan.

Az akadémiai festők, a történelmi festészet mesterei, Vanloo és Kuapel képzése után Chardin azonban tartózkodott a történelmi festmények írásától. Egész életében azon siránkozott, hogy nem rendelkezik megfelelő képzettséggel, nem ismeri a mitológiát, a történelmet és az irodalmat, ezért nem tud hozzáértően foglalkozni a történelmi cselekményekkel. Ezért azt írta, amit jól tudott - a párizsi burzsoáziát körülvevő tárgyakat, a hangulatos belső tereket, amelyekben élt.

A művész első alkotásai csendéletek, konyhai és vadásztrófeák voltak (nem Vanloo hatása nélkül), amelyekben megpróbált lábujjhegyre állni a holt természet alulról jövő műfajában, vagy arisztokratikus vadászjelleget adva, vagy bőségesen barokk karakter, ha konyhai cikkekről van szó. Korai vásznai sikereket értek el professzionális környezetben, és a szerény, másodlagos Szent Lukács Akadémia rövid tartózkodása után a huszonkilenc éves Chardin 1628-ban felvételt nyert a Királyi Művészeti Akadémiára, ahol a „halott természet” szakterülete volt. Az Akadémián Chardin szerény, lelkiismeretes és jóindulatú emberként gyökeret vert, állandó pénztárnoka és az ülések elnöke volt. Kijelentéseiből megmaradt a felhívás: "Több lágyságot, uraim, több lágyságot" - mondják, nem kell egymást kritizálni, a művész mestersége nagyon nehéz, ritka az, aki évtizedekig tanult, sikereket ér el, sokan soha nem lettek művészek, elhagyták ezt nehéz foglalkozás, katonának vagy színésznek lenni; még egy közepes festmény mögött is több évtizedes tanulmányozás és több éves gondos munka áll ezen a vásznon. Ilyen szelídséggel Chardin azonban nem volt teljesen ártalmatlan. A Szalon kiállításán akadémikusok képeit állíthatta szembe, hogy észrevétlenül kiemelje hiányosságaikat; de nyilatkozataiban rendkívül óvatos és jóindulatú volt.

Külön kiemelendő a Szalon. Ez egy évenkénti áttekintés Franciaország legjobb művészei által készített legjobb munkákról, amelyre az alkotásokat hozzáértő zsűri segítségével választották ki. Az ilyen, válogatós és kvalifikált válogatású kiállítások fontos feltétele a művészet fejlődésének: ha csak a megrendelők ítélkeznének a művészetről, akkor a művészet soha nem emelkedne felül a hasonló portrékon, kukorica tájakon és ideológiailag konzisztens oltárképeken. A szalonok a magas szakmai színvonal fenntartását is szolgálták. A zsűri által kiválasztott alkotásoknak, bármennyire is akadémikusak és „szalonosak” voltak, volt egy fontos előnyük - műhelyek, szakmai munkák voltak. Egy tehetséges amatőr pedig fejlődhetett, akinek a szalonok színvonala hangvilla volt tevékenységéhez. A "zsenik" előállításához erős, középszerű szakemberekből álló környezetre van szükség.

Akadémikus lett, és jövedelmező állandó megrendeléseket kapott, Chardin az egyszer s mindenkorra kiválasztott műfajban fejlődött. Csendéleteket fest, amelyekben a képi tökéletességet elérve a korai többszólamú kompozícióktól az egyre egyszerűbb, szerényebb alkotásokig halad át három-öt legáltalánosabb tárgy, amelyet csendéletből csendéletbe - egy pohár, egy ferde üveg sötét. üveg, rézmozsár, cseréptál, néha porcelánkancsó is megjelenik; az edényekhez szőlőfürtöt és tört gránátalma gyümölcsöt, gyakrabban pedig almát, burgonyát, hagymát, pár tojást, legyet és csótányt tesz hozzá, amelyek a konyhabelső rendszeres szereplői. Minél egyszerűbb a leghétköznapibb tárgyak színrevitele, annál bonyolultabb a festés és kompozíció. A kompozíció nem produkció, fel lehet ölteni a legfényűzőbb tárgyakat, a legbonyolultabb építészeti dekorációkat és a legszebb és legszámosabb ülőket különféle és drága jelmezekben, és ebből a fényűző előadásból a kompozíció primitív, banális, unalmas lehet. , és inkább nem bonyolult, hanem recsegő. Éppen ellenkezőleg, a legszerényebb tárgykészlettel a kompozíció, akárcsak a festészet, lehet a legösszetettebb és legtökéletesebb. A kompozíció nem elrendezés, ahogyan ezt a latin kifejezést olykor pontatlanul értik és fordítják, hanem "összeállítás", azaz összefüggés, összefüggések kialakítása egy műben annak elemei között, a részek egységének, harmóniájának elérése.

De nem lehet azt mondani, hogy az egyszerű tárgyak szűkös anyag egy festő számára. Átutazhatja a Földet vagy egy alma felszínén; teleszkópon keresztül csillagászati ​​világokat nézhet, vagy növényi sejtet mikroszkóppal, és mindkét esetben felfedezéseket tehet, jelentős tudományos elméleteket alkothat. Így van ez a művészetben is. Chardin nem éri el a naturalizmust; igen, illúzióra törekszik, egy ferde réztartályba kukucskál, de kiderül még valami - képi és plasztikus gazdagság, tökéletes festészeti nyelv van kialakulóban. Sok festő az érdekes témáknak köszönhetően érte el a sikert, és munkájukat csak úgy lehet megérteni, ha ezeket a külső rétegeket gereblyézi, titkosított szubtextust keres. Chardin "tudatlansága" miatt az "érdekes témáktól" kezdetben azonnal és örökké visszautasítja, legérdekesebb témája pedig maga a festészet marad. Ez az egyik "legtisztább" festő a művészet történetében. Az egyetlen másik ilyen talán Cezanne-nak nevezhető.

„Ki mondta neked, hogy festékekkel festenek? Érzésekkel írnak, de csak festéket használnak!" - Chardin ilyen felkiáltása ismert. Chardin nem bízik a művészetről és az iskolai szabályokról szóló érvekben, inkább az intuícióra hagyatkozik, bízik a művész okos szemében, beleér a kép témájába, és akkor ír, amikor a lélek minden ereje az ecset hegyén van. Chardin nem fogalmazott meg elméleteket, nem próbálta szavakkal kifejezni alkotói módszerének sajátosságait. Ő mindenekelőtt a kortárs elméletek, a rubensisták és a poussinisták hangoskodásai felett állt. Megértette, milyen nehéz tisztességes művészi eredményt elérni, és nem vesztegette az időt a beszélgetéssel.

A képzett kézművesek szigorú és spirituális életmódja, amely Chardin személyiségét és művészetét egyaránt megalapozza, szintén szerepelt ábrázolásában. Számos zsánerképet készített, csendélethez hasonlóan - belső jelenetek: étkezés, gyerekjátékok, főzés, ruhamosás, anya és gyerekek. Chardin boldog házasságban élt. Amikor első felesége meghalt, tíz év özvegység után feleségül vett egy idős gazdag hölgyet, aki tisztelte fontos férjét, a szorgalmas és méltó embert, és gonddal és odafigyeléssel vette körül öregségét. Chardin szigorúan követte az apja – asztalos, nagyapja – kézműves életmódját és mindezt az osztályt. Kényelmesen, jólétben, külső ragyogás nélkül élt, amire olykor a tehetős divatos művészek is törekedtek, arcképeiken az arisztokrata karaktereket utánozva.

Chardin egyik zsánerképének a címe jellemző – „Ima vacsora előtt”: az anya arra tanítja a gyerekeket, hogy étkezés előtt hálát adjanak Istennek, és ne feledjék, nem csak kenyérrel él az ember.

A Mosónő Chardin egyik remeke, egy általában nagyon egyenletes művész, aki szinte minden munkájában magas művészi eredményt ért el. De ez a kép így is kifejezetten jó. Egy félsötét szobában – az átlagos párizsi lakásának mosdójában – egy cselédlány mosdat a vályúban, egy kisgyermek pedig a földön ül, és lenyűgöző üzletet folytat – koncentráltan fújja a buborékokat. A mosással elfoglalt nő élvezettel és helyesléssel néz a kicsire, vigyáz rá. A sötét mélységben - kissé nyitott ajtó egy másik, világos helyiségbe, ahol mosás is folyamatban van; arany fény "beborítja" az ott álló mosónő alakját, a zsámolyt és a vályút.

Csak a cselekményt elmondani – keveset vagy semmit sem mondani Chardinról. Klasszikusan kiegyensúlyozottak a tárgyak – ahogy a csendéletben edények és tálak vannak az asztalon, úgy a szoba padlóján figurák és bútordarabok; hogyan ragad ki a fény a sötét mélységből csak azt, ami további szervezőelvet ad a kompozíciónak; mint a tárgyaknak lokális színt adó szín és a világításra jellemző szín, színezési rendszert alkot az elsődleges és másodlagos színek mindenhol behatolásával; hogyan jön létre a fa, különböző fajtájú szövet, testfelület textúrájának illúziója - és egyúttal egy átgondolt, jól szervezett színrendszer épül fel.

Ha összevetjük Chardin csendéleteit és mindennapi festészetét a 17. századi holland és flamand festményekkel, ahol művészek egész serege specializálódott ezekre a műfajokra, és versengve és versengve érte el bennük a ragyogást és a tökéletességet, kiderül, hogy a szerény Chardin sokkal inkább. Nehezebbek és meggyőzőbbek mellettük, mint a hollandok az összes ékszerkehelyükkel és delfti fajansszal, rengeteg egzotikus gyümölccsel, vadakkal és idegen tengeri halakkal, sematikusabbnak és szegényesebbnek tűnnek, mint Chardin színes szimfóniái, amelyek valami hámozatlan burgonyáról írnak.

Chardinnal kapcsolatban húzós gondolatait összevetni a felvilágosodás filozófusainak állításaival és elméleteivel. Programszerűen „antiintellektuális”, kiemeli képzettségét, és kerül minden elméletet. De mély kapcsolata a felvilágosodás kultúrájával az alkotói módszerében van, amelyet ecsettel, nem szavakkal fogalmazott meg. És ha összevetjük munkásságát a 18. századi szellemi élet bálványaival, a francia enciklopédistákkal és oktatókkal, Chardin munkássága nem kevésbé jelentős, mély és intellektuális, mint Diderot, Voltaire és Rousseau filozófusok és írók művei.

A "tanulatlan" Chardin a felvilágosodás korának nagy francia kultúrájának egyik csúcsa.